El arte de Sánchez Kelly

ÚLTIMO GESTO DE SOLIDARIDAD La Oportunidad de un Museo de Arte Contemporáneo para el Chaco Campaña Pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly

Thu, 07 Nov 2024 10:56:01 GMT

Nos acercamos al cierre de una campaña impulsada por la familia del artista Oscar Sánchez Kelly, que gira en torno a una causa de vital importancia: solicitar al Gobierno de la Provincia del Chaco la reanudación de las obras de rehabilitación del edificio designado, mediante el Decreto 2023-976 Chaco, del 24 de abril de 2024, como sede del Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly, ubicado en la calle Julio A. Roca 233 de Resistencia.

Estas obras, actualmente suspendidas indefinidamente, representa una oportunidad invaluable para preservar y difundir no solo el legado artístico de Sánchez Kelly, sino también de otros grandes artistas que conforman el patrimonio cultural de la provincia, contribuyendo al desarrollo socio-educativo y económico de nuestra comunidad.

Durante estos dos meses, hemos compartido artículos que destacan experiencias similares en ciudades y países donde el arte ha transformado destinos y revitalizado comunidades. Además, hemos presentado argumentos sólidos que justifican esta petición y subrayan la importancia de este espacio para el futuro del arte y la educación artística en nuestra región.

La campaña culminará el próximo 15 de noviembre del cte., y hacemos un llamado a quienes aún no se han sumado para que lo hagan enviando su adhesión a museosanchezkelly@eternityediciones.com. Este es un último gesto de apoyo a una iniciativa que tiene el poder de transformar la manera en que Resistencia y la Provincia del Chaco abrazan la cultura, incrementando la infraestructura necesaria para albergar el inmenso caudal creativo de tantos artistas que anhelan una oportunidad de visibilizar su obra, de estudiantes que desean aprender de los grandes maestros, y de toda la comunidad artística de la región que encuentra en este proyecto una promesa de crecimiento y proyección.

Los promotores de esta campaña agradecemos profundamente a todos los que ya han expresado su adhesión y compromiso con esta causa. Su respaldo es el pilar que sostiene nuestra visión y el motor que nos impulsa a seguir adelante.

Dra. Perla Guggiana. Dra. Claudia G. Sánchez. Fernando Sánchez

CUANDO EL ARTE TAMBIÉN ES CONSCIENCIA CAMPAÑA PRO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO SÁNCHEZ KELLY Serie: ¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?

Thu, 07 Nov 2024 10:52:51 GMT

Afirmar que la obra de Sánchez Kelly también es consciencia, se fundamenta en un análisis cuidadoso de las obras del artista, su extensa trayectoria como docente en la Universidad Nacional del Nordeste (UNNE) en Argentina, y los numerosos premios y reconocimientos obtenidos a lo largo de su carrera. Además, refleja las profundas reflexiones filosóficas que acompañan su obra, recopiladas en un fondo bibliográfico compuesto por doce títulos, entre los cuales sobresale "El universo sin costuras del arte. Diálogo entre artistas. El hilo de oro".

El término "consciencia" no solo celebra la dimensión estética de las creaciones de Sánchez Kelly, sino que también pone de relieve su compromiso con la introspección, el autoconocimiento y el despertar de la consciencia, reflejando su constante búsqueda por explorar y comprender la naturaleza humana y su verdadera esencia. El arte de Sánchez Kelly se distingue por ser un medio de introspección filosófica y por abordar temas universales que resuenan con las inquietudes de la sociedad contemporánea, como el despertar de la consciencia a través del arte.

Para Sánchez Kelly, la consciencia es un medio de transformación que invita al espectador a reflexionar a través de la interacción con la obra de arte. De este modo, se genera un espacio donde se enfrentan tanto la dimensión estética como las emociones y pensamientos propios del espectador, conduciéndolo hacia un proceso de autodescubrimiento.

En un mundo saturado de estímulos digitales, donde la innovación tecnológica redefine el espacio museístico, surge la necesidad de un enfoque que recupere la reflexión filosófica en el arte. No se trata solo de observar, sino de mirar hacia adentro. Si bien la tecnología ha revolucionado la manera en que interactuamos con el arte, sigue siendo imprescindible el papel de la introspección y la reflexión profunda para comprender nuestra existencia y el entorno que nos rodea.

El "Museo Sánchez Kelly se concibe como un lugar de encuentro y diálogo, donde las obras no son meras representaciones visuales, sino invitaciones a participar activamente en un diálogo introspectivo, impulsado por la creatividad y el lenguaje artístico. Este enfoque busca motivar al visitante a una mayor comprensión del sentido de la vida y al despertar de la consciencia.

El proceso de transformación interior es central en la filosofía de la obra de Sánchez Kelly, actuando como catalizador para el despertar de la consciencia. A través de sus dibujos, pinturas y grabados, el espectador es guiado hacia una experiencia en la que el arte se convierte en una fuerza transformadora.

El título término ”Consciencia" destaca el papel del arte no solo como una forma de expresión estética, sino también como un vehículo para el desarrollo de la consciencia. Las obras de Sánchez Kelly invitan a los espectadores a trascender la mera observación, participando en un diálogo introspectivo donde el arte sirve como un instrumento para la mente y el espíritu. Este lenguaje universal conecta a individuos y culturas en una búsqueda común de

significado y verdad, creando un espacio donde el aprendizaje es continuo y el arte inspira y educa, fomentando una comprensión más profunda de nosotros mismos y del mundo que nos rodea.

El proyecto Museo Sánchez Kelly que venimos reivindicando para la Provincia del Chaco representa un espacio en el que convergen el arte, la filosofía y la educación, reflejando no solo la vida y obra de un artista que veía en la creación un camino hacia el autoconocimiento y el despertar de la consciencia, sino también un poderoso instrumento de transformación individual y social.

Ese es su mayor legado.

EL ARTE CONTEMPORÁNEO: Un Universo sin Límites en Diálogo" Campaña Pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly Serie: ¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?

Thu, 07 Nov 2024 10:49:03 GMT

El arte contemporáneo presenta hoy como un vasto territorio donde convergen múltiples lenguajes, conceptos y técnicas que reflejan la pluralidad de voces de nuestro tiempo. En su esencia, este arte desafía las fronteras tradicionales, entrelazando lo global y lo local, lo tecnológico y lo ancestral, abriendo nuevas dimensiones de exploración tanto estética como filosófica. La interdisciplinariedad y la interacción con el espectador cobran un protagonismo sin precedentes, impulsando una reflexión profunda sobre nuestra realidad y la consciencia humana.

Dentro de este contexto, El Universo Sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro traza un recorrido singular, invitándonos a redescubrir el arte desde una visión holística que entrelaza lo inmaterial con lo tangible, en un diálogo profundo entre creadores que trasciende las fronteras del tiempo y el espacio.

Visión holística del arte: El libro ofrece un enfoque holístico del arte unificando las perspectivas de artistas de diversas épocas y cultura, en un diálogo coherente. A diferencia de estudios que segmentan el análisis del arte por periodos históricos, estilos o geografía el Universo sin Costuras rompe estas barreras destacando los vínculos y continuidad de la experiencia artística global. Este enfoque subraya la universalidad de ciertos temas y emociones humanas, promoviendo una visión del arte que conecta a la humanidad a través de un hilo de oro.

Diálogos activos: La utilización del formato de diálogo entre Sánchez Kelly y 70 artistas, permite que las ideas y reflexiones se presenten de manera vivida y personal, creando la sensación de una conversación continua. Este enfoque acerca a los artistas históricos y contemporáneos, ofreciendo una perspectiva humana de sus procesos creativos y sus contextos personales y culturales.

La dualidad y la integración: El libro aborda el tema de la dualidad- luz-sombra; trivial-esencial; tradición-modernidad; demostrando como estos opuestos no solo coexisten sino se integran para formar un todo coherente. Esta visión desafía la tendencia a ver los opuestos en conflicto proponiendo un cambio de perspectiva, destacando la riqueza que surge de la interacción de elementos aparentemente contradictorios. Invita a apreciar la complejidad y la profundidad el arte contemporáneo.

La introspección y la Meditación: La obra destaca la introspección y la meditación no solo como fuentes de inspiración, sino como procesos fundamentales para la autenticidad creativa. Desde esta perspectiva, se presenta la creación artística como un acto de autoexploración y de comunicación, donde la verdadera plenitud del arte se alcanza a través de una profunda conexión con uno mismo. Esta visión ofrece una renovada perspectiva del papel del artista y del proceso creativo en el arte contemporáneo.

Crítica a los Valores y Sistemas Establecidos: El libro no solo explora las obras de arte en si, sino que ofrece una crítica de los valores y estructuras sociales que influyen en la creación y percepción del arte. Sánchez Kelly y los artistas participantes cuestionan los ideales fraudulentos y las normas impuestas, promoviendo una visión del arte como un medio para desafiar y transformar la sociedad. Se destaca el poder del arte contemporáneo como una fuerza de resistencia y cambio, promoviendo la autenticidad que trasciende las convenciones.

La innovación y el Arte Inmersivo: La obra aborda el arte inmersivo no como una tendencia pasajera, sino como una innovación significativa capaz de transformar el modo de interactuar con el arte. El arte inmersivo convierte al espectador en parte integral de la obra. Sánchez Kelly y sus interlocutores exploran esta forma en términos de percepción, interacción y significado. Este enfoque implica un cambio paradigmático en la relación entre el espectador y la obra de arte, ampliando las fronteras de la experiencia artística.

La Diversidad y la Inclusividad: “El Universo sin Costuras” celebra la diversidad e inclusividad al reunir a artistas que representan una amplia gama de experiencias y perspectivas, promoviendo el arte contemporáneo como un campo inclusivo y plural. Reconoce y valora las contribuciones de artistas de diferentes orígenes y contextos, desafiando la narrativa dominante y ampliando la comprensión del arte contemporáneo.

Conexión entre lo interno y lo externo: A través de los diálogos, el libro revela como los artistas reflejan su mundo interno en sus obras mientras responden a las influencias externas. Esta dinámica ofrece una comprensión más profunda de como las experiencias personales, el contexto social y cultural, y los desafíos propios de cada artista, se integran para formar una obra de arte, promoviendo una visión holística de la experiencia creativa.

La temporalidad y la permanencia: El libro examina cómo las obras de arte pueden capturar momentos efímeros y emociones temporales, a la vez que logran una resonancia duradera. Esta reflexión sobre la temporalidad y la permanencia subraya la capacidad del arte para conectar generaciones y culturas, ofreciendo una visión atemporal de la experiencia humana. También destaca la importancia de la memoria y la continuidad en el arte, y cómo las obras pueden perdurar y seguir siendo significativas a lo largo del tiempo.

Innovación en la Representación del Espacio y la Realidad; A través de sus diálogos, el libro muestra cómo los artistas contemporáneos experimentan con la representación del espacio y la realidad, utilizando técnicas innovadoras y enfoques conceptuales para desafiar las percepciones convencionales. Esta exploración incluye el uso de medios digitales, instalaciones inmersivas, y nuevas formas de narrativa visual. Al poner de relieve estas innovaciones el libro promueve una visión del arte contemporáneo como un campo en constante evolución, donde la creatividad y la experimentación son esenciales para la comprensión y representación de la realidad.

En conclusión, “El Universo Sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro es una obra que desafía los enfoques convencionales del arte contemporáneo, ofreciendo una perspectiva profunda y renovada. Al trascender las divisiones tradicionales nos invita a reconsiderar la experiencia artística como un fenómeno global y atemporal, donde las fronteras entre lo material y lo inmaterial, lo individual y lo colectivo, se difuminan en un diálogo fecundo y continuo.

La visión holística que propone impulsa un cambio de paradigma que reivindica la capacidad del arte como una fuerza vital capaz de generar transformación individual y colectiva que, en su interacción con la conciencia y la realidad.

Este libro tiene el poder de despertar nuevas formas de pensar, de sentir y de actuar, invitando a artistas, críticos y espectadores a revalorizar el papel del arte no solo como un medio de expresión, sino como una herramienta poderosa de transformación que nos conecta con lo más esencial de nuestra humanidad y nos impulsa a imaginar nuevas realidades.

Fotografía: obra de la artista Silvia Kum.

VISIÓN HOLISTICA DEL ARTE SIGNIFICADO DEL TÍTULO: “El Universo Sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas, El Hilo de Oro" Campaña Pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly

Thu, 07 Nov 2024 10:45:39 GMT

“El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro”, autoría de Claudia G. Sánchez y Perla Guggiana, es nuestro tributo a Sánchez Kelly y todos los artistas y creadores que, con pincel, paleta o palabra, han intentado capturar la esencia efímera de la existencia. Es también un recordatorio de que, en un universo sin costuras, todos somos hilos entrelazados de un vasto y magnifico tapiz-sin costuras-tejido con amor, pasión y arte.

Esta obra renueva el paradigma del arte contemporáneo al tejer un diálogo transcultural y atemporal. Aunque compartimos autoría, los diálogos, núcleo de este trabajo, pertenecen exclusivamente a Claudia G. Sánchez, quién nos ofrece una visión inclusiva y transformadora del arte. Al explorar la dualidad y la integración, define el arte como un vehículo de comprensión intercultural y cohesión social, subrayando su poder para forjar un legado cultural imperecedero.

1.Significación.

“El Universo Sin Costuras del Arte” presenta una visión del arte como un ente unificado y continuo, sin divisiones ni fronteras, donde todas las formas artísticas están interconectadas formando un tejido cohesivo que trasciende las diferencias culturales, temporales y estilísticas. La idea de un “universo sin costuras” hace referencia a una visión holística en la que el arte, en su totalidad, es más que la suma de sus partes. Cada obra, cada artista y cada movimiento contribuyen a un todo integrado y coherente.

Desde esta perspectiva, el arte se concibe como un proceso dinámico y en constante evolución, donde la creatividad fluye libremente a través del tiempo y el espacio, promoviendo un diálogo y transformación permanente.

Desde la lingüística, la metáfora “El Universo Sin Costuras del Arte” expresa la idea del arte como un todo integrado, evocando la imagen de un tejido perfectamente continuo, sin marcas de separación, para enfatizar la integridad y cohesión del arte en su conjunto. El término “universo” tiene un alcance amplio e inclusivo, abarcando todas las formas de expresión artística y todas las épocas históricas, expresando la comprensión de la universalidad del arte.

El término “Diálogo” subraya la importancia de la interacción y la comunicación entre artistas, resaltando el valor del intercambio de experiencias y perspectivas, enriqueciendo la comprensión y práctica del arte. “Diálogo" implica también un intercambio activo y bidireccional de ideas, no un monólogo ni una serie de declaraciones unilaterales, sino una conversación en la que múltiples voces contribuyen a un entendimiento común. El uso del plural "artistas" refuerza la idea de la inclusión de múltiples perspectivas y la riqueza que proviene de la diversidad de pensamientos y experiencias. La palabra "entre" indica una pluralidad de voces y enfoques, donde el entendimiento del arte se enriquece a través de las diversas contribuciones y colaboraciones.

“El Hilo de Oro” simboliza en la filosofía y la mitología, una conexión sagrada o divina que une diferentes elementos. Aquí, se subraya la “esencia” o principio fundamental que conecta todas las formas y expresiones más allá de lo artístico, uniendo pasado, presente y futuro. El “oro” simboliza pureza y valor, y en este contexto, la verdad universal y la belleza intrínseca del arte, que subyace en todas sus manifestaciones. La imagen del "hilo de oro" evoca un elemento de valor que se extiende a través del tiempo y el espacio, guiando y conectando, proporcionando continuidad y dirección a la narrativa, para comunicar la idea de unidad, y valor inherente en el arte.

Finalmente, el título "El Universo Sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas, El Hilo de Oro" representa una visión filosófica profunda del arte como un tejido continuo de ideas y expresiones, interconectado y enriquecido por la interacción entre artistas, sostenido por una esencia universal que le da coherencia y significado a través del tiempo y las culturas.

2. Intención y Tesis.

La intención profunda del libro es explorar el sentido trascendente del arte. Este enfoque no se centra solo en la obra de SANCHEZ KELLY y su diálogo con otros artistas emblemáticos, sino que abarca un examen más amplio, presentando el arte no solo como una manera de hacer, sino de aprehender la realidad, no como la forma exterior, sino como la esencia de las cosas. El arte se concibe aquí como un puente entre diferentes tiempos, culturas y concepciones del mundo, ofreciendo una ventana hacia la esencia común de la experiencia humana.

La tesis central de “El Universo sin costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro”, es manifestar la no dualidad en el arte, que no es cuestión de modas, tiempos ni actos volitivos. Es una invitación a cruzar el umbral hacia un espacio de pura esencia, donde prevalece la unidad del ser, del mundo y de la vida. El libro ofrece una perspectiva que trasciende las divisiones artificiales entre distintos periodos y estilos artísticos, buscando encontrar la esencia subyacente y las verdades universales que conectan entre sí a las obras de diferentes creadores, independientemente de su contexto histórico y geográfico.

Ese objetivo se realiza a través de diálogos virtuales entre obras, donde Claudia G. Sánchez interpreta y analiza las conexiones subyacentes entre las piezas de Sánchez Kelly y la de otros artistas, revelando paralelismos y contrastes que trascienden el tiempo y el espacio. El libro no solo pretende ser una celebración de la creatividad artística de figuras específicas en la historia del arte, sino también un medio para reflexionar sobre cuestiones más profundas de la existencia humana, la naturaleza del ser y la capacidad del arte para revelar verdades ocultas sobre nosotros mismos y el mundo que nos rodea.

Esta obra propone una mirada al arte como un lenguaje universal capaz de revelar la interconexión de la experiencia humana a través del diálogo. Es una invitación a los lectores a contemplar el arte no solo como una expresión de la individualidad del artista, sino como un viaje introspectivo que puede influir en la comprensión de su propia vida y la realidad. Al mismo tiempo, desafía al lector a buscar significados y conexiones profundas, conectando a través de experiencias estéticas, emocionales y espirituales compartidos, que promueven el entendimiento intercultural. En conclusión, el libro resalta el potencial del arte para fomentar la paz y la cohesión global, revelando la consciencia de unidad, esencial para superar los desafíos contemporáneos.

Foto obra del artista Rodolfo Schenone.

EL UNIVERSO SIN COSTURAS DEL ARTE: Un Puente entre Artistas y Lectores en las Bibliotecas Públicas de Resistencia" Campaña Pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly

Thu, 07 Nov 2024 10:39:22 GMT

Nos complace anunciar que seis bibliotecas públicas de la ciudad de Resistencia han recibido ejemplares del libro El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro, una obra singular presentada por el arquitecto Dr. Gabriel Romero durante la Feria Internacional de Arte A362. Este libro invita a explorar la universalidad del lenguaje artístico, superando las divisiones tradicionales de la historia del arte.

Este libro desafía las convenciones dualistas que suelen dividir a los artistas y los movimientos artísticos en compartimentos estancos. En lugar de presentar una narrativa lineal, nos revela la profunda interconexión que une a los creadores a través de un "hilo de oro", invisible pero palpable, que atraviesa generaciones, estilos y culturas. Este hilo simbólico representa la esencia compartida del arte, donde las diferencias estéticas se disuelven para resaltar un diálogo universal entre artistas.

La donación de estos ejemplares a las bibliotecas públicas: Leopoldo Herrera, Bernardino Rivadavia, Biblioteca Especializada “Carlos Schenone”, Biblioteca Central de la UNNE; Biblioteca FADYCC (faculta de Arte y Diseño UNNE y Biblioteca MUBA (Museo de Bellas Artes René Brusau), no solo contribuye al enriquecimiento del fondo bibliográfico de la ciudad, sino que también ofrece al lector una ventana única a este diálogo creativo. El Universo sin Costuras del Arte es una obra no convencional que celebra la capacidad del arte para trascender fronteras y nos recuerda que los creadores, aunque separados por el tiempo y el espacio, están intrínsecamente conectados por una misma fibra: la búsqueda del sentido de la vida y lo trascendental a través de sus obras.

Este libro será de especial interés para estudiantes, artistas y cualquier amante del arte que busque comprender la conexión profunda entre creadores, y su presencia en nuestras bibliotecas reafirma el compromiso de ofrecer acceso universal al conocimiento. Las bibliotecas públicas, al custodiar las obras, se consolidan como faros de aprendizaje y cultura, espacios donde el arte y el saber se unen para fomentar el diálogo y la reflexión.

En este contexto, la obra de Oscar Sánchez Kelly, artista profundamente comprometido con una visión filosófica y consciente del arte, también encuentra un lugar. Su legado artístico, además de su fondo bibliográfico, forma parte del patrimonio cultural que sus herederos desean compartir y preservar en beneficio de la comunidad. Esta contribución al patrimonio bibliográfico de la provincia subraya la importancia de completar las obras de rehabilitación del futuro Museo Provincial de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly.

Con la creación de este espacio y la puesta en valor de su legado, tanto en el museo como en las bibliotecas públicas, que ahora resguardan parte de su legado, no solo entregamos un libro, sino que compartimos un legado artístico que trasciende fronteras y tiempos. El Universo sin Costuras del Arte ahora habita en el corazón de nuestras bibliotecas públicas, recordándonos que el arte, como un hilo dorado, nos une en un diálogo universal.

Con la esperanza de que estas páginas inspiren a nuevas generaciones, reafirmamos nuestro compromiso con la preservación del patrimonio cultural y la culminación de un espacio destinado a honrar la obra de Sánchez Kelly: el futuro Museo de Arte Contemporáneo que será símbolo de la fuerza transformadora del arte en nuestra provincia.

Fotografía de la biblioteca Montserrat Abelló de Barcelona, un homenaje al libro "El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro".

MÁS ALLÁ DE LOS DESAFIOS: La Feria A 362 Motor Cultural de Resistencia Campaña Pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly Serie: ¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?

Thu, 07 Nov 2024 10:37:15 GMT

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La Feria Internacional de Arte A362, abre sus puertas en el emblemático Club Social de Resistencia los días 10, 11, 12 y 13 de octubre de 2024, se presenta como un espacio donde convergen la excelencia artística y el pensamiento crítico contemporáneo. Este evento es una celebración de la creatividad en todas sus formas, diseñado para destacar el arte como motor transformador de la sociedad y para invitar al diálogo entre artistas, académicos y público en general.

La Feria Internacional de Arte A362 no solo es un evento de alto impacto cultural sino una invitación a redescubrir el arte como generador de nuevas perspectivas en la sociedad contemporánea. A 362 promete ser un encuentro de resonancias culturales, un escenario donde la creación artística se erige como puente entre lo local y lo global, y un espacio donde el arte trasciende lo estético para convertirse en una plataforma de cambio.

A 362 ofrece un programa cuidadosamente diseñado en un recorrido de exquisita diversidad, incluye la presentación de obras seleccionadas bajo la dirección del curador Daniel Fischer que reflejan las búsquedas estéticas y conceptuales más relevantes del arte actual; una donación de obras por parte de la Academia Nacional de Bellas Artes al Museo Provincial de Bellas Artes de Resistencia, - MUBA- reafirmando su compromiso con el patrimonio cultural.

Una distinción especial será otorgada al profesor, crítico de arte y gestor cultural Ticio Escobar, una de las figuras más influyentes en el pensamiento sobre el arte latinoamericano, quien recibirá el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Nacional del Nordeste, reconociendo su invaluable contribución a la teoría y gestión del arte latinoamericano y su trayectoria en la investigación y promoción de las culturas indígenas y contemporáneas.

Las jornadas contarán con un abanico de actividades que incluyen charlas abiertas y conversatorios con personalidades distinguidas del ámbito cultural, profundizando en temas como el localismo y la realidad contemporánea. A través de la iniciativa promovida por la Asociación de Diseñadores Nacionales (DINA) ofrecerá una muestra de diseñadores de la región y de estudiantes de la Licenciatura en Diseño de Indumentaria y Textil de la Universidad de la Cuenca del Plata que permitirá explorar la innovación en las artes aplicadas. De la misma manera, se presentará un fascinante proyecto de arquitectura e interiores en sintonía con el paisaje vitivinícola de las bodegas de Mendoza, un estudio que invita a repensar la relación entre diseño y entorno natural.

El componente académico de la feria será realzado con la presentación de la revista Temas: XX Archivos, Políticas y Poéticas, seguida de una charla abierta que promete abordar los cruces entre el arte, la política y la memoria. En este contexto, el presidente del Fondo Nacional de las Artes, Tulio Andreussi Guzmán, ofrecerá un conversatorio sobre el impacto federal del Fondo en la promoción de la cultura, brindando una visión estratégica sobre el futuro del arte en Argentina, destacando su rol esencial en la democratización de las oportunidades para los artistas emergentes y establecidos.

Entre los momentos esperados e encuentra la presentación de dos libros fundamentales para el debate artístico contemporáneo: El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro, , y Distopías y Microutopías, ambos abordan con lucidez los desafíos estéticos y filosóficos de nuestro tiempo.

La presentación del libro “El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro”, de las Dras. Claudia G. Sánchez y Perla Guggiana, tendrá lugar el sábado 12 de octubre a las 18:30 horas., será presentado por el Arq. Dr. Gabriel Romero, Decano de la Facultad de Arte y Ciencias de la Cultura de la UNNE, quien ofrecerá una introducción a esta obra, que invita a los lectores a explorar las conexiones invisibles que entrelazan las manifestaciones artísticas a lo largo del tiempo y el espacio. El Universo sin Costuras del Arte es una reflexión profunda sobre cómo el arte trasciende fronteras, conectando sensibilidades diversas en un flujo continuo de creatividad que atraviesa la historia. El subtítulo, El Hilo de Oro, evoca la conexión intrínseca entre las obras de arte y las corrientes filosóficas que las sostienen, subrayando la importancia de este tejido invisible que une las experiencias individuales y colectivas de los artistas,

Todo ello será amenizado por un exquisito programa musical que recorrerá los sonidos del jazz, soul y funk, con presentaciones en vivo y la participación de bandas y cuartetos, generando un ambiente propicio para la reflexión y el disfrute sensorial.

La Feria Internacional de Arte A362 es mucho más que un evento; es un espacio donde lo efímero del evento encuentra su eco en la eternidad del arte y la filosofía. A362 se distingue en el panorama global por su capacidad para conjugar la frescura de una región en pleno florecimiento cultural con la profundidad de un pensamiento curatorial que trasciende las modas pasajeras. A diferencia de las grandes vitrinas comerciales del arte, A362 no busca solo mostrar, sino crear un tejido palpitante donde las voces emergentes dialogan con las consagradas, en un entorno que privilegia la reflexión sobre el espectáculo, la interrelación sobre la transacción.

Lo que hace única a A362 es su compromiso con la autenticidad. Su esencia radica en un delicado equilibrio entre las vanguardias y las raíces locales, donde cada obra es un testimonio de la conexión íntima entre el arte y su contexto. Es en este cruce entre lo global y lo regional donde la feria se diferencia de otras: aquí, el arte no es solo objeto de consumo, sino puente que transforma realidades, que enciende nuevas perspectivas y que invita a repensar el rol del creador y del espectador en el devenir cultural.

En un mundo saturado de imágenes, A362 destaca por su capacidad de construir un diálogo profundo entre las estructuras permanentes que sostienen la memoria cultural y la fuerza renovadora de los encuentros temporales, tejiendo relaciones duraderas entre museos, artistas, coleccionistas , galerías y público, asegurando que su impacto no se disipe con el fin del evento, sino que continúe reverberando en el tiempo.

Así, A362 es un espacio donde lo sensorial y lo intelectual se entrelazan, un escenario en el que la cultura no solo se celebra, sino que se reinventa, proyectando a Resistencia y la región hacia un horizonte más amplio, donde lo íntimo y lo universal se encuentran en perfecta armonía. A362 no es solo una feria; es una semilla de transformación, un legado vivo que florece y se proyecta hacia el horizonte en un futuro lleno de nuevas posibilidades.

Nuestro sincero agradecimiento y felicitaciones al esfuerzo e impulso del Comité Ejecutivo; a D. Marilyn Cristófani cuyo liderazgo, determinación y visión han hecho posible que la Feria Internacional A 362 se materialice en Resistencia, superando grandes desafíos, al Arq. D. Gabriel Romero por la presentación de nuestro libro El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro; nuestro agradecimiento a nuestros amigos y colaboradores que nos representan D. Ángela Ayala y Rubén Sosa por su permanente apoyo a nuestra labor.

Nuestro agradecimiento a los artistas, docentes, gestores, personas e instituciones que hacen grande al arte y cultura del Chaco más allá de los desafíos y avatares. Éxito.

REINVENTANDO CIUDADES El Rol Transformador de Ferias Internacionales y Museos Campaña Pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly Serie: ¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?

Thu, 07 Nov 2024 10:34:53 GMT

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La organización de una feria internacional de arte en una ciudad emergente es un desafío repleto de posibilidades y oportunidades únicas. Aunque los recursos económicos puedan ser limitados, el abundante capital humano en artistas y creadores ofrece una base sólida para construir un evento de relevancia internacional. Adaptar los elementos clave de una feria trascendente al contexto local es esencial para asegurar su éxito y perdurabilidad en estas ciudades que buscan posicionarse en el mapa cultural global. Aspectos a considerar:

Una Visión Curatorial Distintiva y Auténtica: El corazón de la feria debe latir al ritmo de la identidad cultural de la ciudad anfitriona. Una visión curatorial que resalte las expresiones artísticas locales y regionales, integrando las voces de artistas tanto emergentes como consagrados, puede ofrecer una perspectiva fresca y original en el panorama del arte. El comité curatorial, compuesto por expertos que comprenden las particularidades del arte local, podrá destacar temas y narrativas que resuenen a nivel nacional y global, posicionando a la feria como un referente de innovación y autenticidad.

Participación de Galerías y Colectivos Locales: Potenciar la participación de galerías locales y colectivos de artistas es una estrategia efectiva para ciudades emergentes. Estas entidades pueden actuar como embajadoras del talento regional, presentando obras que reflejen la riqueza cultural y la diversidad creativa de la zona. Fomentar colaboraciones con galerías de otras regiones y países también puede ampliar la visibilidad de los artistas locales y crear vínculos que beneficien a todos los involucrados.

Construcción de una Red de Coleccionistas y Apoyo Comunitario: En contextos con recursos económicos limitados, es fundamental cultivar relaciones con coleccionistas nacionales y regionales, así como con instituciones y empresas que apoyen el desarrollo cultural. La feria puede servir como plataforma para conectar a artistas con compradores interesados en descubrir nuevas propuestas. Además, involucrar a la comunidad y al sector empresarial local puede generar un ecosistema de apoyo que impulse el crecimiento sostenible del evento.

Programa Educativo y Espacios de Diálogo: La feria debe ir más allá de la exhibición de obras, convirtiéndose en un espacio de encuentro y aprendizaje. Organizar talleres, charlas y mesas redondas que aborden temas relevantes para la comunidad artística y el público general enriquece la experiencia y fortalece el impacto cultural. Involucrar a universidades, escuelas de arte y centros culturales locales en la programación educativa promueve el intercambio de conocimientos y fomenta el desarrollo del talento artístico.

Cooperación Internacional y Redes Regionales: Establecer alianzas con instituciones culturales, embajadas y organizaciones internacionales puede ampliar el alcance de la feria. La colaboración con ferias y eventos en otras ciudades emergentes puede generar intercambios artísticos y oportunidades de proyección para los artistas locales. Estas redes de cooperación fortalecen la posición de la ciudad en el mapa cultural y promueven un diálogo intercultural enriquecedor.

Ubicación Estratégica y Contexto Cultural Único: Las ciudades en expansión suelen contar con un patrimonio cultural único que puede ser aprovechado para diferenciar a la feria en el circuito internacional. La combinación de un entorno urbano en desarrollo y una vibrante comunidad creativa puede atraer a visitantes en busca de experiencias auténticas y novedosas. La ciudad se convierte así en un escenario ideal para una feria que celebra la creatividad y la innovación, ofreciendo una perspectiva renovada en el panorama global del arte.

Innovación y Adaptabilidad: Las limitaciones económicas pueden ser un catalizador para la creatividad y la innovación. La feria puede incorporar formatos alternativos y utilizar espacios no convencionales, como intervenciones en espacios públicos o exhibiciones virtuales, para maximizar el impacto con recursos limitados. El uso de tecnologías digitales y redes sociales puede ampliar la audiencia y ofrecer experiencias interactivas que atraigan a un público más joven y global.

Visibilidad y Cobertura Mediática Estratégica: Desarrollar una estrategia de comunicación efectiva es crucial para aumentar la visibilidad de la feria. Aprovechar los medios locales y regionales, así como las plataformas digitales, permitirá difundir el evento y destacar sus características únicas. Contar historias atractivas sobre los artistas y las obras presentadas genera interés y atrae la atención de medios nacionales e internacionales especializados en arte y cultura.

Compromiso con el Desarrollo Cultural y Social: La feria debe ser vista como una iniciativa que contribuye al desarrollo integral de la ciudad. Al enfocarse en el impacto social, la inclusión y la sostenibilidad, el evento puede generar un sentido de pertenencia y orgullo en la comunidad. Programas que involucren a jóvenes, poblaciones vulnerables y proyectos comunitarios amplían el alcance y la relevancia de la feria, consolidándola como un motor de transformación social.

La realización de la feria internacional de arte destaca la relevancia de fortalecer y ampliar las estructuras culturales existentes en la ciudad. La coexistencia de los museos ya establecidos, junto con la eventual inauguración del Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly—cuyas obras de rehabilitación esperan ser concluidas—, enriquece el tejido artístico local.

Al integrar estas instituciones significativas, se potencia no solo el alcance de la feria y otros eventos de alto impacto, sino que también se asegura la perdurabilidad de sus frutos, creando un legado cultural duradero. La sinergia entre los museos y la feria genera un círculo virtuoso que amplifica el impacto cultural y económico, proyectando a la ciudad hacia un reconocimiento internacional y celebrando la riqueza de su creatividad e innovación artística.

Eventos de alto impacto. Impulsores de transformación en el Ecosistema del Arte Contemporáneo. Campaña Pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly

Thu, 07 Nov 2024 10:32:08 GMT

En el ecosistema del arte contemporáneo, los eventos de alto impacto son hitos culturales que, por su magnitud, calidad y trascendencia, generan transformaciones profundas tanto en el panorama artístico como en las dinámicas sociales y económicas de las regiones que los acogen. Estos eventos —ferias internacionales, bienales, exposiciones temáticas y festivales— actúan como catalizadores de nuevas tendencias, redes de colaboración y oportunidades para artistas, curadores, galerías y coleccionistas.

Lejos de ser simples encuentros comerciales, estos acontecimientos redefinen el mapa cultural global y consolidan el posicionamiento de una ciudad o región. Su impacto va más allá de lo efímero, influyendo de manera duradera en el arte, la economía y la sociedad. La selección de las obras, esencial en su organización, y la capacidad de atraer una audiencia global son claves para propiciar la reflexión y el diálogo intercultural, generando una visibilidad que trasciende los medios de comunicación y el mercado.

Los aspectos más sobresalientes de estos eventos incluyen:

• Innovación Artística y Curatorial: Un evento de alto impacto se distingue por presentar propuestas artísticas que desafían convenciones y aportan frescura al panorama global. La curaduría introduce enfoques innovadores que no solo destacan lo mejor del arte contemporáneo, sino que también marcan futuras tendencias.

• Escala Global y Diversidad Internacional: Estos eventos congregan a artistas, curadores, galerías, coleccionistas y público de todo el mundo. La diversidad cultural y geográfica enriquecen el intercambio de ideas desde distintas perspectivas del arte contemporáneo.

• Relevancia Cultural y Social: Más allá de su dimensión artística, estos eventos abordan temas cruciales para la sociedad actual como la justicia social, el medioambiente, la tecnología y la globalización, resonando con un público más amplio y generando debates críticos más allá del mundo del arte.

• Colaboración Nacional e Internacional y Redes Globales: Estos eventos son epicentros de colaboración global, donde se forjan alianzas entre museos, instituciones culturales, galerías y artistas, propiciando nuevas exposiciones, intercambios y proyectos artísticos internacionales.

• Impacto Económico y Turístico: Además de su valor cultural, estos eventos generan importantes beneficios económicos para las ciudades anfitrionas. Atrayendo turistas, profesionales del arte y medios de comunicación.

• Visibilidad y Cobertura Mediática Global: La presencia de medios nacionales e internacionales amplifica su alcance. Estos eventos no solo logran visibilidad en los medios especializados de arte, sino también en la prensa general, televisión e internet, contribuyendo a la promoción global del arte contemporáneo.

• Legado Duradero: Lejos de ser efímeros, estos eventos dejan un legado que transforma el ecosistema cultural y artístico de la región. A menudo impulsan la creación de nuevas instituciones, infraestructuras artísticas y políticas culturales con efectos perdurables.

Entre los eventos más emblemáticos destacan: Bienal de Venecia Fundada en 1895, es un referente global que influye profundamente en las nuevas tendencias y en el posicionamiento de artistas en la escena internacional. Documenta (Kassel, Alemania): Celebrada cada cinco años, es un espacio crítico para la experimentación artística y la reflexión política. Art Basel (Basilea, Miami, Hong Kong): Esta feria internacional ha jugado un papel central en la globalización del mercado del arte contemporáneo. Bienal de São Paulo (Brasil): La segunda bienal más antigua tras Venecia, contribuye a la proyección del arte latinoamericano en el escenario internacional. Frieze Art Fair (Londres, Nueva York, Los Ángeles): Frieze ha transformado el modelo de feria de arte contemporáneo al fusionar la exposición comercial con programas educativos y comisiones de arte público. Bienal de Sharjah (Emiratos Árabes Unidos): Reconocida por su enfoque vanguardista, ofrece un espacio de diálogo intercultural que promueve a artistas emergentes y aborda temas críticos desde una perspectiva árabe y global.

En este contexto, la culminación de las obras del Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly en Resistencia es crucial para canalizar los innumerables beneficios que los eventos de alto impacto aportan al arte contemporáneo. Estos eventos trazan senderos de innovación y diversidad, pero el museo, en su forma sólida y silenciosa, captura esos destellos y los transforma en puentes, en diálogos que perduran y resuenan más allá del tiempo.

En una ciudad como Resistencia- Chaco, donde eventos de alto impacto, laten con vigor, convocando miradas, artistas, curadores, coleccionistas y público de todo el mundo, el Sánchez Kelly se erige como una infraestructura cultural permanente, capaz de perpetuar los momentos fugaces de genialidad y conexión. Su poder radica en la permanencia, en la capacidad de consolidar relaciones culturales y artísticas a largo plazo.

Al integrarse con estos eventos, no solo unirá a artistas, curadores y coleccionistas sino puede convertir, junto a otros museos locales, en el epicentro de una sinergia creativa y transformadoras que nutrirá el tejido cultural de la región, cristalizando nuevas oportunidades de colaboración, comentando diálogos creativos y potenciando el impacto cultural y económico

La innovación y la diversidad que emanan de estos eventos refuerzan su relevancia como motores de cambio, posicionando al arte contemporáneo como un agente activo en el desarrollo de la sociedad. Un museo es más que una edificación: es un faro que ilumina las rutas invisibles del arte, un punto de encuentro donde las ideas encuentran refugio y lo efímero se transfigura en legado. Conectando las diferentes esferas del ecosistema artístico, el museo consolida la fluidez de las ideas en una orquesta de voces diversas, haciendo de lo local algo universal y de lo pasajero, un eco perenne que sigue brillando.

Forjando el futuro cultural: Importancia de la cooperación internacional España-Argentina. Campaña pro Museo de arte Contemporáneo Sánchez Kelly.

Thu, 07 Nov 2024 10:27:14 GMT

La cooperación internacional en arte y cultura actúa como un catalizador esencial, impulsando el crecimiento y la visibilidad global de artistas, instituciones y comunidades. Al tejer redes de colaboración entre países, se promueve un intercambio dinámico de ideas, conocimientos y prácticas artísticas, creando un espacio de diálogo que enriquece a creadores y público. La cooperación internacional no solo cruza fronteras geográficas, sino conecta culturas, fortaleciendo los vínculos entre las naciones a través del universo sin costuras del arte.

Argentina, ha capitalizado las oportunidades de cooperación con naciones que han marcado el pulso cultural del mundo. España, Francia e Italia han sido socios fundamentales en la proyección internacional del arte argentino, facilitando la inserción de sus artistas, curadores y gestores culturales en prestigiosos circuitos globales, potenciado su visibilidad y acceso a valiosos recursos y conocimientos, esenciales para su evolución creativa y profesional.

España a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), ha promovido residencias artísticas, intercambios expositivos y formación en gestión cultura con Argentina donde gestiona el Centro Cultural de España en Buenos Aires y dos centros asociados en Córdoba y Rosario que actúan como plataformas de cooperación en diversas áreas culturales. Ciudades como Madrid, Barcelona, Valladolid, Valencia y Sevilla han acogido a artistas argentinos, ofreciéndoles plataformas internacionales donde expandir su obra e integrar nuevas perspectivas europeas en su creación.

Francia, fiel a su profunda vocación de apoyo a las artes, ha impulsado a través del Institut Français iniciativas clave, como residencias artísticas, exposiciones itinerantes y el intercambio de curadores y expertos. Estas colaboraciones han abierto las puertas de París a artistas argentinos, integrando su obra en prestigiosos circuitos internacionales. Italia, por su parte, ha potenciado estos lazos mediante su Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación Internacional, facilitando intercambios entre museos y centros de arte contemporáneo, lo que ha permitido a los artistas argentinos destacar en bienales y exhibiciones de gran relevancia global.

En este escenario, el Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly puede sumarse a las instituciones locales impulsando con más fuerza el mapa de los intercambios culturales internacionales. Al integrarse en las redes ya establecidas de cooperación, pueden no solo ampliar las fronteras culturales del Chaco, sino posicionar a la provincia como un referente en el arte contemporáneo global.

Aprovechando estas alianzas locales e internacionales, el museo podría atraer residencias artísticas, exposiciones itinerantes y proyectos colaborativos, situando a sus artistas y creadores en un diálogo continuo con las principales capitales culturales del mundo.

La cooperación cultural entre España y Argentina ha sido un pilar sólido de desarrollo artístico e intercambio de conocimientos durante décadas. A continuación, se exponen algunos ejemplos clave de esta cooperación, demostrando su relevancia y resultados a lo largo del tiempo.

Uno de los programas más destacados es ACERCA, de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), que desde 2010 ha capacitado a profesionales culturales en América Latina. En colaboración con el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA), ha organizado talleres y seminarios para gestores, curadores y artistas argentinos, como el seminario "Gestión de Patrimonio en Museos" en 2018, que reunió a expertos de toda Iberoamérica, promoviendo no solo el intercambio de conocimientos, sino estableciendo redes de colaboración a largo plazo.

VALLADOLID, ciudad volcada en la promoción de la cultura latinoamericana, ha sido escenario de diversos programas de intercambio artístico con Argentina. Desde 2009, la Fundación Patio Herreriano, en colaboración con la AECID, ha organizado el ciclo Arte Contemporáneo Latinoamericano, donde artistas argentinos como Marta Minujín y León Ferrari han expuesto su obra. Este ciclo no solo lleva el arte argentino a Europa, convirtiéndose en una valiosa plataforma para fomentar diálogos creativos entre artistas de ambos continentes.

La Comunidad Autónoma de ANDALUCÍA, a través de su programa ARTESUR, ha desarrollado fructíferas colaboraciones con instituciones argentinas. Entre 2016 y 2019, facilitó residencias para artistas visuales argentinos en Sevilla, cuyos trabajos se presentaron en la Bienal de Flamenco. Estos intercambios no solo fortalecen los lazos entre las culturas hispanoamericana y española, sino ofrecen a los artistas un espacio para explorar nuevas formas y técnicas, que posteriormente enriquecen las escenas artísticas de sus países de origen.

MADRID ha sido un socio clave en la cooperación cultural con Argentina, destacándose por su programa Residencias Matadero Madrid. Desde 2011, ha acogido a numerosos artistas argentinos, ofreciéndoles la oportunidad de desarrollar proyectos y exhibir su trabajo en la ciudad. En 2022, Gabriela Golder, reconocida artista argentina, realizó una residencia en Matadero Madrid, creando una instalación de videoarte que posteriormente se presentó en el Museo Reina Sofía. Estas colaboraciones son ventana internacional para los artistas argentinos, que permiten al público europeo descubrir la rica diversidad cultural de Argentina.

BARCELONA ha fortalecido sus lazos con Buenos Aires a través del Institut Ramon Llull, que impulsa intercambios culturales entre Cataluña y América Latina. En 2017, se firmó un acuerdo de cooperación entre el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y su homólogo en Barcelona, facilitando el intercambio de exposiciones y la formación conjunta de curadores. Gracias a este acuerdo, obras de destacados artistas argentinos como Julio Le Parc y Rogelio Polesello han sido exhibidas en Barcelona, mientras que artistas catalanes han encontrado una plataforma en Buenos Aires para presentar su trabajo.

Estos programas han impulsado intercambios creativos con un notable impacto económico y social, aumentando el turismo cultural. Por ejemplo, la exposición "Tensiones y tensiones" en Madrid, 2019, atrajo más de 25.000 visitantes en tres meses. Desde 2010, AECID ha mantenido un ritmo constante de intercambios artísticos con América Latina, muchos de ellos en Argentina, demostrando el compromiso de España en promover la cultura argentina a nivel internacional y subrayando la necesidad de seguir fortaleciendo estos lazos.

El Proyecto Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly se presenta como un faro de esperanza para los artistas del Chaco, una provincia modesta pero rica en talento, donde las oportunidades de proyección han sido escasas. Lejos de Buenos Aires, este museo podría abrir puertas que hasta ahora parecían inalcanzables, conectando a los creadores locales con el mundo global del arte. Siguiendo el legado del maestro Sánchez Kelly, no solo conservará su obra, sino que continuará su misión de formar y apoyar a las nuevas generaciones, un espacio donde el arte trascienda fronteras y transforme destinos, demostrando que incluso en los márgenes, el talento puede cambiar el mundo.

Tejiendo alianzas: las claves del éxito cultural. Parte I La fuerza de la cooperación local

Tue, 15 Oct 2024 19:48:50 GMT

Campaña pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly

Serie: ¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?

El éxito cultural de una región no emerge de manera aislada. Como las obras maestras, se nutre de una confluencia de factores, entre ellos la capacidad de cooperación entre instituciones, actores sociales y artísticos. Sin embargo, antes de alzar la mirada hacia horizontes internacionales, toda ciudad que aspira a un lugar destacado en el ámbito cultural global debe primero construir una sólida base de colaboración local. Es en ese sutil tejido comunitario, donde los museos, las galerías y los centros culturales dejan de percibirse como entidades fragmentadas y comienzan a operar como una sinfonía en armonía, en el cual se esculpen los cimientos del verdadero éxito cultural.

En la provincia del Chaco, el futuro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly simboliza más que un simple espacio físico dedicado al arte. Se erige como un faro de posibilidad y transformación, destinado a enlazar el talento local con la escena global. Pero para que dicho faro ilumine con toda su potencia, es imprescindible que las instituciones locales de la ciudad de Resistencia, en vez de caer en la trampa de la competencia, se inclinen hacia la construcción de alianzas estratégicas que potencien sus fuerzas individuales. Este acto de sumar capacidades, lejos de diluir los logros individuales, puede engrandecer la proyección de cada entidad, haciendo brillar tanto a la ciudad como a sus actores artísticos en los escenarios más prestigiosos del mundo.

La historia ha demostrado en repetidas ocasiones, que las ciudades que abrazan el arte y la cultura como motores de crecimiento social y económico, tienden a prosperar de maneras inesperadas. En este contexto, RESISTENCIA tiene la oportunidad única de capitalizar su palpitante ecosistema cultural, proyectando no solo sus talentos locales, sino la esencia misma de la comunidad chaqueña hacia el exterior. Al fomentar la cooperación entre instituciones, RESISTENCIA podría posicionarse como un eje cultural en el corazón de Sudamérica, atrayendo no solo turismo cultural e inversiones, sino generando un intercambio fértil de ideas y experiencias que enriquecerán tanto a los creadores como a la sociedad en su conjunto.

Pero este proceso no es automático; requiere voluntad y visión. La cooperación local, cuando está bien orquestada, se convierte en el preludio perfecto para forjar relaciones internacionales que fortalezcan la relevancia global de la provincia. RESISTENCIA podría aprender de casos exitosos, como Medellín, cuya revitalización cultural fue el resultado de una colaboración eficiente entre las instituciones culturales, o Bilbao, que transformó su imagen global gracias a la sinergia entre el Museo Guggenheim y su entorno. Estas ciudades no solo apostaron por el arte, sino que entendieron que el verdadero éxito radica en la creación de un todo armónico donde cada actor desempeña su papel con propósito y coordinación.

Así, el Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly no debe ser visto simplemente como un espacio que albergará obras de arte, sino como el punto de partida para un renacer cultural, un eje alrededor del cual podrán alinearse esfuerzos tanto locales como internacionales. Su finalización podría simbolizar el inicio de una nueva era para la provincia del Chaco, una era donde el arte contemporáneo se convierta en el motor de su transformación y en el emblema de una cooperación que ha sabido tejer alianzas desde lo local hasta lo global.

Esta primera parte del artículo sobre cooperación, que se inserta en la serie "¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?" destaca, entonces, la importancia de que las instituciones culturales locales se cohesionen, superen rivalidades y actúen al unísono. Solo entonces podrán abrir las puertas a una cooperación internacional sólida y fructífera que transforme la región en un verdadero epicentro de la cultura y las artes contemporáneas.

Nota. En las próximas entregas publicaremos: Parte II La cooperación Internación y Parte III Eventos de alto Impacto.

Un tapiz de identidad. Resistencia se redefine a través del arte.

Tue, 15 Oct 2024 19:32:20 GMT

Campaña pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly

Serie: ¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?

El nombre de Resistencia no es una casualidad, ni simplemente un punto en el mapa; es el reflejo de un espíritu indomable, como el quebracho colorado que desafía hachas e incendios, resistiendo sequías abrasadoras y lluvias torrenciales, mientras ancla profundamente sus raíces en la tierra que lo acoge. Resistencia enfrenta con fortaleza las inclemencias del clima y los vaivenes económicos. Sus habitantes, al igual que el quebracho, se aferran a su arte y cultura, y aunque los vientos de la adversidad soplen con furia, siempre florecen en creatividad.

Resistencia es mucho más que la suma de sus calles y edificios; es un latido cultural, un tapiz de identidad en constante evolución que, a través del arte, se reinventa, se define y se fortalece. A pesar de las dificultades y limitaciones, renace, demostrando cómo el arte puede transformar y unificar a una comunidad. En Resistencia, capital de la provincia del Chaco, cada desafío se convierte en un impulso renovado, del que brota un semillero de creatividad. Aquí, el arte trasciende la mera expresión estética: es el pulso vital que redefine su identidad y proyecta su voz al mundo.

En una era dominada por la tecnología y la globalización, esta ciudad, que abraza sus raíces culturales y fomenta un ecosistema artístico inclusivo—abarcando a artistas, docentes, estudiantes, gestores culturales, su gente y sus instituciones—no solo resiste, sino que fortalece su resiliencia. Así, demuestra que la unión en torno al arte y la cultura tiene el poder de transformar y cohesionar. Este compromiso colectivo convierte a Resistencia en un ejemplo vivo de cómo la identidad local, -el ser chaqueño-, puede desarrollarse y proyectarse en un contexto globalizado, incluso en medio de las adversidades.

El Instituto Superior del Profesorado de Bellas Artes “Alfredo Pértile” y FADYCC —Facultad de Arte, Diseño y Ciencias Culturales de la UNNE—, núcleos formativos especializados, son un fiel reflejo del espíritu creativo que impregna la ciudad. En estos centros, el arte no es un simple adorno ni un programa académico; es la expresión de una forma de vida arraigada en la comunidad a la que pertenecen y a la que sirven, trascendiendo lo meramente estético al conectar a las personas tanto con sus raíces como entre sí. Las aulas y talleres palpitan con ideas frescas y audaces, nutriendo a una sociedad que ve en el arte y la educación una poderosa herramienta para la transformación social.

Eventos como la ‘Bienal Internacional de Escultura’ y la ‘Feria Internacional de Arte A 362’ no son meros festivales, sino rituales contemporáneos que celebran la capacidad humana de moldear el mundo. Las más de 600 esculturas que embellecen el Museo al Aire Libre transforman a Resistencia en una galería viviente, donde cada esquina narra una historia y cada obra abre un diálogo entre el artista y el transeúnte. La Feria Internacional de Arte A 362 agrega una dimensión valiosa a este paisaje, conectando a creadores locales con voces internacionales, mientras las galerías, los colaboradores de FADYCC y las instituciones culturales de la provincia se suman, enriqueciendo el discurso artístico y abriendo nuevas perspectivas.

En este contexto, el Proyecto Museo Provincial de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly promete consolidar aún más la posición de Resistencia, impulsando una visión holística del arte, reforzando la identidad local y promoviendo un diálogo enriquecedor en el ‘universo sin costuras del arte’. Se presenta como un elemento unificador, revelando un lenguaje y un vínculo común entre los artistas, y demostrando que, a pesar de las diferencias, el arte puede servir como puente entre distintas concepciones culturales, vitales y existenciales. Este fenómeno integrador explora el sentido trascendente del arte, buscando descubrir la esencia subyacente y las verdades universales que conectan las obras de diversos creadores.

El Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly, al honrar el legado del artista que desafiaba los límites de lo convencional y trascendía etiquetas y barreras, abordará cuestiones de relevancia universal. Se convertirá en una plataforma donde diversas voces podrán expresarse y ser escuchadas, cautivando con su autenticidad a una audiencia global de artistas, académicos y visitantes. Además, demostrará que es posible llevar a cabo un proyecto global sin sacrificar la esencia que lo hace único; aquí, la identidad local no es un ancla que retiene, sino una vela que impulsa hacia nuevos horizontes. En un mundo globalizado, donde las identidades locales a menudo se diluyen, Resistencia se atreve a contar su propia historia a través del diálogo de sus creadores.

El Proyecto Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly no será simplemente un capítulo más en esta narrativa en constante construcción; será una puerta abierta hacia la exploración del universo sin costuras del arte, donde el diálogo entre artistas teje con un hilo de oro que atraviesa fronteras y épocas. Este museo se convierte en una invitación para todos aquellos que deseen ser parte de una historia que celebra la creatividad, la identidad y la infinita capacidad humana para reinventarse y crear, tal como lo hizo Sánchez Kelly en su obra, contribuyendo al diálogo universal del arte.

Foto Dibujo de Sánchez Kelly año 1963

Explorando nuevas fronteras. Arte, conciencia y trascendencia en la obra de Sánchez Kelly

Tue, 15 Oct 2024 08:53:19 GMT

Campaña pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly.

¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?

En un mundo donde la tecnología avanza a pasos agigantados y los museos se reinventan como escenarios de innovación digital, surge una necesidad imperiosa de rescatar la esencia reflexiva y filosófica del arte. El proyecto del Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly, ubicado en la provincia del Chaco-Argentina, se presenta como una respuesta a esta inquietud, proponiendo un espacio donde el arte, la filosofía y la educación convergen para explorar las preguntas más profundas sobre la existencia humana y el desarrollo de la conciencia.

Con el título "Explorando Nuevas Fronteras: Arte, Conciencia y Trascendencia", pretendemos ofrecer la esencia de la obra del artista y filósofo Sánchez Kelly, quien incursionó en lo que Ken Wilber denominó el "tercer salto evolutivo" del arte: la plasmación del espíritu en la materialidad. A lo largo de su trayectoria artística, Sánchez Kelly buscó ir más allá de las representaciones tradicionales, explorando cómo el arte puede ser un medio para manifestar dimensiones espirituales y trascendentes de la experiencia humana.

Su emblemático Ciclo de Oro del Dibujo (1970-1980) es una muestra de esta exploración profunda. En esta serie, el artista invita al espectador a emprender un viaje introspectivo, utilizando el arte como vehículo para expandir la conciencia y conectar con la esencia del ser. Al trascender el plano egoico de la personalidad, Sánchez Kelly logró que sus obras fueran más que expresiones estéticas; se convirtieron en ventanas hacia la naturaleza humana y el despertar de la conciencia.

Este enfoque responde a una pregunta crucial en el panorama artístico actual: ¿Hemos dejado atrás la reflexión filosófica en el arte? El proyecto del Museo Sánchez Kelly sostiene que la filosofía no es un vestigio del pasado, sino una necesidad presente y futura para el desarrollo integral del individuo y la sociedad. Al integrar la filosofía y el arte, el museo busca restaurar el equilibrio, ofreciendo experiencias que no solo impactan visualmente, sino que también nutran la mente y el espíritu.

Además, el museo contará con otras salas expositivas permanentes, compartiendo espacios con exposiciones temporales de artistas locales e internacionales convocando no solo a un público amplio, sino también al ecosistema global del arte. Fomentará la cohesión social al invitar a la comunidad a participar en conversaciones significativas sobre temas relevantes. Este diálogo abierto y profundo es esencial para enfrentar los desafíos actuales y construir un futuro más consciente y humanizado.

Desde esta perspectiva, el proyecto del Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly representa una visión audaz y necesaria en el panorama artístico contemporáneo. Al priorizar la reflexión filosófica y el desarrollo de la conciencia, ofrece una alternativa valiosa a la tendencia global de centrarse exclusivamente en la innovación tecnológica, en las que nos vemos saturados de estímulos digitales, bombardeados por información y experiencias virtuales, resulta vital crear espacios que nos permitan desconectarnos y reflexionar sobre nuestra esencia y la búsqueda de sentido. Un espacio que reconoce y valora el poder transformador del arte como medio para conocernos a nosotros mismos y comprender el mundo que nos rodea.

Finalmente, el proyecto Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly se erige como un faro de introspección y crecimiento personal en medio de una sociedad dominada por lo digital y lo efímero. Al honrar la obra de un artista que trascendió los límites convencionales, el museo no solo preserva un legado invaluable, sino que también inspira a futuras generaciones a explorar nuevas fronteras en el arte y la conciencia. En última instancia, este proyecto es una invitación a reconectar con nuestra esencia más profunda y a reconocer el arte como una fuerza transformadora que puede guiar el desarrollo integral de la humanidad.

Fotografía Mural "Alegoría de los estudios universitarios" de Sánchez Kelly. UNNE. Campus Resistencia, año 1965( urge su restauración)

Más allá de lo estético. El museo Sánchez Kelly y el diálogo profundo del arte

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Tue, 15 Oct 2024 08:48:04 GMT

Campaña pro Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly

¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?

A diferencia de los grandes museos internacionales que, gracias a sus vastos recursos, integran tecnología de punta para crear experiencias inmersivas y deslumbrantes—como el Tate Modern de Londres con su "Turbine Hall" o el Museo del Futuro de Dubái —el Museo Sánchez Kelly apuesta por una propuesta que equilibra lo tecnológico con lo filosófico. Reconociendo que la innovación es valiosa, pero que no debe eclipsar la reflexión profunda, el museo se erige como un espacio donde la introspección y el diálogo son protagonistas.

El Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly se propone como una alternativa a esta tendencia, enfocarse en el equilibrio entre la innovación tecnológica y la profundización filosófica. El museo no solo exhibirá obras de arte, sino que también será un espacio para la reflexión, el diálogo y la exploración de temas fundamentales sobre la existencia humana y la conciencia. Una visión y una respuesta a las necesidades actuales de la sociedad y un llamado a reconectar con la esencia del arte como medio de reflexión y transformación, ofreciendo una alternativa valiosa en el panorama artístico contemporáneo.

Al introducir en la filosofía del proyecto, los conceptos del "universo sin costuras del arte" y el "hilo de oro", acuñado por sus promotoras Claudia Sánchez y Perla Guggiana, se enfatizan en la idea de que el arte es un tejido continuo donde diferentes artistas y sus obras están interconectados. El museo se presenta así como un lugar donde los individuos pueden desconectarse del ruido externo y conectarse con su interior, explorando preguntas fundamentales sobre el sentido de la vida, la conciencia y la existencia humana.

Desde este contexto, destacamos algunas de las razones que dan fundamento al Proyecto Museo De Arte Contemporáneo Sánchez Kelly:

1. Rescatar la reflexión filosófica en el arte: En contraste con la tendencia de centrarse exclusivamente en la tecnología, el proyecto museo busca revalorizar el papel del pensamiento crítico y la introspección en el arte contemporáneo.

2. Promover el "universo sin costuras del arte": Fomentar un espacio donde diferentes artistas y obras se interconectan, creando un diálogo continuo que enriquece la experiencia artística y refleja la diversidad de la condición humana.

3. Equilibrio entre tecnología y filosofía: Si bien reconoce el valor de la innovación tecnológica, el museo prioriza la creación de experiencias que nutran tanto la mente como el espíritu, ofreciendo profundidad más allá del impacto visual.

4. Facilitar la introspección , el crecimiento personal y despertar de la consciencia: Proporcionando un entorno que invite a los visitantes a reflexionar sobre su propia existencia, conciencia y lugar en el mundo, utilizando el arte como medio para el autodescubrimiento.

5. Fomentar el diálogo y la cohesión social: Al involucrar a la comunidad y promover conversaciones significativas, el museo contribuye al entendimiento mutuo y a la construcción de una sociedad más consciente y humanizada.

6. Honrar el legado de Sánchez Kelly: Al dedicar una sala a su obra y promover los conceptos que él exploró, el museo preserva y difunde su legado, inspirando a otros a continuar la investigación filosófica a través del arte.

El Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly se perfila como un faro en el vasto mar del arte contemporáneo, ofreciendo una visión que trasciende lo estético para sumergirse en las profundidades de la reflexión filosófica y la conciencia humana. En una era dominada por la innovación tecnológica, este espacio propone un retorno a lo esencial, invitando a los visitantes a desconectarse del bullicio exterior y a reconectar con su interior.

El proyecto museo no solo será un lugar de contemplación, sino un catalizador de diálogo, introspección y transformación personal, donde el arte y la filosofía se entrelazan en un "universo sin costuras". Con su propuesta única, el Museo Sánchez Kelly honra el legado del artista que da nombre al museo, proporcionando un refugio donde el pensamiento crítico y la cohesión social se nutren, recordándonos que el verdadero avance no radica solo en la tecnología, sino en la profundidad de nuestras ideas y en la calidad de nuestras conexiones humanas.

Fotografía del Mural "TEMPO" de Sánchez Kelly en la UNNE, campus de Resistencia.

El chaco: capacidad de transformar adversidad en inspiración.

Tue, 15 Oct 2024 07:26:28 GMT

Campaña pro Museo de arte contemporáneo Sánchez Kelly

SERIE ¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?

En la Provincia del Chaco y su capital, la ciudad de Resistencia, se erige el proyecto del MUSEO PROVINCIAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO SÁNCHEZ KELLY, que honra las raíces del artista—hijo de chaqueños y nieto de chaqueños e inmigrantes irlandeses. Esta tierra enfrentada a las inclemencias de la naturaleza tanto como a los desafíos económicos, es la cuna donde se forjan grandes artistas y una sociedad resiliente.

Fundada en 1872, por un puñado de inmigrantes italianos que superaron innumerables obstáculos, Resistencia es un testimonio vivo del espíritu perseverante que caracteriza al Chaco. Esta ciudad se ha convertido en un crisol donde convergen diversas expresiones artísticas y culturales, reflejando la tenacidad y creatividad de su gente. Un epicentro de expresión, diálogo y reflexión sobre lo que significa ser chaqueño en el mundo contemporáneo. El MUSEO SÁNCHEZ KELLY se erige así no solo como un espacio para exhibir arte, sino como un símbolo de la capacidad de su pueblo para transformar la adversidad en inspiración.

Este proyecto tiene el potencial de convertirse en un aliado estratégico y colaborador de las numerosas instituciones culturales de la provincia, donde profesionales altamente capacitados, artistas y gestores culturales comprometidos con el desarrollo del arte en la región, trabajen juntos para enriquecer el panorama cultural. El Chaco se destaca como un semillero de creatividad gracias a su rica red de instituciones educativas y académicas que fomentan el talento y la expresión artística en todas sus formas.

Sin destacar ninguna institución en particular- para no excluir a ninguna-, es innegable que el esfuerzo colectivo de estos centros educativos, académicos y culturales ha posicionado a la provincia como un referente en el panorama artístico contemporáneo, donde artistas de todas las tendencias mantienen un diálogo constante con su entorno, plasmando en sus obras las profundas raíces y la identidad de la región.

EL MUSEO SÁNCHEZ KELLY ofrecerá un escenario vital para que estas voces de la tierra encuentren resonancia, preservando y promoviendo la riqueza cultural local. Al integrarse con las diversas iniciativas existentes, el proyecto no solo fortalece el tejido cultural de la región, sino que también contribuye al enriquecimiento del patrimonio artístico local. Se erige así, como un puente entre los profesionales del arte, los creadores emergentes, gestores culturales y la comunidad en general, promoviendo un ambiente propicio para la innovación y la difusión de las expresiones artísticas que definen al Chaco como una tierra de inspiración y creatividad.

En una región que encuentra en el arte una vía de expresión de su identidad, la materialización del MUSEO DE ARTE SÁNCHEZ KELLY es una necesidad imperiosa. No se trata solo de resguardar la obra del ARTISTA Y MAESTRO SÁNCHEZ KELLY, -cuya narrativa filosófica es un faro en el arte contemporáneo-, sino de ofrecer otro hogar para las generaciones de artistas que, día a día crecen y crean nuevas formas de comprender el mundo que les rodea. Este museo tiene la vocación de ser un espacio donde se nutren las sensibilidades, se despiertan conciencias y se fortalecen las voces de aquellos que, desde su arte, dialogan con la realidad.

La culminación de este proyecto no es solo un objetivo a corto plazo, sino un paso firme hacia el futuro cultural de la región. Un museo que abrigue la diversidad y pluralidad del arte contemporáneo contribuiría a la construcción de una identidad local más sólida y coherente. Sería un lugar donde el pasado y el presente convergen, y donde la comunidad se reconoce en su propia creación artística.

Este proyecto nos invita a soñar con un Chaco donde el arte no solo adorna las paredes, sino que transforma vidas, fortalece la educación y enriquece el tejido social. Un museo que se alza como un puente entre las generaciones, un faro de esperanza y creatividad para las próximas décadas.

Foto del Mural Chaco y Algodón realizado por Sánchez Kelly en el año1986 en las instalaciones de la textil MIDES , en la localidad de Puerto Tirol que supera los 362m2(hoy abandonado junto a los dos murales en la UNNE de Resistencia)

Un patrimonio que es de todos los chaqueños y que honra a los colonizadores del Chaco y al algodón, recurso que ayudo a forjar la Provincia.

ENTRE LIENZOS Y PAISAJES Turismo Cultural y Desarrollo Local(3) CAMPAÑA PRO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO SÁNCHEZ KELLY SERIE ¿Por qué el Chaco necesita el Museo de Arte Sánchez Kelly?

Fri, 20 Sep 2024 07:58:20 GMT

El Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly surge con una propuesta innovadora que integra arte, filosofía y educación, en una experiencia turística única. Ubicado en la ciudad de Resistencia, Provincial del Chaco- Argentina, de un millón de habitantes, con recursos económicos modestos pero enriquecida por un entorno natural excepcional y el imponente Río Paraná como telón de fondo, posee una población dotada de extraordinarias capacidades artísticas y culturales que florecen con la misma fuerza que su naturaleza exuberante.

Este proyecto pone de manifiesto que la creatividad y la innovación pueden desarrollarse en cualquier contexto al aprovechar inteligentemente los recursos disponibles y, convertirse, en un motor económico y cultural que beneficie a la comunidad y atraiga a visitantes nacionales e internacionales.

"Entre Lienzos y Paisajes" no es simplemente un recorrido por salas de exposición; es una travesía que conecta el arte contemporáneo con el pensamiento filosófico y un entorno natural. Es una propuesta única para un turismo que busca destinos con identidad y encanto propio, ofreciendo una experiencia turística enriquecedora que destaca en el panorama cultural.

Al promover el turismo cultural sostenible, el museo se suma a instituciones locales existentes con eventos culturales ya consolidados internacionalmente, como la Bienal de la Escultura y la Feria de Arte 362, ampliando las oportunidades para residentes y visitantes. Al maximizar el uso de los recursos culturales y educativos disponibles, se evidencia que es posible crear propuestas valiosas contribuyendo al desarrollo económico de la región, a pesar de las limitaciones económicas.

El museo al actuar como catalizador económico, estimulará el desarrollo de pequeñas empresas, que fomentan el empleo y crean oportunidades, especialmente en los ámbitos del arte y la educación. Al involucrar a la comunidad en las iniciativas, se fortalecerá la identidad cultural y la cohesión social, enriqueciendo el tejido social y contribuyendo al desarrollo económico sostenible de la región.

El Museo Sánchez Kelly, podrá ofrecer experiencias turísticas únicas, combinando exposiciones en las salas del museo con actividades al aire libre, así como la posibilidad de realizar instalaciones artísticas y performances, que resalten el patrimonio cultural y natural de la región, además de generar recursos económicos que amplíen y enriquezcan las oportunidades para el sector artístico y la de los gestores culturales.

La organización de programas educativos, así como la programación de rutas turísticas que incluyan visitas a otros museos y espacios naturales, incentivarán estancias más prolongadas y mayores ingresos, posicionando al Chaco como un destino atractivo para visitantes interesados en el arte contemporáneo y experiencias inolvidables.

Sin necesidad de grandes inversiones tecnológicas, el Proyecto Museo Sánchez Kelly demuestra la adaptación a las limitaciones económicas, a través de la creatividad y la colaboración, promoviendo un turismo sostenible que fomente la participación ciudadana y enriquezca la vida cultural de la ciudad.

Para finalizar, el Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly presenta una visión compartida que une arte, filosofía y educación en un entorno natural excepcional. Al aprovechar de manera inteligente los recursos culturales y humanos, y fomentar la creatividad y la colaboración con instituciones existentes y artistas locales, el museo no solo enriquecerá la oferta turística de la ciudad, sino que también contribuirá al desarrollo sostenible y al fortalecimiento de la propia identidad.

Esta iniciativa es una invitación a ser partícipes activos en la construcción de un legado cultural significativo y duradero que beneficiará a las generaciones presentes y futuras y, es también, un llamado a abrazar el poder transformador del arte como protagonistas de un futuro donde la cultura y la creatividad definan el alma de nuestra comunidad.

Foto exposición de Sánchez Kelly en el Senado de la Nación Argentina con alumnos-artistas del TAVE UNNE. año 2005,evento propiciado por la Senadora Miriam Curletti

EL PODER DEL ARTE SERIE: Museos que Cambian el destino de ciudades emergentes. MONTERREY - MÉXICO

Fri, 20 Sep 2024 07:49:00 GMT

En el marco de la CAMPAÑA PRO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO SÁNCHEZ KELLY de Resistencia, Chaco, Argentina, ofrecemos la SERIE: “Museos que cambian el destino de ciudades emergentes”, hoy presentamos al MARCO de Monterrey, México.

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) es uno de los emblemas culturales más importantes de México. Inaugurado en 1991, este museo ha sido un pilar fundamental en el desarrollo cultural, educativo y social de Monterrey, una ciudad conocida por su dinamismo industrial y económico. MARCO no solo ha sido un espacio para la exhibición de arte contemporáneo, sino también un motor de cambios significativos en la comunidad, impactando en la cultura, la educación, la inclusión social y la economía de la región.

Uno de los pilares fundamentales del MARCO ha sido su compromiso con la educación. El museo ha desarrollado una amplia gama de programas educativos dirigidos a diferentes públicos, desde estudiantes de arte hasta niños de educación básica, y personas mayores. A través de talleres, cursos, visitas guiadas, y programas de arte en la comunidad, el MARCO ha fomentado la creatividad, el pensamiento crítico y la apreciación del arte contemporáneo en la población.

Los programas educativos del museo no solo se centran en la enseñanza del arte, sino que también promueven habilidades como la observación, el análisis y la reflexión, elementos esenciales para el desarrollo integral de los individuos. Estos esfuerzos han logrado acercar el arte a públicos que, de otra manera, podrían no haber tenido acceso a estas experiencias, democratizando el acceso a la cultura y potenciando el desarrollo personal y social.

El MARCO ha sido un pilar en el fortalecimiento de la identidad cultural de Monterrey. Al ofrecer una plataforma para la exhibición de arte contemporáneo, el museo ha permitido a los artistas locales e internacionales dialogar y compartir sus perspectivas con una audiencia amplia. Este intercambio cultural ha enriquecido el panorama artístico de la ciudad, promoviendo la diversidad y la innovación en la creación artística.

El museo también ha funcionado como un espacio de reflexión sobre temas contemporáneos, a menudo abordando cuestiones sociales, políticas y ambientales a través de sus exposiciones. Esto ha permitido a la comunidad reflexionar sobre su realidad y fomentar un diálogo constructivo sobre los desafíos que enfrenta la sociedad moderna.

El impacto económico del MARCO ha sido notable en Monterrey. El museo ha contribuido al desarrollo del turismo cultural, atrayendo a visitantes tanto nacionales como internacionales. Estos turistas, interesados en la rica oferta cultural de la ciudad, han generado un impacto positivo en sectores como la hotelería, la restauración y el comercio, dinamizando la economía local.

Además, el MARCO ha generado empleo, tanto directo como indirecto, y ha promovido el desarrollo de la economía creativa en la región. La presencia del museo ha estimulado la inversión en infraestructura cultural y ha incentivado la creación de otros espacios culturales y artísticos, lo que ha enriquecido el ecosistema cultural de Monterrey.

Uno de los logros más destacados del MARCO es su compromiso con la inclusión social. El museo ha implementado programas diseñados para acercar el arte a comunidades marginadas y grupos vulnerables. A través de iniciativas como talleres comunitarios, exposiciones participativas y programas de acceso gratuito, el MARCO ha logrado integrar a diversos sectores de la sociedad en la vida cultural de la ciudad.

Este enfoque inclusivo ha contribuido a reducir las barreras sociales y culturales, promoviendo una mayor cohesión social y empoderando a comunidades que tradicionalmente han estado al margen de las actividades culturales. El MARCO, de esta manera, ha demostrado que el arte no solo es un lujo, sino una herramienta poderosa para el cambio social y la inclusión.

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey ha sido mucho más que un espacio de exhibición; ha sido un agente transformador en la vida cultural, educativa, social y económica de la ciudad. A través de su compromiso con la educación, la cultura, la inclusión social y el desarrollo económico, el MARCO ha contribuido a la construcción de una sociedad más equitativa, creativa y cohesionada. Su legado continúa siendo un testimonio del poder del arte para inspirar y transformar a las personas y a las comunidades, consolidando a Monterrey como un referente cultural en México y en el mundo.

Celebramos la misión y visión del MARCO Monterrey México y aspiramos a que el futuro MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO SÁNCHEZ KELLY de Resistencia, pueda emular estos objetivos y realizaciones en un plazo breve.

¿Es la Reflexión Filosófica el Futuro Perdido de los Museos de Arte? (2) CAMPAÑA PRO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO SÁNCHEZ KELLY SERIE: ¿Por qué el Chaco necesita el Museo Sánchez Kelly?

Fri, 20 Sep 2024 07:43:29 GMT

En las últimas décadas, la relación entre los museos y los artistas ha evolucionado significativamente, dejando atrás la noción tradicional de un museo como simple repositorio de obras. Hoy en día, el museo es un actor dinámico que no solo exhibe, sino que también participa activamente en la creación y el desarrollo de nuevas propuestas artísticas.

Los museos contemporáneos han adoptado un enfoque en el que exploran nuevas formas de expresión, gracias a las residencias artísticas, programas de comisiones y laboratorios creativos, se han convertido en plataformas de innovación y producción donde, el público, es un testigo del proceso creativo, generando dialogo entre la obra y el artista. Esta dinámica responde a la necesidad de los museos de mantenerse relevantes en un mundo donde las formas de consumo cultural están en cambio constante.

Son Ejemplos de esta innovación: el Tate Modern (Londres) el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, El Museo del Futuro de Dubay, y la Fundazione Prada de Milán, entre otros.

En el Tate Modern, en el espacio “Turbine Hall” permite que los artistas creen instalaciones a gran escala específicamente diseñada para este lugar. Los proyectos inmersivos transforman el museo en un cocreador activo.

El Museo del Futuro de Dubái, inaugurado en 2022, no solo expone obras de arte, sino que actúa como una plataforma interdisciplinaria donde artistas, científicos y tecnólogos colaboran para crear experiencias que van más allá de las exposiciones tradicionales.

La Fundazione Prada en Milán es otra institución que ha adoptado un enfoque innovador en la relación entre el museo y el artista. La fundación se distingue por su capacidad para actuar como un espacio híbrido, donde el arte interactúa con la filosofía, la ciencia y la cultura contemporánea, generando un ambiente de reflexión profunda y diálogo interdisciplinario.

En el escenario del arte contemporáneo, los grandes museos internacionales tienen la capacidad económica y financiera para integrar la tecnología de formas innovadoras y deslumbrantes. Sus exposiciones cuentan con instalaciones de alta tecnología, experiencias inmersivas y colaboraciones interdisciplinarias que empujan los límites del arte hacia nuevas fronteras. Sin embargo, en medio de este despliegue tecnológico, se corre el riesgo de perder de vista algo esencial: el arte también es filosofía, es reflexión, y en este campo, los museos más modestos pueden cubrir un vacío cada vez más evidente en la escena global y tener un impacto profundo y significativo.

En un mundo saturado de estímulos digitales, donde la tecnología avanza a un ritmo vertiginoso y los museos se transforman en escenarios de innovación digital, surge una pregunta fundamental: ¿hemos dejado atrás la reflexión filosófica en el arte? La respuesta radica en entender que, aunque la tecnología ofrece nuevas formas de experimentar el arte, no puede reemplazar el papel crucial que tiene la reflexión en nuestra comprensión del mundo y de nosotros mismos.

Los museos de arte contemporáneo deben encontrar un equilibrio entre lo tecnológico y lo filosófico, ofreciendo no solo experiencias inmersivas y visualmente impactantes, sino también espacios para el pensamiento crítico y el diálogo profundo. La filosofía no es el futuro perdido de los museos, sino el componente esencial que debe ser rescatado para que el arte siga siendo un vehículo de introspección y cuestionamiento de la realidad.

En este sentido, el Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly propone como objetivo un programa educativo cuyo eje central es la exploración de la conciencia a través del arte, un aspecto tan presente en la obra del artista. Este enfoque educativo se articula en torno a la idea de que, en la actualidad, donde la tecnología nos bombardea con estímulos externos y nos sumerge en un mundo virtual constante, es vital cultivar espacios que nos lleven a reflexionar sobre nuestra condición humana, nuestra esencia.

El museo se convierte entonces, no solo en un lugar de exhibición, sino en un espacio de reflexión. A través de las obras de Sánchez Kelly, los participantes se podrán ver inmersos en una experiencia estética que busca conectarse con sus propias inquietudes filosóficas, y los visitantes profundizar en temas vinculados al sentido que todo tiene, a la conciencia, utilizando el arte como herramienta para el autodescubrimiento y la reflexión profunda.

ARTE EMERGENTE Y EDUCACIÓN EL LEGADO EDUCATIVO de SÁNCHEZ KELLY: Un MUSEO que FORMA Y VISIBILIZA SERIE: ¿Por qué el Chaco necesita el Museo Sánchez Kelly? Diez argumentos decisivos

Fri, 20 Sep 2024 07:38:36 GMT

Con esta publicación, iniciamos la serie ¿Por qué el Chaco necesita el Museo Sánchez Kelly? 10 razones que hemos expuesto al Sr. Gobernador del Chaco (Argentina) en la carta que dio inicio a la Campaña Pro Museo Sánchez Kelly, destacando la importancia de la educación artística. En las próximas publicaciones, desgranaremos cada uno de estos motivos.

Los museos han sido, históricamente, templos que custodian el patrimonio artístico, espacios donde la obra de grandes maestros ha sido inmortalizada. Sin embargo, en el panorama del arte contemporáneo, estas instituciones no solo preservan el pasado, sino que también juegan un rol determinante en la configuración del futuro artístico, especialmente como plataformas que ofrecen visibilidad de los artistas emergentes.

Para un joven artista ser reconocido y legitimado por un museo representa no solo una validación de su obra, sino también de su talento y potencial. Los museos contemporáneos, conscientes de este potencial, así como de su capacidad de influencia en el mercado y en la opinión pública, han ido asumiendo un papel activo en la promoción de nuevos talentos.

En ESPAÑA existen varios centros con clara vocación de apoyar el desarrollo de nuevos talentos, en Madrid el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ofrece residencias artísticas y de investigaciones que permiten a los artistas jóvenes desarrollar sus proyectos en un entorno creativo y colaborativo. Otro referente es Matadero Madrid, en el que su centro de residencias artísticas, artistas de diferentes disciplinas pueden desarrollar su trabajo en un entorno de intercambio y creación. Matadero también organiza exposiciones temporales y programas educativos que conectan a los artistas con el público. Estos museos, entre otros, desempeñan un papel crucial en la visibilidad y el desarrollo de los nuevos talentos, generando oportunidades de colaboración y exhibición tanto en espacios físicos como digitales.

En la provincia del CHACO-Argentina, no sabemos de museos que promuevan específicamente residencias artísticas para artistas plásticos. Sin embargo, existen iniciativas relevantes que promueven la creación y experimentación como MONTE Residencia, ubicada en Colonia Benítez, donde se desarrollan programas de creación, curaduría e investigación con artistas locales e internacionales en el área de la ecología artística, en contacto directo con la naturaleza.

Otro destacado referente es la Casa Museo Fabriciano, que honra la vida y obra del escultor Fabriciano Gómez promotor de la Bienal de Escultura del Chaco que también fomenta la participación de artistas, incluyendo residencias, talleres y eventos que involucran a la comunidad artística local e internacional, especialmente en el área de la escultura. Amas iniciativas – ecología artística y escultura-son clave para el desarrollo del arte en la región, permitiendo a los artistas emergentes explorar nuevas formas de creación y establecer conexiones con otros creadores y el público.

En este contexto el Proyecto MUSEO DE ARTE CONTEPORÁNEO SÁNCHEZ KELLY pretende ser un puente entre el presente y el futuro del arte, un espacio de creación viva en permanente transformación; un hito crucial en la carrera de cualquier artista y un dinamizador cultural que proyecta el trabajo emergente hacia audiencias globales, donde el arte joven pueda florecer y construir nuevas narrativas que redefinan el arte del mañana.

El Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly no solo pretende ser un espacio de exhibición, sino también un reflejo del legado pedagógico de su fundador, quien durante casi 50 años formó a generaciones de artistas en EL TAV- UNNE. Este museo debe encarnar ese compromiso con la educación, convirtiéndose en una plataforma para el arte emergente y un espacio donde la creación y el aprendizaje vayan de la mano, tal como lo hizo SÁNCHEZ KELLY en su incansable labor docente.

EL CHACO SE PROYECTA AL MUNDO: Hagamos Realidad el Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly

Fri, 20 Sep 2024 07:32:49 GMT

CARTA ABIERTA A LA CIUDADANÍA

Estimados amigos y amigas:

Nos dirigimos hoy a todos los chaqueños, y en particular a la comunidad artística y educativa, llamando al corazón. Se trata de afianzar el proyecto Museo Provincial de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly, un proyecto que consolidará nuestra identidad cultural.

Al igual que ciudades como Monterrey, Medellín, Alicante, Vigo y Bilbao, que han sido transformadas por el poder del arte, Resistencia tiene la oportunidad de dar un paso crucial hacia su afianzamiento como un centro cultural de relevancia internacional. El Museo de Arte Contemporáneo no es simplemente un espacio de exhibición; es una plataforma para el arte chaqueño, un faro que iluminará el futuro de nuestras generaciones y un pilar fundamental en nuestra aspiración de ser reconocidos por la UNESCO.

Este museo representa un valor en nuestra riqueza cultural, un punto de encuentro para artistas, estudiantes y toda la comunidad, y un compromiso con el futuro artístico de nuestra provincia. Será un lugar donde nuestros jóvenes podrán encontrar inspiración, donde nuestros artistas hallarán un refugio y un escenario para desplegar su creatividad, y donde todos nosotros seremos parte de un legado que eleva a Resistencia y al Chaco en el escenario cultural global.

El Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly nace del impulso de la familia del artista, que ha ofrecido al Patrimonio de la Provincia las colecciones iniciales del museo, en una lucha que lleva más de una década. Sin embargo, el proyecto –que es de todos los chaqueños– atraviesa un momento crítico, ya que las obras del edificio ubicado en Julio A. Roca 233, designado como su sede mediante el Decreto 2023-976 del Gobierno del Chaco, han sido suspendidas indefinidamente, poniendo en riesgo su realización. Por ello, necesitamos el apoyo de toda la ciudadanía para solicitar al gobierno la continuación y culminación de estas obras.

Este museo no puede llevarse a cabo sin el respaldo y la participación activa de cada uno de nosotros. Es un desafío colectivo que requiere nuestro esfuerzo y compromiso. Tu voz puede hacer la diferencia. Tu adhesión es fundamental para que este proyecto se haga realidad.

Te INVITAMOS a unirte a la CAMPAÑA PRO MUSEO SÁNCHEZ KELLY, para dar vida a este espacio que permitirá que el arte y la cultura sigan floreciendo en el Chaco, honrando el pasado, fortaleciendo el presente y proyectando hacia el futuro a nuestros artistas y al ecosistema cultural, enriquecido por profesionales formados en todos los campos de la cultura, gracias al esfuerzo de nuestras instituciones educativas y académicas. De esta manera, consolidaremos a Resistencia como un faro cultural de relevancia internacional.

¡Adhiérete hoy! Juntos podemos hacer realidad este anhelo. Tu participación es esencial.

Envía tu adhesión a: museosanchezkelly@eternityediciones.com

EL LATIDO DEL ARTE SERIE: Museos que Cambian el destino de ciudades emergentes. VIGO- ESPAÑA

Fri, 20 Sep 2024 07:30:19 GMT

En el marco de la CAMPAÑA PRO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO OSCAR SÁNCHEZ KELLY, y la Serie: “Museos que cambian el destino de ciudades emergentes", hablamos del MUSEO DE Arte Contemporáneo de VIGO- GALICIA- ESPAÑA.

EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE VIGO (MARCO) no es solo un epicentro cultural de Galicia, sino una referencia clave en el panorama artístico contemporáneo, tanto en España como en el mundo. Desde su apertura en 2002, el MARCO ha destacado por su enfoque innovador y su apuesta decidida por la experimentación, diferenciándose claramente de otros museos.

Uno de los aspectos más sobresalientes del MARCO es su sede. El museo ocupa un antiguo edificio neoclásico que anteriormente fue una prisión y palacio de justicia. Esta estructura, adaptada a su nueva función, crea un contraste fascinante entre la modernidad del arte contemporáneo y la historia de la arquitectura, lo que aporta un sentido de diálogo entre el pasado y el presente. Su disposición circular, con un patio central que articula las salas, es una rareza en el mundo museístico, ofreciendo una experiencia espacial única.

Lo que realmente hace al MARCO sobresaliente es su capacidad para conectar a Vigo con el circuito internacional del arte contemporáneo. A través de colaboraciones con otros museos y galerías alrededor del mundo, el MARCO ha traído a Galicia exposiciones de renombre internacional, permitiendo que el público local acceda a obras y artistas de primer nivel sin tener que salir de la región.

A la vez, el museo tiene un compromiso inquebrantable con los artistas emergentes. Su espacio se ha convertido en una plataforma para que los creadores locales y nacionales presenten sus trabajos más innovadores, lo que fomenta una constante renovación del discurso artístico.

Otro aspecto que diferencia al MARCO es su conexión con la comunidad. Más allá de ser un lugar de exposición, el museo ha desarrollado programas educativos y talleres participativos que involucran activamente a diferentes grupos sociales, desde estudiantes hasta personas mayores. Este enfoque participativo, que convierte al visitante en parte activa del arte, es un sello distintivo que pocos museos logran con tanto éxito.

EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE VIGO es mucho más que un simple contenedor de arte. Es un espacio vivo, abierto al mundo y a su comunidad, que se distingue por su arquitectura única, su enfoque en la experimentación y su capacidad para conectar lo local con lo global. En un mundo donde muchos museos se conforman con exponer arte, el MARCO se atreve a ser un agente transformador, tanto para el arte como para su entorno.

EL MUSEO de ARTE CONTEMPORÁNEO SÁNCHEZ KELLY, aunque aún no ha sido inaugurado, comparte con el MARCO de Vigo la ambición de ser un agente cultural transformador. Con el compromiso de la familia del artista de conformar con su legado los fondos iniciales del Museo, así como su profunda responsabilidad con su comunidad, el Sánchez Kelly no solo busca preservar la identidad chaqueña, sino también proyectarse internacionalmente. Resistencia, como Ciudad de las Esculturas, ya ha consolidado un carácter global a través de su Bienal, que convoca a artistas de todo el mundo. Así, ambos museos, en diferentes etapas, tienen el potencial de conectar lo local con lo internacional, transformando el arte y el entorno que los rodea.

El Museo Sánchez Kelly enfrenta un momento crítico. Sumarse a la campaña es esencial para garantizar su apertura y preservar tanto el legado del artista como el patrimonio cultural chaqueño. Solo con el apoyo de todos podremos asegurar que este espacio vea la luz y proyecte el arte chaqueño al mundo.

MUSEO DE Arte Moderno de MEDELLIN- Colombia. Serie: “Museos que cambian el destino de ciudades emergentes".

Fri, 20 Sep 2024 07:26:58 GMT

En el marco de la CAMPAÑA PRO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO OSCAR SÁNCHEZ KELLY, y la Serie: “Museos que cambian el destino de ciudades emergentes", hablamos del MUSEO DE Arte Moderno de MEDELLIN- Colombia.

El Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) y el Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly reflejan diferentes trayectorias, pero ambos subrayan la importancia de los espacios dedicados al arte contemporáneo. Mientras el MAMM nació de la iniciativa de artistas locales y se consolidó como un referente cultural, el Museo Sánchez Kelly fue impulsado por la familia del artista tras su fallecimiento. Creado jurídicamente por decreto del gobierno de la provincia del Chaco en 2023, el Sánchez Kelly aún no ha sido inaugurado debido a la suspensión indefinida de las obras en su sede. Esta situación no solo pone en riesgo la preservación del legado artístico de Sánchez Kelly, sino la existencia misma del museo. A través de una campaña de sensibilización, la familia busca movilizar a la sociedad y al gobierno para culminar la rehabilitación del espacio, destacando la urgencia de contar con un museo de arte contemporáneo que enriquezca la escena cultural de la región.

El Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) tiene varios aspectos sobresalientes que lo diferencian de otros museos de arte contemporáneo en el mundo:

ORIGEN IMPULSADO POR ARTISTAS LOCALES: El MAMM fue fundado en 1978 por un grupo de artistas y ciudadanos que sentían la necesidad de un espacio dedicado al arte moderno en Medellín, convirtiéndolo en un museo con una fuerte conexión orgánica con la comunidad artística local.

COMPROMISO CON LA CULTURA LOCAL Y GLOBAL: Desde su creación, el MAMM ha promovido el diálogo entre la producción artística local y las tendencias internacionales. Al tener una fuerte raíz en Medellín y Colombia, pero con una visión internacional, ofrece una plataforma para artistas emergentes y consagrados que exploran la cultura, la historia y los desafíos sociales desde una perspectiva única.

ADAPTACIÓN ARQUITECTÓNICA Y CRECIMIENTO: La sede actual del MAMM es un ejemplo de cómo un museo puede adaptarse y crecer dentro del entorno urbano. La sede original era una fábrica de acero transformada en museo, lo que ya es un símbolo de regeneración cultural. Con las ampliaciones y renovaciones, se ha consolidado como un hito arquitectónico, integrando lo histórico con lo contemporáneo.

ENFOQUE EN ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TECNOLOGÍAS: El MAMM es reconocido por su interés en el arte contemporáneo y las nuevas tecnologías, explorando medios como el videoarte, la fotografía digital y las instalaciones interactivas. Esto lo sitúa a la vanguardia de los museos latinoamericanos y le otorga relevancia internacional en la exhibición de arte experimental.

PROGRAMAS EDUCATIVOS Y SOCIALES: El MAMM no se limita a ser un espacio expositivo. Tiene una fuerte componente educativa y social, con programas que buscan integrar a la comunidad de Medellín, incluyendo a poblaciones vulnerables. Esto lo convierte en un agente de cambio social y no solo en un contenedor de arte.

RECONOCIMIENTO Y PROYECCIÓN INTERNACIONAL: A pesar de sus raíces locales, el MAMM ha alcanzado un importante reconocimiento internacional, siendo parte de la red global de museos y espacios de arte que promueven el intercambio cultural.

El MAMM representa un ejemplo sobresaliente de cómo un museo puede nacer de una iniciativa artística local y llegar a ser un referente en la escena artística internacional, manteniendo un fuerte compromiso con su contexto social y cultural. De manera similar, el Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly tiene el potencial de convertirse en un hito para la provincia del Chaco, gracias al impulso incansable de la familia del artista y al creciente apoyo de la sociedad, artistas y diversas instituciones públicas y privadas, tanto del ámbito cultural como de otros sectores.

Este respaldo social e institucional es testimonio claro de la importancia que un museo de arte contemporáneo tiene para la región, no solo como un espacio de preservación del legado de Sánchez Kelly, sino como un centro de desarrollo cultural y artístico. Dicho apoyo colectivo envía un mensaje contundente sobre la necesidad de que el gobierno provincial haga los esfuerzos necesarios para culminar las obras. Confiamos en la sensibilidad del gobierno del Chaco, que, a pesar de las dificultades, podrá materializar el proyecto del Museo Sánchez Kelly, transformándolo en un símbolo de la riqueza cultural de la provincia y en un lugar de referencia para el arte contemporáneo.

.Foto Museo Medellin Colombia.

DONDE EL ARTE RENACE. LAS CIUDADES FLORECEN EL ALMA DE UN MUSEO SERIE Museos que Cambian el destino de ciudades emergentes. ALICANTE- ESPAÑA

Fri, 20 Sep 2024 07:15:55 GMT

En el marco de la CAMPAÑA PRO MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO OSCAR SÁNCHEZ KELLY, y la Serie: “Museos que cambian el destino de ciudades emergentes", hablamos del MACA ALICANTE- ESPAÑA.

El Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA) se distingue por varios aspectos que lo hacen único en el panorama museístico global, en comparación con otros museos de arte contemporáneo.

Desde algunos de sus elementos más singulares, destacamos especialmente dos muy afines a al espíritu del Museo de Arte Contemporáneo Sánchez Kelly de Resistencia, los referidos a: el Alma del Muso, la colección y su escala humana.

Conexión profunda con su contexto histórico: El MACA se encuentra en un edificio del siglo XVII, la antigua Casa de la Asegurada, lo que ofrece un contraste fascinante entre la arquitectura histórica y el arte contemporáneo.

Colección singular de arte contemporáneo español: Aunque exhibe obras internacionales, el MACA tiene una de las colecciones más destacadas de arte contemporáneo español del siglo XX, con piezas de artistas clave como Eusebio Sempere, quien donó su colección personal al museo.

Enfoque en la inclusión y la accesibilidad: El MACA ha demostrado un compromiso ejemplar con la inclusión social a través de programas diseñados para hacer accesible el arte a todos, incluyendo personas con discapacidades y comunidades vulnerables.

Localización transformadora en la ciudad: A diferencia de otros museos de arte contemporáneo situados en grandes capitales culturales, el MACA está en una ciudad mediana, como Alicante. Su influencia en la regeneración urbana de la zona donde se ubica lo asemeja a casos emblemáticos como el del Guggenheim en Bilbao.

Eusebio Sempere y su legado: Lo que realmente distingue al MACA es su conexión con la obra y el legado de Eusebio Sempere, son fundamentales en su colección. Sempere no solo donó su obra, sino que su visión artística ha sido una piedra angular del museo. Esta vinculación personal con el museo y la ciudad de Alicante lo diferencia de otros museos de arte contemporáneo que no tienen un "alma local" tan fuerte.

El alma del museo: Sempere vs. Sánchez Kelly. El MACA de Alicante encuentra su identidad en la obra y legado de Eusebio Sempere, un artista alicantino, es el núcleo de su colección. Esta conexión personal con Sempere le da al museo un alma local, profundamente arraigada en la cultura y el arte de la ciudad. Del mismo modo, el Proyecto Museo Sánchez Kelly se basa en el legado del artista local Sánchez Kelly, quien, al igual que Sempere, dejó una herencia artística vital para la identidad del museo:” Arte y consciencia” es el sello de este artista chaqueño. Ambos espacios son un reflejo íntimo de sus respectivos artistas, creando una relación simbiótica entre el museo y la obra que representan, y ofreciendo al público una experiencia profundamente conectada con la figura de un creador local. Sempere es ya una realidad. Sánchez Kelly aún en espera de la voluntad política.

Diálogo entre tradición y vanguardia: El MACA logra crear un diálogo constante entre la tradición histórica y la vanguardia contemporánea, no solo en su arquitectura, sino también en su programación.

Participación comunitaria activa: Motor cultural y transformador social La relación del MACA con su comunidad local es particularmente fuerte. Más que ser un simple lugar de exposición, el museo funciona como un espacio de encuentro cultural, donde la comunidad participa activamente en talleres, actividades y debates.

Programación educativa innovadora: Escala humana: Aunque alberga una colección significativa, el MACA se diferencia de muchos museos internacionales por su tamaño más íntimo, lo que permite al visitante disfrutar de una experiencia más personal y menos abrumadora. Esto facilita una interacción más cercana con las obras y una visita más reflexiva.

Tanto el MACA como el futuro Museo Sánchez Kelly destacan por su ubicación en edificios históricos de escala humana. El MACA, situado en la antigua “Casa de la Asegurada”, permite una experiencia cercana y reflexiva. De manera similar, el Proyecto Sánchez Kelly también se desarrollará en un edificio histórico, la “Casa Gabardini” con una estructura que privilegiará la proximidad y la calidez en la interacción con las obras- Aquí, el visitante se siente parte del espacio y la historia local.

Compromiso con la sostenibilidad y el entorno local: El museo no solo ha contribuido a la revitalización urbana de Alicante, sino que también ha impulsado prácticas sostenibles en su gestión y programación.

A diferencia de museos que se centran en una perspectiva global y desarraigada, el MACA mantiene un equilibrio entre lo local y lo internacional, lo histórico y lo contemporáneo, generando una experiencia profundamente conectada con su entorno. Ambos museos: EL MACA ALICANTE Y EL PROYECTO MUSEO DE ARTE SÁNCHEZ KELLY comparten una filosofía similar en cuanto a su vínculo con el artista y la escala arquitectónica, lo que les confiere una identidad única y auténtica en sus respectivas ciudades, el Museo Sánchez Kelly aún está por verse.

Fotografía del MACA ALICANTE

Arte y Consciencia. Recordando el auténtico legado de Oscar Sánchez Kelly

Fri, 02 Aug 2024 16:33:42 GMT

Hoy 2 de agosto de 2024, en el 82ºaniversario del nacimiento de Oscar Sánchez Kelly, queremos rendir un recordatorio a un hombre cuya vida y obra dejó una huella en nuestras vidas y en el mundo del arte.

Oscar Sánchez Kelly, nació el 2 de agosto de 1942 en la ciudad argentina de Resistencia- Desde temprana edad, mostró una increíble habilidad para el dibujo y una profunda curiosidad por el mundo que lo rodeaba. Esta curiosidad lo llevó a explorar no solo las técnicas del arte, sino también las profundidades del alma humana.

A lo largo de su carrera, Sánchez Kelly se convirtió en un maestro indiscutible del dibujo. Su "Ciclo de Oro", que abarca la década de 1970 a 1980, es un testimonio de su destreza y profundidad. En esta época, cada trazo y cada color de sus obras reflejaban una búsqueda incesante de la verdad y del sentido de la vida. Sus dibujos no solo eran técnicamente impecables, sino que también llevaban al espectador a una introspección profunda, invitándolo a reflexionar sobre su propia existencia y naturaleza. En uno de sus dibujos más enigmáticos como "Mundo" y Por Dentro ", plasmó todo el proceso del despertar de la consciencia hasta que el ser humano alcanza su cenit.

Sánchez Kelly no fue simplemente un artista; fue un filósofo y un explorador de la consciencia. Sus obras capturan la esencia de la vida de una manera significativa. A través de su arte, nos desafiaba a mirar más allá de la superficie , a conectarnos con nuestras emociones y pensamientos más profundos, y recordándonos -para no perdernos-, el camino a nuestra verdadera identidad o esencia.

Este aniversario también nos da la oportunidad de recordar a un dedicado docente en el TAV de la Universidad Nacional del Nordeste (UNNE). Allí, compartió su conocimiento y pasión con innumerables estudiantes, inspirándolos a descubrir y desarrollar su propio talento artístico. Su influencia como maestro fue tan especial como su legado artístico, muchos de sus alumnos , hoy destacados artistas, aún lo recuerdan con afecto y respeto.

Oscar Sánchez Kelly siempre creyó que el arte debía ser una herramienta para plasmar lo intangible y lo inefable. A través de su trabajo, nos ofrece un puente para conectarnos con nosotros mismos y con el entorno. En tiempos en los que el mundo se mueve vertiginosamente hacia lo externo, su arte nos recuerda la importancia de buscar la verdad y la esencia dentro de nosotros.

En este día especial, queremos recordar a Oscar no solo como el gran artista sino como un ser humano profundo, cuyo legado más importante, aún está por descubrirse. Su capacidad para ver más allá de lo evidente y su deseo de compartir su visión con el mundo es lo relevante de su vida y su arte.

Oscar nos dejó un desafío: desentrañar el significado de la existencia más allá de las limitaciones de la mente y el tiempo. Nos invita a despojarnos de prejuicios y a explorar el vasto universo de posibilidades que albergamos dentro. A través de sus obras, nos ofrece una cartografía del alma, mostrando rutas hacia el conocimiento de nosotros mismos,

En este aniversario de su nacimiento, celebramos su vida y su legado con gratitud y reconocimiento. Invitamos a todos a adentrarse en el mundo de Sánchez Kelly, a explorar la consciencia y experimentar el despertar que sus obras inspiran. Que su arte ilumine nuestro camino hacia el conocimiento, el diálogo y la comprensión, y que su espíritu creativo siga vivo e inspirando a quienes con el corazón limpio celebran su vida y su legado.

¿QUE APORTAN LOS DIÁLOGOS DE SÁNCHEZ KELLY AL PARADIGMA DEL ARTE CONTEMPORANEO? Segunda PARTE

Mon, 29 Jul 2024 08:19:36 GMT

El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro", libro de Claudia G. Sánchez y Perla Guggiana, en homenaje a SANCHEZ KELLY y a todos los creadores, aporta una serie de innovaciones significativas al paradigma del arte contemporáneo, que exponemos a continuación.

La Revelación de una Esencia Universal: Los diálogos de SÁNCHEZ KELLY nos invitan a explorar una esencia subyacente que trasciende las divisiones culturales y temporales. Al hacerlo, nos acercan a una comprensión más profunda de la universalidad del arte, destacando que conceptos fundamentales como la esencia, la verdad y el sentido de la vida son compartidos a través de diferentes contextos históricos y geográficos. Esta perspectiva contribuye a una visión del arte como un puente que conecta diversas experiencias humanas, facilitando un entendimiento más holístico y universal de la condición humana.

Profundización en el Significado del Arte: Al interpretar y reinterpretar las obras de SÁNCHEZ KELLY y sus conexiones con otros artistas emblemáticos, se ofrece una mayor reflexión sobre los contenidos, simbolismos y trascendencias de dichas obras. Este enfoque no solo enriquece nuestra comprensión de las creaciones individuales, sino que también aporta una mayor claridad sobre cómo el arte puede servir como medio para explorar y expresar las complejidades de la experiencia humana. La introspección que resulta de este proceso tiene el potencial de transformar tanto a los artistas como a los espectadores, al brindarles nuevas perspectivas sobre sus propias vidas y realidades.

Exploración de Temáticas Universales: Los diálogos subrayan cómo los artistas, a lo largo de la historia, han utilizado símbolos con significados universales para abordar temas recurrentes como el dolor, la soledad, el amor, la verdad y la muerte. Esta exploración común refleja una visión compartida de las experiencias y desafíos humanos, mostrando cómo el arte puede ser un vehículo poderoso para la comunicación y el entendimiento intercultural. Al destacar estos temas universales, los diálogos de SÁNCHEZ KELLY nos recuerdan la capacidad del arte para tocar aspectos fundamentales de la naturaleza humana y generar una resonancia profunda y duradera entre diversas audiencias.

Fomento de la Paz y la Unidad. Uno de los aportes más significativos de los diálogos es su capacidad para fomentar la paz y cohesionar a la humanidad. Al revelar una conciencia de unidad esencial, estos diálogos nos ayudan a superar las divisiones y desafíos contemporáneos, promoviendo un sentido de comunidad y entendimiento global. El arte, en este contexto, se presenta no solo como una forma de expresión estética, sino como un instrumento poderoso para la transformación social y la construcción de un legado cultural perdurable.

Innovación en el Discurso Artístico. Finalmente, los diálogos de SÁNCHEZ KELLY representan una innovación en el discurso artístico contemporáneo al proporcionar una plataforma para el intercambio y la reflexión crítica entre artistas de diferentes épocas y contextos. Este enfoque interdisciplinario y dialógico abre nuevas vías para la investigación y la apreciación del arte, fomentando una mayor colaboración y un entendimiento más profundo entre creadores y espectadores de diversas procedencias.

A modo de conclusión: “El Universo sin Costuras del Arte. Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro” conmemora a Sánchez Kelly y a 70 artistas en un diálogo que trasciende las etiquetas y demarcaciones históricas, ofreciendo una cartografía innovadora de la creación artística, en la que se revela una meta narrativa que une lo diverso en una trama que enfatiza la autenticidad y la conexión humana, renovando el paradigma del arte contemporáneo.

Al integrar voces diversas en una conversación transcultural y atemporal, combinar introspección, meditación, dualidad y crítica social y, explorar la innovación y la inclusividad, la obra redefine el arte contemporáneo, invitando a artistas, críticos y espectadores a reflexionar sobre el papel transformador del arte en nuestra sociedad.

Estos aportes no solo fortalecen el discurso artístico, sino que también promueven la cohesión social, la paz y la comprensión intercultural, otorgando un tributo al poder del arte como puente que refleja nuestra realidad en un mundo interconectado, capaz de forjar un legado cultural de relevancia imperecedera y universal.

Perla Guggiana

Curadora de Arte Contemporáneo

¿QUE APORTAN los DIÁLOGOS de SÁNCHEZ KELLY al paradigma del ARTE CONTEMPORÁNEO? Primera Parte

Mon, 29 Jul 2024 07:47:26 GMT

El proyecto "Diálogo entre Artistas", estudio llevado a cabo bajo el liderazgo de Claudia G, Sánchez desde 2021 -, es una invitación a cruzar el umbral de la no dualidad en el arte aun espacio de pura esencia donde prevalece la unidad del ser, del mundo y de la vida.

Desde este escenario se revela entre los artistas, la existencia de un vínculo y lenguaje común, -unidos por un "hilo de oro virtual"- en el que comparten criterios afines sobre el sentido de la vida, la identidad, la naturaleza humana, la verdad y la trascendencia. Y, a pesar de las diferencias culturales y temporales, ocultos bajo la superficie de los símbolos, estos conceptos comunes emergen mostrando lo que el arte es, en su esencia más pura.

La tesis bajo la que se enmarca el proyecto “Diálogo entre Artistas” se centra en explorar el sentido trascedente del arte y, ofrece una perspectiva que más allá de las divisiones artificiales entre periodos y estilos artísticos, busca encontrar la esencia subyacente y las verdades universales que conectan entre si a las obras de diferentes creadores, al margen de su contexto histórico y geográfico. Y, en un examen más amplio demuestra como el arte puede funcionar como un puente entre diferentes concepciones culturales, vitales y existenciales, ofreciendo una ventana hacia la esencia común de la experiencia humana.

Los diálogos virtuales entre obras, e no solo buscan la interpretación y reinterpretación de las obras del artista argentino Sánchez Kelly, sino que analiza las conexiones subyacentes con piezas de otros artistas emblemáticos, quienes, desde su expresión individualista, revelan paralelismos y contrastes que trascienden el espacio tiempo, ahondando en la interpretación de sus contenidos, simbolismos y trascendencias.

Se trata de un viaje introspectivo que aporta claridad no solo a sus propias vidas sino a la realidad que le circunda, donde el arte se erige como instrumento capaz de revelar la interconexión de la experiencia humana a través del dialogo.

Los artistas, desde sus inicios, utilizan símbolos con significados universales. Estos símbolos varían en forma y contexto, pero, a menudo son portadores de mensajes similares sobre la condición humana, su naturaleza, emociones y espiritualidad. El "hilo de oro" que une estas manifestaciones permite, a los estudiosos y espectadores de diversos orígenes, conectarse con la obra para reflexionar no solo sobre la excelencia de la actividad artística, sino para profundizar sobre la capacidad del arte para revelar verdades ocultas sobre la naturaleza humana y el mundo que nos rodea.

La búsqueda de la verdad, el amor y la muerte, son recurrentes en el arte de todas las culturas. El nexo común o "hilo de oro" se refleja en la exploración y expresión de estos temas, ofreciendo una visión compartida de las experiencias y desafíos humanos. En el desarrollo del proyecto, aunque cada artista aborda las temáticas de manera única y singular, todos convergen en un diálogo común que resuena con la audiencia global.

La trascendencia permite a los artistas explorar temas que van más allá de la dualidad, abordando cuestiones relevantes para toda la humanidad, que superando convenciones y barreras resuenen con impacto verdadero y permanente, afectando la percepción de la realidad en espectadores de diferentes horizontes. Fomentar las obras que trascienden su contexto inmediato, como la mayoría que se muestran en “Diálogo”, tienen la capacidad virtual de influir en las generaciones presentes y futuras, contribuyendo a un legado cultural perdurable y universal.

El arte, en su esencia más pura, tiene el poder de fomentar la paz y cohesionar a la humanidad, revelando la consciencia de unidad, esencial para superar los desafíos contemporáneos. "Diálogo entre Artistas" no es solo una plataforma para la contemplación del arte, sino una ventana abierta al legado de creadores que, en su diversidad, revelan verdades perennes y ofrecen una puerta abierta a la exploración del universo sin costuras del arte.

Perla Guggiana

Curadora de Arte Contemporáneo

Toulouse Lautrec- Sánchez Kelly. La conciliación indispensable para la evolución humana.

Sat, 13 Jul 2024 08:16:47 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional de Arte de Cataluña y asistimos a la exposición de la artista de origen francés Suzanne Valadon (1865-1938). En este artículo comentaremos la obra de Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) titulada Retrato de la pintora Suzanne Valadon (1885) en diálogo con “Rostro”( 1986) de Sánchez Kelly.

Un rostro sereno y pensativo en medio de trazos que se entrecruzan conformando un aire de confusión, llama la atención en un primer momento, en Retrato de la pintora Suzanne Valadon. Lo que no se ve a simple vista, a menudo coarta el comportamiento de las personas que, insertadas en un ambiente inhóspito, procuran llevar adelante su proyecto personal a pesar de las oposiciones que se encuentran a su paso.

La realidad está conformada de muchas voluntades que confluyen en un mismo plano de actuación, sin embargo, a veces, mantener este sistema se torna imposible. Cada uno debe desarrollar su propio camino en consonancia o paralelamente a los demás y este devenir, con frecuencia se torna espinoso. No es fácil convivir, no es fácil plasmar en el medio lo que llevamos dentro en muchas ocasiones, sin saberlo.

La conciliación constante es el camino idóneo si pretendemos seguir avanzando en un camino que nos conduzca a evolucionar como seres humanos. No podemos vivir aislados, aunque la comprensión de la vida pasa ineludiblemente por un tamiz particular.

Toulouse-Lautrec pone de manifiesto en este lienzo la soledad, el aislamiento, la falta de comunicación real, el desconcierto y una serie de sinsabores por los que debe atravesar el ser humano en su camino de autodescubrimiento.

El tono marrón del fondo acentúa ese aire de melancolía y poca claridad que se presiente rodeando a la protagonista y que la sume en una constante búsqueda de identidad para poder permanecer.

Un juego de colores y pinceladas diversas conforman Rostro de Sánchez Kelly. Las distintas tonalidades atraviesan el cuadro dando la sensación de falta de espacio o de aire para respirar. El semblante ensimismado nos habla de fragilidad, de desesperanza o cierta falta de sosiego.

Las dificultades o los impedimentos son temas secundarios que rondan a la figura principal, empujándola a permanecer en un estado de perplejidad ante los acontecimientos que se suceden a su alrededor, sin que pueda apenas intervenir.

Bloques de tonalidades invaden el contorno de la figura estableciendo separaciones de contenidos diversos, como si todo alrededor fuera una extensión del sí mismo que va entretejiendo un entramado que es extensión de lo que lleva en su interior.

Toulouse-Lautrec incide en los misterios que rodean al ser humano, cuando existen múltiples barreras que lo determinan a priori. Sánchez Kelly resalta también las dificultades que atenazan al individuo y que con frecuencia le impiden ser libre y sobresalir.

Obras

Henri Toulouse-Lautrec. Retrato de la pintora Suzanne Valadon. Óleo sobre tela. Año 1885.

Sánchez Kelly. Rostro. Acrílico sobre papel. Año 1986.

Ramón Casas- Sánchez Kelly. Necesidad de alianzas para hacer frente al porvenir

Sat, 06 Jul 2024 22:43:36 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional de Arte de Cataluña y asistimos a la exposición de la artista de origen francés Suzanne Valadon (1865-1938). En este artículo comentaremos la obra de Ramón Casas (1866-1932) titulada Plein air (1890-1891) en diálogo con “Danza”( 1996) de Sánchez Kelly.

Colores tenues a apagados rodean a la figura central, una mujer sentada frente a una mesa. El ambiente al aire libre, dota a la dama de mayor presencia dentro de la estampa. La escena costumbrista deja paso a una lectura donde el tiempo parece detenido, donde las circunstancias se tornan irreales, potenciando la soledad de la protagonista, insertada en una circunstancia que aparenta imperturbable.

Esta irrealidad nos traslada a una sensación de estancamiento, de aislamiento, de ausencia de claridad en un mundo repleto de apariencias formales que no consiguen más que situarnos en áreas de frialdad. Una distancia abismal entre seres humanos está siendo remarcada por un comportamiento poco sincero, muy típico de la época (finales del siglo XIX), donde prima lo superfluo por encima de lo auténtico, en una carrera por alcanzar cotas cada vez más altas de poder que llevan implícitas el ocultamiento como modo de conservar y de retener lo que se desea sin poner atención a lo que se pierde en el camino de conseguirlo.

Danza de Sánchez Kelly, nos presenta dos personas bailando abrazadas. Las pinceladas denotan movimiento y sensibilidad.

Los detalles son sustituidos por largas pinceladas de colores vivos que enfatizan el tono del cuadro, sugiriendo un aura de complicidad entre los protagonistas.

Sensualidad, fuerza y determinación se mezclan conformando una estructura donde las miradas sustituyen a las palabras.

El artista recurre a estos dos personajes anónimos para dar rienda suelta a sus dudas acerca de la naturaleza que nos contiene, donde la cercanía con el otro parece rellenar vacíos invisibles que nos impulsan cotidianamente a deambular por la vida en busca de algo que nos complete o que nos guíe por caminos concretos sin temor.

La ausencia de valor, que a menudo tiñe de escases la existencia, nos inmoviliza, situándonos en un reducto de olvido personal, donde nada sucede, donde todo parece detenerse a la espera de un llamado que interrumpa abruptamente ese devenir de caída libre en el que nos hallamos, cuando no sabemos situarnos en el lugar que nos corresponde.

Casas nos regala con Plen air una estampa gélida donde el silencio y la sensación de inamovilidad nos envuelven, inundando las esquinas de la vida sin posibilidad de salidas fáciles. Sánchez Kelly en Danza nos habla de alianzas para hacer frente al porvenir, cuando desde lo individual no se hallan herramientas suficientes.

Obras

Ramón Casas. Plein air. Óleo sobre tela. Años 1890-1891.

Sánchez Kelly. Danza. Acrílico sobre lienzo. 50x60cm. Año 1996

Suzanne Valadon- Sánchez Kelly. La mujer, vehículo para la transformación del ser humano.

Sat, 22 Jun 2024 16:17:50 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional de Arte de Cataluña y asistimos a la exposición de la artista de origen francés Suzanne Valadon (1865-1938). En este artículo comentaremos la obra titulada El futuro revelado o La echadora de cartas (1912) en diálogo con “Sin título”( 1970) de Sánchez Kelly.

El desnudo, figura principal de “El futuro revelado”, simboliza apertura y sinceridad. El sofá de color rojo que sirve de apoyo, denota necesidad de reposo o relajación sobre algo seguro para lograr entender los entresijos de la existencia, que a menudo se presentan complejos.

La echadora de cartas, tumbada en el suelo por debajo de la protagonista, intenta dar una visión de la realidad diferente, que logre encausar a su cliente por nuevos derroteros.

Lo femenino aporta un toque de sensibilidad a la vez que de misterio, incidiendo en el poder de la mujer que tiene por misión dar a luz, gestar vida o traer al mundo a un nuevo ser y, por extensión, ser el vehículo para la transformación del ser humano.

Valadon hace hincapié en lo terrenal, donde se deben enfrentar diferentes avatares que traerán consecuencias, a veces no gratas, para las que se ha de estar preparado.

Hombres y mujeres se complementan como podemos observar en esta obra Sin título de 1970 de Sánchez Kelly, donde nuevamente el tema de la gestación aparece representado de modo sobresaliente, uniendo al padre y a la madre en un mismo fin: la procreación.

Los tonos ocres nos conducen hacia una monocromía, donde las formas decaen frente al color, produciendo una sensación de detención del tiempo, para saborear los enigmas que se presentan en la existencia.

Un ser humano que busca la verdad parece detenido en el tiempo. No es fuera donde hallará las respuestas, sino dentro de él mismo, buceando en su naturaleza.

Sánchez Kelly resalta el valor de lo aprendido como eje fundamental para dejar de intentar sobresalir frente a los demás y abandonarse a la aparente monotonía del día a día que, poco a poco, va introduciendo al individuo en un lento pasaje de significados cada vez más profundos y aleccionadores.

Valadon nos descubre a una mujer ávida de respuestas, olvidada de los vestidos de las apariencias para encontrar, al margen de ellos, un reducto de paz.

Sánchez Kelly nos invita a meditar para incentivar lo creativo que se esconde más allá de lo aprendido o circunstancial.

Obras

Suzanne Valadon. El futuro revelado o La echadora de cartas. Óleo sobre tela. Año 1912.

Sánchez. Kelly. Sin título. Óleo sobre lienzo. 80x66 cm. Año1970.

Tápies - Sánchez Kelly. A pesar de la hostilidad reinante, la vida se abre paso y nos señala un punto de retorno

Sat, 15 Jun 2024 16:27:52 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En este artículo comentaremos la obra titulada “Terra negra” 2003) de Antoni Tàpies en diálogo con “Partícula interior” (1976) de Sánchez Kelly.

“Terra negra “resalta en primer término lo oscuro frente a lo claro; los contrastes de colores nos trasladan a los polos opuestos que enfrentamos cotidianamente, tanto en el mundo exterior como en el interior. Las agresiones que suponen, muchas veces, esos enfrentamientos nos hieren produciendo hondas transformaciones de las que no podemos escapar.

Forma parte de la naturaleza rehacerse para volver a empezar una y otra vez. Tomar conciencia de ese proceso de nacimiento y muerte, entraña prestar mucha atención, más de la que acostumbramos en un mundo lleno de barullo y revolución. Sin embargo, las huellas que el paso del tiempo deja en cada uno, permiten a las generaciones siguientes aprender para seguir evolucionando.

La clave radica en darse cuenta, en prestar atención en, a pesar de la hostilidad reinante, apostar por ser Ser Humano y vivir la experiencia de la recreación, siendo conscientes de que de la nada surge espontánea la vida que sea abre paso en medio de los tormentos y calamidades, para señalarnos un punto de retorno.

Nada está aislado; las líneas blancas del lienzo entrecruzadas uniendo dos formas ovaladas nos permiten divisar los puentes que tendemos unos hacia otros, las alianzas que establecemos para encaminarnos hacia nuestros ideales. Mas allá, existe una honda oscuridad, clave para resituarnos cada cual en el punto de mira adecuado y no salirnos de nuestro cometido fundamental: SER.

Partícula interior de Sánchez Kelly, nos muestra una estructura que se halla dividida mediante una línea horizontal en dos planos: una que aparenta estar sobre la superficie y la otra que parece sumergida o en el interior de algo que la contiene.

Lo material, visto solo desde lo material, ahoga —parte inferior del dibujo— y con frecuencia pesa. Hay que realizar un esfuerzo para sobresalir. Ese esfuerzo pasa por las buenas acciones, y esas acciones, habitualmente, implican olvido de uno mismo en pos del bien común.

Las apariencias, con frecuencia, nos confunden, impidiendo que conectemos realmente con nuestra fuente creadora, raíz de nuestra expresión material. Es importante no perder el hilo conductor que nos lleva de la mano a plasmar en el mundo, las formas diversas que adoptamos. En la medida en que somos conscientes de ser reflejo de algo intangible que alimenta nuestra creación, podremos retornar a lo verdadero, que es luz. En la medida en que nos identifiquemos solo con nuestra creación, perderemos el contacto y en esa medida, desconectados, hallaremos soledad y carencia de sentido. El sentido aparece cuando recobramos la conexión, es decir cuando nos damos cuenta de que la realidad, nuestra realidad, es reflejo permanente de lo interno y de que eso interno es una llama que nunca se apaga y que es la que permite la creación.

Ambos artistas, Tápies y Sánchez Kelly plasman gráficamente claves esenciales acerca de la naturaleza humana marcando un camino claro que seguir, si queremos entender el material del que está construida la realidad que nos contiene.

OBRAS

Tàpies. Terra negra. Técnica mixta y assemblage sobre madera. Año 2003

Sánchez Kelly. Partícula interior. Grafito sobre papel. Año 1976

Víctor Brauner- Sánchez Kelly. La necesidad de encontrar un sendero claro para continuar la evolución

Sat, 08 Jun 2024 14:44:07 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En este artículo comentaremos la obra titulada “Paisaje surrealista” (1930) de Víctor Brauner (Rumanía 1903 - Francia 1966) en diálogo con “Sín título” (1974) de Sánchez Kelly.

La soledad, el aislamiento o la falta de comunicación en medio de la ausencia de claridad acerca de la existencia humana parecen ser temas claves de “Paisaje surrealista” de Víctor Brauner. Un ser humano ávido de respuestas y necesitado de diálogo -representado por una diminuta figura-, procura adentrarse en los misterios del universo, sin apenas instrumentos de percepción más que los de su propio cuerpo. Anidan en su corazón ansias de saber, sin embargo, navega perdido sin solución aparente, junto a otros que se hallan igual o más perdidos aún.

El desconocimiento de su naturaleza y la dificultad para entablar diálogo con los más cercanos, acentúan las dificultades para hallar un camino claro que lo satisfaga.

La oscuridad del fondo presagia un destino nada apacible para la especie humana que, si no se logra disminuir las fatigas de la ignorancia vital que la invaden, puede llevarla a consecuencias trágicas.

En 1974 Sánchez Kelly pinta la obra Sin título, perteneciente a la serie Universo, donde se aprecia una figura humana muy pequeña en el círculo central del cuadro, rodeada de oscuridad, dentro de un mundo vacío o tal vez inhóspito que evoca soledad, duda, encierro. Solo una luz en el horizonte parece ser la clave a seguir. Sin embargo, a diferencia de cuadro de Brauner, Sánchez Kelly representa al cuerpo del hombre rodeado de luz, acentuando quizá la visión de que es a través de él mismo como hallará las respuestas a los interrogantes que lo acechan.

Brauner y Sánchez Kelly nos hablan en diferentes momentos históricos sobre la necesidad que tiene el individuo de encontrar un sendero por donde transitar y descubrir las verdades necesarias para continuar su evolución.

Obras

Víctor Brauner. Paisaje Surrealista. Óleo sobre lienzo. Año 1903

Sánchez Kelly. Sin título. Oleo sobre lienzo. 60x50cm. Año 1974

Paul Cezanne- Sánchez Kelly. Los ocultamientos presiden la cultura imperante

Sat, 08 Jun 2024 13:35:22 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. En este artículo comentaremos la obra titulada “Hombre sentado” (1905-1906) de Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839- 1906) en diálogo con “Músico” (1995) de Sánchez Kelly.

Los tonos oscuros dominan el retrato, desdibujando el rostro y mimetizándolo con el entorno como si el paisaje y la figura fueran un todo unido difícil de separar.

Esta plasmación, en cierta medida confusa, nos lleva a centrarnos más en los colores que en las formas hundiendo la mirada en los aspectos casi imperceptibles que esconden significados poco claros. El espectador debe hacer un esfuerzo por dilucidar lo que se percibe poco, para completar la enigmática representación que tiene ante sus ojos.

¿Tal vez el artista pretende incidir en los ocultamientos que presiden la cultura imperante donde se da prioridad a las convenciones, dificultando con este estilo poder llegar a una profundidad real que permita mayor libertad para todos?

Músico de Sánchez Kelly nos presenta un escenario con mucha claridad en contraposición a Hombre sentado de Cézanne, sin embargo, al músico lo rodea un fondo oscuro donde parece estar ensimismado y abstraído de su ambiente. De las pocas imágenes que se perciben detrás destacamos la palabra “basura” cercana a unos carteles con retratos desdibujados colgados en lo alto, una farola, una antena parabólica y unas zapatillas viejas.

El protagonista se halla, quizá, en una etapa de confusión y lo que le rodea no le aporta la lucidez suficiente para entender su existencia, por lo que se ve abocado a buscar dentro de su alma un reducto que le aporte la certeza que no tiene.

Ambos artistas destacan la soledad, el aislamiento, la falta de comunicación como elementos que perviven en la sociedad, alejando a los individuos unos de otros e impidiéndoles el acceso a un camino de entendimiento más profundo de la realidad.

Obras

Paul Cézanne. Hombre Sentado. Óleo sobre lienzo. Años 1905-1906.

Sánchez Kelly. Músico. Acuarela sobre papel. Año 1995

Toulouse Lautrec- Sánchez Kelly

Sun, 26 May 2024 22:20:58 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. En este artículo comentaremos la obra titulada “Gaston Bonnefoy” (1891) de Henry de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 - Langon, 1901) en diálogo con “El pífano (Homenaje a E. Manet)” (1994) de Sánchez Kelly.

El negro de la figura retratada por Toulouse – Lautrec, enmarcada en tonalidades marrones, nos sitúa en un escenario de contrastes, donde los colores establecen un diálogo silencioso entre sí, permitiéndonos observar con claridad las diferencias y divisiones existentes en el marco social, remarcadas por la vestimenta de una determinada clase social, acompañada-a menudo-, por una postura de distanciamiento con respecto los demás.

La soledad del personaje y un aire altivo nos impulsan a meditar acerca de las normas imperantes que incitan a dar mayor valor a las apariencias sobre la naturalidad, hecho que produce un choque frontal entre individuos, dejando entrever la lucha que persiste en el ser humano consigo mismo.

La dualidad a la que nos enfrentamos constantemente, tiene la capacidad de arrastrarnos a perder el sentido real que nos mantiene vivos, condenándonos a existir en un espacio-tiempo difícil de entender a simple vista.

Toulouse- Lautrec hace hincapié en las luchas de opuestos que enfrentan cotidianamente las personas, obligándolas asiduamente a poner en tela de juicio sus principios para lograr renacer, al margen de lo aparente que, observado de modo aislado, solo conduce al caos y a la destrucción.

Si bien en “El pífano” los contrastes no son tan pronunciados como en “Gaston Bonnefoy”, siguen presentes, aunque la sutileza de los trazos plasmados sobre un fondo claro nos habla de ciertos matices de personalidad no tan definidos en el hombre, que busca mimetizarse con el entorno y ser uno con él. En este dibujo, el Sánchez Kelly plasma una evolución importante del individuo frente al medio que lo rodea, donde lo trascendente es él mismo y lo que otorga a los demás como un modo de comunicación veraz y sostenida en el tiempo. Las palabras no bastan cuando es factible utilizar otros medios de relación que permiten mayor profundidad y lo anecdótico se transforma perdiéndose en el horizonte de lo indefinido para dar lugar a lo verdadero e importante: la expresión sincera.

Las sombras que acompañan al retratado en la parte superior de su cuerpo, principalmente en la cabeza, nos señalan las dudas existenciales que persisten dentro de cada uno y que podrían ser despejadas, dejando a un lado lo previamente determinado y los pensamientos, para dar paso a lo auténtico que va marcando el paso siguiente.

La vida es una constante búsqueda de la identidad ultima que se halla detrás de todo, pero que solo puede ser vislumbrada dentro de la creatividad que nos asalta a través de lo cotidiano y que nos impulsa a “hacer sin pensar”. Quien desoye su voz interior, está lejos de alcanzar lo esencial.

Obras

Toulouse – Lautrec. Gaston Bonnefoy. Óleo sobre cartón. Año1901.

Sánchez Kelly. El pífano (Homenaje a E. Manet). Bolígrafo* (tinta) sobre papel. Año 1994.

*El Bolígrafo tiene su origen en Argentina. Fué inventado y patentado por Ladislao Biro, de origen húngaro, que perfeccionó y patentó este popular instrumento y pronto fue adoptado por todos los países del mundo para una escritura fácil y ligera.

Bruno Pagliano - Sánchez Kelly. La individualidad, imprescindible para no sucumbir al caos que persigue dividirnos

Sat, 18 May 2024 09:11:11 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Consulado argentino en Barcelona y asistimos a la exposición del artista de origen argentino Bruno Pagliano presentada por la Cónsul General y Directora del Centro de Promoción Doña Rossana Cecilia Surballe y la Cónsul Adjunta Doña Erika Imhof. En este artículo comentaremos una de las obras sin título perteneciente a la muestra “De amor y dolor” (2024) de Bruno Pagliano en diálogo con “Un sola dirección” de Sánchez Kelly.

.Los trazos negros dominan la composición, conformando una especie de laberinto por donde transitar. Las líneas dibujan formas amorfas que van delimitando la mirada e introduciéndonos gradualmente en un paisaje de cierta confusión o con muchos altibajos.

Una paleta de colores vivos sobresale frente a la sinuosidad de los perfiles dibujados.

Nos hallamos frente a la estampación de un mundo peculiar, donde todo parece perderse para volverse a encontrar, invitándonos a seguir investigando para no dejarnos convencer por la primera impresión.

Pagliano enfatiza la importancia de adoptar una postura individual frente a la diversidad de perspectivas que conviven en el universo social, esencial para no perder nuestras propias iniciativas, imprescindibles si no queremos sucumbir en el caos y el tumulto que persiguen dividirnos y sufocarnos.

Su obra nos ofrece un mensaje revelador y una advertencia iluminándonos como un faro en la oscuridad. Nos motiva a mantener el enfoque constantemente en lo nuestro como un poderoso talismán que nos acompaña para desentrañar los enigmas que enfrentamos y avanzar resueltamente por el camino que nos corresponde como humanidad, sin cortapisas ni limitaciones impuestas.

Una sola dirección de Sánchez Kelly, perteneciente a la última etapa pictórica del artista nos muestra una serie de triángulos superpuestos sobre una base esférica (cd).la multitud de colores invaden la mirada mareando la observación para que nos fijemos en el centro donde un diminuto triángulo naranja rodeado de amarillo, se encuentra impávido ante tanta diversidad de movimientos a su alrededor.

Esa sensación al centrarnos en un punto y hacer abstracción de lo demás, nos transporta a una realidad de calma y serenidad donde todo lo que ocurre alrededor parece no tener demasiada importancia. Quizá el artista pretende indicarnos el camino del silencio y la meditación, y de la introspección que tanta falta hace, en un mundo cada vez más cambiante y carente de profundidad que provoca aridez, sensaciones de desagrado y mayor vacío, si cabe.

De algún modo, Sánchez Kelly y Pagliano nos transmiten, desde sus diferentes ópticas, una misma conclusión: es preciso abrazarse fuertemente y ser.

Obras

Bruno Pagliano. Sin titulo de la muestra “De amor y dolor”. Año 2024

Sánchez Kelly. “Una sola dirección”. Década del 2000.

Francis Picabia- Sánchez Kelly. Nuestro cometido es ser y aprender a través del camino de la existencia.

Sun, 12 May 2024 07:23:52 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. En este artículo comentaremos la obra titulada “Serie transparencias” (1925-1927) de Francis Picabia (1879-1953) en diálogo con “La incógnita” (1974) de Sánchez Kelly.

En un escenario de apariencia lúgubre Picabia traza las siluetas de animales mezcladas con personas. Una visión confusa de la realidad parece tomar las riendas para mostrar que nada parece determinante en un mundo cargado de símbolos que es preciso descifrar para clarificarse. Lo relativo se torna importante para conducirnos a lo que es verdaderamente trascendental: aquello que está más allá de las apariencias.

Un juego de luces y sombras nos habla de los contrastes en un universo donde los opuestos juegan un papel preponderante para demostrarnos que más allá de ellos se esconde lo que da sentido. Tomar partido por uno, implica irremediablemente al otro, aunque no nos demos cuenta, en un primer vistazo. La lucha de contrarios en la que estamos entretenidos es un desatino. Es primordial cesar en ese empeño para poder continuar con las manos libres y construir un camino hacia lo real. De lo contrario, no hallaremos más que despojos y divagaremos superficialmente en un manantial inagotable de incertezas.

En 1974 Sánchez Kelly nos regala “La Incógnita”, donde podemos observar a un ser humano diminuto frente a la inmensidad de la creación, llena de barreras o fronteras que le impiden llegar a un conclusión o claridad fácilmente, y que, en una primera impresión, se halla fuera de su alcance.

Las dificultades por las que tiene que atravesar para llegar a la cúspide, amenazan su supervivencia y pueden parecer verdaderos desafíos complicados de acometer. Sin embargo, no le queda otra alternativa que continuar hacia adelante, teniendo presente las dificultades y sinsabores que deberá hacer frente.

Picabia con “Serie transparencias” nos introduce en una vía de diálogo, incitándonos a suprimir las barreras que las posturas contrapuestas colocan continuamente frente al individuo.

Sánchez Kelly con “La incógnita” pone de manifiesto el cometido fundamental del ser humano: ser y aprender a través del camino de la existencia, cueste lo que cueste.

Obras

Francis Picabia. “Serie transparencias”. Óleo, gouache y acuarelas sobre cartón adherido a madera. Año 1925-1927

Sánchez Kelly. “La incógnita. 50x70cm.Óleo sobre lienzo. Año 1974

Frantisek Kupka- Sánchez Kelly. Pasajeros temporales en un mundo de símbolos

Sat, 11 May 2024 12:30:28 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. En este artículo comentaremos la obra titulada “Estudio para el lenguaje de las verticales” (1911) de Frantisek Kupka (1871-1957) en diálogo con “Últimos signos” (2003) de Sánchez Kelly.

Estudio para el lenguaje de las verticales nos muestra una serie de líneas verticales y colores diversos que nos transportan a un espacio sin tiempo ni formas definidas. Todo parece difuminado o es la misma realidad que a veces se contrae y nos ofrece resúmenes de vida, como si el tiempo se detuviera y solo nos quedara lo vivido que nos recuerda quiénes somos y hacia dónde vamos: pasajeros temporales en un mundo repleto de símbolos, cuyo regalo consiste en lograr descifrar una y otra vez los significados escondidos para cada individuo y para cada instante, todos diferentes e infinitos.

Un paisaje repleto de realismo y materialidad con contenidos diversos nos regala Kupka en esta imagen del año 1911, donde la búsqueda de equilibrio y certezas lo llevan a simplificar hasta lo extremo su ámbito vital. Esta síntesis existencial es un canto y una alabanza a la creación y a todo lo que puede devolvernos si logramos persistir más allá de lo aparente y entregarnos a la búsqueda de lo esencial.

Últimos signos del año 2003, también nos ofrece una visión abstracta de la realidad, donde los gruesos trazos negros nos conducen a una especie de filtro desde donde partir para enfocar la atención. La unión de los triángulos y rombos centrales profundizan más si cabe en la dirección definida desde donde Sánchez Kelly pretende conducirnos para que podamos entablar un diálogo más exacto con la realidad y con nosotros mismos, como extensión de la misma. Mas allá de los focos, existe una realidad no definida, representada con tonos claros, que está aún por llegar y que marca decididamente un punto y seguido en el proceso que se está desenvolviendo en el presente, como si el futuro estuviera muy determinado por los aconteceres presentes y fueran un punto de inflexión constante que determina lo que vendrá.

Sánchez Kelly parece recalcar que el ser humano ávido de respuestas debe vivir el instante presente, como único punto indispensable para poder continuar su camino de evolución. De lo contrario, puede perderse en la inmensidad de significados sin hallar certezas válidas que le permitan realizar síntesis de vida.

Ambos autores en diferentes momentos históricos definen un sendero claro de evolución para la humanidad que pasa inexorablemente por el análisis minucioso del tiempo y la experiencia, canales simplificadores de lo esencial, que es a donde todos debemos dirigirnos.

Obras

Frantisek Kupka. “Estudio para el lenguaje de las verticales”. Óleo sobre lienzo. Año 1911

Sánchez Kelly. Últimos Signos. Acrílico sobre lienzo. Año 2003

Antoni Tàpies- Sánchez Kelly

Sun, 28 Apr 2024 22:56:25 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y asistimos a la exposición “Antoni Tàpies. La práctica del arte” que tiene lugar desde el 21 de febrero al 24 de junio de 2024. En este artículo comentaremos la obra titulada “Gat i pirámides” (1948-1949) de Antoni Tàpies en diálogo con “Estudio de mujer con manzana” (Años 80) de Sánchez Kelly.

El aire tenue de la obra nos transporta a la noche, donde los objetos descritos parecen disponerse en el espacio sin un orden preciso. El protagonista, un gato, observa de frente al espectador, incitándolo a centrar la mirada en sus ojos. Los pocos focos iluminados danzan conjuntamente esparcidos por el cuadro, dibujando una especie de sendero por donde transitar o conformando salidas o ventanas por donde respirar o escapar de un mundo en apariencia dormido, lleno de sinsabores, obstáculos o falsedades. Las pirámides podrían aludir a la necesaria búsqueda de equilibrio para afrontar los desafíos imperantes.

Tàpies conforma en esta creación una especie de denuncia de la realidad circundante llena de misterios sin descifrar, de situaciones convulsas encubiertas y salidas poco claras, diseñadas por un ser humano perdido en multitud de dilemas internos y enfrentamientos externos para lograr la supervivencia.

Las estructuras que rodean a la figura principal de “Estudio de mujer con manzana”, la enmarcan en un paisaje de aparente frialdad, donde no parece hallar un punto preciso de descanso. Una figura secundaria, ubicada en el fondo del cuadro, parece figurar como testigo silencioso de un estatus que las circunstancias obligan a ocupar, juzgando de algún modo la realidad o estableciendo un cierto paralelismo entre esa realidad y lo que podría llegar a significar, vista desde otro ángulo de percepción. Ambas conforman una especie de juego de opuestos, donde cada una interpreta un papel distinto, desde el mismo escenario virtual.

Las dos posturas imaginadas por el artista nos estimulan a observar los dilemas desde diferentes ángulos, obligándonos a examinar las situaciones, teniendo presente diversas perspectivas con el fin, tal vez, de indicarnos que existen tantos modos de ver como personas en el universo.

Tàpies desde “Gat i pirámides” recurre al rostro del gato para dirigir al espectador hacia una toma de postura frente a una realidad que llama a la reflexión. Sánchez Kelly, a través de Estudio de mujer con manzana, incide en los diversos puntos de vista que pueden participar del mismo paisaje vital. Ambos artistas nos invitan a una reflexión más profunda acerca del mundo que nos rodea.

Obras

Antoni Tàpies. Gat i pirámides. Acuarela y tinta sobre papel. Años 1948-1949.

Sánchez Kelly. Estudio mujer con manzana. Acrílico sobre papel. 50x32cm. Años 80.

Picasso - Sánchez Kelly. Dejarse ver. Exponerse. Abrirse a lo que llega sin condiciones

Sat, 20 Apr 2024 14:42:57 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y asistimos a la exposición “Picasso 1906. La gran transformación” que tuvo lugar desde el 15 de noviembre de 2023 al 4 de marzo de 2024. En este artículo comentaremos la obra titulada “Desnudo con las manos cruzadas” (1906) de Pablo Picasso en diálogo con “Mujer desnuda” (1969) de Sánchez Kelly.

La fragilidad que transmite la figura unida a la monocromía, centran la mirada, sobre todo, en la expresión y en las formas sutiles, en lo que se desprende de un solo vistazo y sin distracciones que disfracen o encubran algo más. La ausencia de detalles que acompañen al retrato permiten una concentración precisa en las líneas, que van conduciendo al espectador hacia un ensimismamiento sosegado, a fin de descubrir pormenores que detallan formas de ser, pensamientos, emociones o sentimientos que están implícitos en el dibujo.

El desnudo no solo representa lo externo, también nos introduce en lo interno que determina el carácter aparentemente indescifrable de la protagonista, que de forma contundente llama a la reflexión y nos invita a indagar, más si cabe, en cuestionamientos existenciales acerca de dejarse ver, de exponerse, de abrirse a lo que pueda llegar, sin poner condiciones. Todo un canto a lo imprevisible, al descontrol, a la ausencia de barreras previas que impiden la introspección profunda o la dificultan.

Las líneas sinuosas que dibujan las curvas femeninas, llaman la atención en Mujer Desnuda de Sánchez Kelly, dejando entrever grandes espacios blancos en contraste con sombras negras que dan lugar a la imaginación y a una toma de postura, como si el artista quisiera invitar al espectador a que complete la obra. Una especie de llamado de atención se esconde quizá detrás de esa insinuación.

El rostro ensimismado pero de mirada desafiante o inquisidora, podría aludir al poder de la sensualidad que atrapa y no facilita la meditación, empujando a una toma de decisión urgente que no deja paso a la recreación.

El tiempo y las dudas podrían ser temas ocultos detrás de una estampa de apariencia despreocupada.

Picasso con “Desnudo con las manos cruzadas” nos llama la atención sobre la necesaria apertura para entrar en contacto con lo novedoso. Sánchez Kelly con “Mujer desnuda” pone énfasis en lo aparente que a menudo disfraza un mensaje más contundente del que podemos apreciar en un primer momento.

Obras

Pablo Picasso. Desnudo con las manos cruzadas. Gouache sobre papel. Año 1906

Sánchez Kelly. Mujer desnuda. Tinta sobre cartón 20x70cm. Año 1969

Marc Chagall- Sánchez Kelly. Cada uno es cómplice del camino del otro.

Sun, 24 Mar 2024 13:19:09 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la Fundación Mapfre Sala Recoletos y asistimos a la exposición “Chagall. Un grito de libertad, que se puede visitar desde el 2 de febrero al 5 de mayo de 2024. En este artículo comentaremos la obra titulada “El hombre de la cabeza la revés” (1919) de Marc Chagall en diálogo con “Símbolo rosa” (2006) de Sánchez Kelly.

El contraste del blanco sobre el azul, determina en gran medida la observación de “El hombre de la cabeza al revés”. Una silueta contorsionada y desproporcionada se apodera de la escena, dando a la obra un aire irreal, donde el ser humano, a través de su especial postura, parece establecer un límite entre su realidad y la realidad que lo circunda. La imagen nos sumerge en una especie de abismo donde mirar al revés el mundo, nos puede aportar una impresión distinta a lo acostumbrado y situarnos en una perspectiva novedosa de la realidad.

La vida entraña una búsqueda constante de sentido que implica al individuo y a su realidad particular, únicamente. Pretender extrapolar esa circunstancia a la globalidad de personas, enturbia y entorpece gravemente el devenir. Solo podemos hallarnos cuando, a través de nuestro prisma personal, encontramos certezas que nos señalen el camino.

¿Navegamos como peces en un mar de realidades que se interconectan unas con otras, creando un gran puzle existencial? “Símbolo rosa” del año 2006 nos muestra a distintas peces que parecen nadar en diferentes direcciones, conformando una especie de red que aparenta no tener sentido preciso. El color rosado del centro suaviza la estampa, permitiendo que nos recreemos en el movimiento que insinúan las líneas o trazos que divagan alrededor.

Estamos ante un escenario de múltiples colores que nos invita, de forma plácida, a meditar sobre la singladura no casual que nos conduce a relacionarnos y conformar un cuadro de situación que lentamente nos introduce en nuevas dinámicas de actuación y espacios repletos de contenidos que nos sitúan en círculos de opinión, donde crearemos nuevos desarrollos.

Chagall desde “El hombre de la cabeza al revés” pone atención en la necesidad de hallar respuestas novedosas que produzcan cambios sustanciales en el hombre, que lo ayuden a comprender, en mayor profundidad, su existencia.

Sánchez Kelly en “Símbolo rosa” nos habla sobre la obligada interrelación existente en la naturaleza donde cada uno es cómplice, sin saberlo, del camino del otro.

Obras

Marc Chagall. El hombre de la cabeza al revés. Óleo sobre cartón pegado a madera. Año 1919

Sánchez Kelly. Símbolo rosa. Collage sobre cartón. 70x50cm.Año 2006.

Claude Monet-Sánchez Kelly. Un mundo destructivo y competitivo, no aporta claves de continuidad a la humanidad.

Tue, 19 Mar 2024 23:59:29 GMT

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En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Espacio cultura CentroCentro del Palacio de Cibeles en Madrid y asistimos a la exposición Monet obras maestras del Musee Marmottan Monet, París (21 de septiembre 2023 - 25 de febrero 2024). En este artículo comentaremos la obra titulada “El tren de la nieve” (1875) de Claude Monet (1840- 1926) en diálogo con “Eclipse- Serie horizonte” (1972) de Sánchez Kelly.

El blanco predominante de la nieve, unido al gris del cielo y del humo de la locomotora, inundan “El tren de la nieve”, generando una atmósfera gélida. La imagen parece detenida en el tiempo o congelada, dando la sensación de soledad o aislamiento. Los arboles pelados y las vallas de madera contribuyen a generar una sensación de escasez y de poca alegría, aludiendo quizá a situaciones de injusticia o pobreza.

Contrastan con este panorama las luces del tren que, como dos soles, iluminan el camino aportando cierta calidez, que parece resguardar al espectador y apaciguar la preocupación que tanta frialdad puede despertar.

La desdibujada presencia humana nos hace desembocar en una visión un poco trágica de la naturaleza, donde lo crudo del invierno parece empujarnos o arrinconarnos impidiendo el movimiento voluntario o dificultando las relaciones sociales. La sensación que se instala observando este paisaje es de abandono, aislamiento y rigidez.

El blanco y el gris del centro del cuadro en contraste con el azul oscuro del círculo llaman la atención en primer término, en la obra Eclipse, dando la sensación de un ambiente inhóspito y frio. La diminuta silueta del hombre frente al inmensidad que lo rodea, también nos habla de la soledad y la falta de certezas acerca del mundo donde está asentado, del cual apenas puede ver más que lo superficial o anecdótico. Esa ignorancia lo hace presa de una insondable carencia de recursos, clave para la supervivencia.

Todo el cuadro se halla enmarcado en tonos rojizos, que aluden a la urgente necesidad de diagramar una salida real; de lo contario, puede ser atrapado por múltiples factores que ponen en riesgo su permanencia.

Las turbulencias que acechan al ser humano son plasmadas en ambos lienzos. Monet y Sánchez Kelly utilizan la escala de grises para introducirnos en la preocupante nebulosa que rodea a la existencia, en un mundo cada vez más competitivo y destructivo, que no atina a hallar claves de continuidad.

Obras

Claude Monet. El tren de la nieve. Óleo sobre lienzo. 59x78cm. Año 1875.

Sánchez Kelly. Eclipse-serie Horizonte. Óleo sobre lienzo. 24x18cm. Año 1972

Pablo Picasso- Sánchez Kelly. Detrás de lo aparente se oculta un complejo entramado

Mon, 11 Mar 2024 17:30:46 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos Caixaforum de Fundación La Caixa en Madrid y asistimos a la exposición Arte y Naturaleza (20 de febrero - 9 de Junio de 2024). En este artículo comentaremos la obra titulada “La mecedora” (1943) de Pablo Picasso (1881- 1973) en diálogo con “Por dentro” (1974) de Sánchez Kelly.

El fondo del cuadro, de tonos predominantemente grises que acompañan a la figura principal, la dotan de un aire de desconexión de la realidad o de angustia.

La fragmentación de la figura, típica del cubismo, nos induce a situarnos en una perspectiva diferente de lo convencional, donde, al parecer, debemos centrarnos en contemplar partes de un todo tal vez como indicio de que es preciso centrarse más en los detalles que pasan desapercibidos, si los consideramos de un modo total.

Las distintas parcelas en las que se presenta dividida la protagonista, representan diferentes estados de conocimiento, de visión o de ánimo que conforman al individuo y que lo acompañan a la largo de su existencia. Pareciera como si Picasso quisiera dejar testimonio de que las apariencias engañan y que, a menudo, lo que nos conforma por dentro, va dejándose entrever de a poco, estimulándonos a ejecutar acciones distintas y permitiéndonos relaciones que nos complementan, según es la necesidad que tenemos de materializar más, unos aspectos que otros.

En esa mezcolanza de formas diversas que cada cual posee, se crean otras nuevas, a través de las interrelaciones que establecemos, conformando el gran puzle de la existencia que nos permite hallar certezas acerca de los enigmas que encerramos como seres humanos.

En 1974 Sánchez Kelly nos presenta “Por dentro” una obra perteneciente a la serie que hemos denominado “Ciclo de oro del dibujo de Sánchez Kelly”. En ella ilustra los niveles de desarrollo que coexisten simultáneamente en cada individuo. Dichos niveles se interrelacionan de manera perfecta y se plasman en el mundo exterior evidenciándose en la variedad de aspectos que adoptamos.

“Por Dentro” nos presenta dos planos: uno superior y otro inferior. En el plano inferior, el artista delinea distintas capas unidas por un camino central simbolizando los diferentes grados de desarrollo que conviven simultáneamente en cada ser humano.

La esfera que ocupa el plano superior parece reflejar al hombre y su aspecto externo que, a primera vista, parece homogéneo, pero que, en realidad, esconde los variados niveles internos previamente detallados en la parte baja de la obra.

Picasso dirige nuestra visión hacia el amplio espectro de la creación y sus múltiples manifestaciones. Sánchez Kelly incide en el complejo entramado que subyace detrás de lo aparente.

Obras

Pablo Picasso. La mecedora. Óleo sobre lienzo. Año 1943

Sánchez Kelly. Por dentro. Grafito sobre papel. 38x28 cm. Año 1974

Le Corbusier- Sánchez Kelly. Redefinirse a través de los dilemas y seguir una sola senda

Sun, 03 Mar 2024 19:46:35 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos Caixaforum de Fundación La Caixa en Madrid y asistimos a la exposición Arte y Naturaleza (20 de febrero - 9 de Junio de 2024). En este artículo comentaremos la obra titulada “Ubu lV” (1940-1944) de Le Corbusier (Suiza,1887- Francia, 1965) en diálogo con “Datos” (1992) de Sánchez Kelly.

Un ensamblaje de formas indefinidas conforma la obra Ubu IV. Los colores van marcando limites que se entrelazan rellenando espacios, sin dejar ubicaciones libres, dando la sensación de ensimismamiento o repliegue de fuerzas, en un intento por fortalecer posiciones.

Esta especie de estructura que juega con luces y sombras, embarca al espectador en un viaje hacia lo delimitado que va adquiriendo significado, según se van produciendo adherencias o estableciéndose demarcaciones diferentes.

Su autor nos traslada a un espacio sin tiempo, donde pretende que nos enfrentemos de lleno con los dilemas que acucian y, muchas veces, invaden ahogándonos en un sin fin de criterios que se presentan, en una primera impresión como válidos y plausibles, pero que, sin embargo, con el tiempo, es preciso redefinirlos y redefinirse a través de ellos, para seguir una sola senda.

Los trazos oscuros inundan la obra Datos del año 1992. En la base se aglutinan formas diversas y líneas que se reparten, sin aparente orden. En la parte superior del dibujo, por el contrario, observamos símbolos que se repiten como siguiendo una pauta u orden determinado. El fondo de color rojizo, nos habla de la tierra, de lo tangible, de lo material.

La confusión, el encierro, la poca claridad son algunos de los aspectos que se deprenden del cuadro; así mismo, también la búsqueda de sentido, la necesidad de hallar certezas, el orden.

Sánchez Kelly parece plasmar en esta obra las dudas que persiguen al ser humano, encasillado en lo formal o aparente y la urgencia de buscar, detrás de las tinieblas, las certezas que hagan posible un desarrollo armónico y cabal con sentido real.

Le Corbusier con Ubu IV nos sitúa en un sustrato de obligada comunión con lo creado, como único camino válido para proseguir el desarrollo al que estamos abocados como especie.

Sánchez Kelly con Datos nos llama la atención sobre la necesaria toma de conciencia acerca de nuestra naturaleza y hace hincapié en la limpieza de gestos y el anhelo de luz que haga posible continuar avanzando en la toma de conciencia de nuestra verdadera naturaleza.

Obras

Le Corbusier. Ubu IV. Óleo sobre Lienzo. Años1940-1944

Sánchez Kelly. Datos. Acrílico sobre papel. 38x31cm. Año 1992

Sánchez Kelly. Necesidad de dialogar y cuestionar las certezas heredadas

Sat, 24 Feb 2024 22:05:02 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly comentaremos la obra titulada “Mujer con manzana II” (1980) de Sánchez Kelly.

En 1980, SÁNCHEZ KELLY pinta Mujer con manzana II. La figura principal, una mujer vestida de rojo, se encuentra frente a numerosas manzanas, pero sostiene una en su mano izquierda, que aparece cortada. A su lado, descansa un libro de tapa roja, posiblemente la Biblia, colocado boca abajo, y un cáliz junto a una ventana sostenida por tres columnas.

Los motivos cristianos son patentes en la representación. La manzana, que alude al pecado original; la biblia invertida, que sugiere la pérdida de influencia o de su papel de sustento espiritual junto a tres columnas, símbolo de totalidad, sujetando una ventana abierta que parece ofrecer una vía de escape o marcar un punto de salida.

El comportamiento del hombre se ha visto determinado por las creencias, durante siglos. Esa situación es puesta en entredicho en este lienzo, donde el artista parece poner en tela de juicio los valores asentados y nos incita a meditar sobre lo que es verdadero y lo que no lo es, haciendo hincapié en la libertad de elegir o libre albedrio, esencial para encontrar el camino de regreso a la esencia.

SÁNCHEZ KELLY, a través de Mujer con manzana II, nos invita a reflexionar sobre las certezas heredadas, instándonos a mantener viva la capacidad de cuestionarnos y dialogar internamente en busca de axiomas que iluminen nuestro transitar.

Obra

Sánchez Kelly. Mujer con Manzana II. Acrílico sobre lienzo. Año 1980

Claudia Guggiana- Sánchez Kelly. Para hallar el sentido hay que acotar los ámbitos de observación

Sat, 17 Feb 2024 19:24:15 GMT

En un mundo lleno de información es imprescindible acotar los ámbitos de observación para poder hallar un sentido. El barullo reinante contribuye a una mayor confusión, hecho que podemos observar en el color de fondo –una mezcla de matices oscurecidos que no permiten claridad–.

El poder, que también vela la visión, hace acto de presencia para encerrar y ahogar, más si cabe, al individuo en su parcela de crecimiento. Esta situación viene definida por el semicírculo rojo, que ocupa la zona central del dibujo.

Para poder enfrentar esta dinámica, es preciso realizar un esfuerzo considerable que implique mimetizarse con el entorno y, a su vez, hallar un reducto de verdad, que solo puede ser encontrado dentro de la autoexploración a la que está abocado el hombre en su tránsito vital.

Esta singladura, esencial para el proceso evolutivo humano, es descrita por la artista en la gran cruz blanca dibujada en el extremo inferior derecho del lienzo, donde también podemos ver dos círculos negros enfrentados, insinuando la escasez de medios actuales para poder discernir con precisión dónde concurren las claves válidas.

Se hace imprescindible, en medio de esta turbulencia, escapar de las generalidades e introducir conceptos propios, que creen nuevos procesos de actuación, dirigidos a llenar el paisaje de nichos de conocimiento que aporten salud y senderos renovados por donde continuar.

En el año 2004, coincidiendo con un viaje a Madrid, Sánchez Kelly pinta esta obra Sin título, donde pone de relieve los desencuentros y cómo, a menudo, tiñen el panorama vital de confusión cuando no se encauzan por el sentido adecuado. Las señales que se perciben en primer término, cada vez que concurren disparidades de criterios, suelen ser de perturbación. Esa especie de lesión, que experimenta el individuo, expresada por las líneas negras que sobresalen en la pintura, provocan importantes fracturas que es necesario revisar para recomponer los destrozos y recomenzar.

Habitualmente, este deterioro no es bien entendido y casi siempre deriva en separación de la fuente que produce el daño. No obstante, sigue existiendo un nexo de unión invisible que continúa llamando a una reflexión más profunda, simbolizada por los tonos naranjas, blancos, verdes y amarillos.

El diálogo, resaltado en el cuadro por el azul del fondo, es fundamental, siempre. No necesariamente debe ser externo. Primordialmente, ha de ser interno. Cada cual debe emprender ese viaje, único, consigo mismo para derribar las fronteras que promueven los conflictos.

GUGGIANA, en El tránsito, alude a la poca claridad existente en un mundo lleno, pero a la vez vacío. SÁNCHEZ KELLY, con su obra Sin título, nos recuerda la necesidad de responsabilizarnos de nuestras oscuridades interiores para facilitar la autocomprensión, paso indispensable para la convivencia.

Obras

Claudia Guggiana. El tránsito. Acrílico sobre lienzo. 120x120cm. Año 2011

Sánchez Kelly. Sin título. Acrílico sobre lienzo. 114x145cm. Año 2004

Edvar Munch- Sánchez Kelly. La lucha por sobrevivir y ocupar puestos, impide al individuo tomar consciencia de sí mismo.

Wed, 14 Feb 2024 15:15:40 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. En este artículo comentaremos la obra titulada “La niña enferma” (1896) de Edvard Munch (1863-1944) en diálogo con “Los indecisos” (1999) de Sánchez Kelly.

Una mirada desesperanzada con aire melancólico destaca en este retrato de Munch titulado “La niña enferma” del año 1896. Los trazos que simulan turbulencias inundan la estampa, dejando entrever, de forma magistral, los conflictos que se despiertan en el sujeto cuando debe atravesar estados de enfermedad. La monocromía también nos traslada a momentos de frialdad y poca comprensión, unidos a una sensación de soledad y aislamiento que pueden acompañar en estas circunstancias a las personas.

El semblante pálido, mezcla de gris y blanco, y el rojo del resto del gráfico, contrastan entre sí, ahondando en dos visiones o dos conceptos vitales enfrentados, que a menudo están presentes en la realidad que vivimos. La falta de claridad y la ausencia de perspectiva, reflejada en una especie de columna dibujada a la derecha del cuadro, nos conducen a una atmósfera casi sin salida o solución definida.

En 1999, Sánchez Kelly nos presenta “Los indecisos”, donde retrata muy posiblemente la situación de indecisión a la que se enfrentan los electores cuando han de elegir a sus gobernantes (en Argentina, país de nacimiento de Sánchez Kelly, hubo elecciones presidenciales en 1999). La confusión que rodea al protagonista de esta estampa lo induce a cierto escepticismo remarcado con la postura que tiene la figura sosteniendo su brazo derecho, como si tuviera que moderar su decisión e incluso abstenerse.

Las claves que busca no están claras y el barullo atropella su tranquilidad, conduciéndolo a un estado de cierto aislamiento del entorno para una toma de postura responsable.

El hombre actual sometido a una urgencia constante, no tiene espacio de recreación suficiente para tomar conciencia de sí mismo ni de lo que sucede a su alrededor y se debate en una constante lucha interna por sobrevivir, en medio de una lucha encarnizada por ocupar un puesto que le permita seguir hacia adelante

Munch con “La niña enferma” retrata el paisaje claro de los abismos en los que puede sumergirse el ser humano cuando se enfrenta a realidades que le cuesta asumir.

Sánchez Kelly con “Los indecisos” nos traslada a las batallas con las que lidia el individuo cuando está desprovisto de certezas que le impulsen en una dirección clara.

Obras

Edvard Munch. La niña enferma. Lápiz litográfico. Estampación en dos colores sobre papel vitela. Año 1896.

Sánchez Kelly. Los indecisos. Pastel sobre papel. 70 x 100 cm. Año 1999.

Lionel Feininger- Sánchez Kelly. Una sociedad carente de valores potencia la insolidaridad y las guerras.

Wed, 07 Feb 2024 00:07:42 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. En este artículo comentaremos la obra titulada “Arquitectura ll (El hombre de Potin)” (1921) de Lyonel Feininger (Nueva York, 1971-1956) en diálogo con “Pasajeros” (2009) de Sánchez Kelly.

Las apabullantes formas geométricas de los edificios parecen invadir al hombre que se halla sumergido dentro de un universo de rascacielos que no apenas dejan paso libre para transitar y que contribuyen a alejar, más si cabe, al ser humano de su naturaleza. En los laterales del cuadro, observamos algo similar a una bruma de colores rojo y amarillo y gris, que acrecienta ese aire recargado y poco clarificador que se retrata en esta obra de 1921.

Feininger traslada a esta obra la sensación de aislamiento y poca claridad que reina en un mundo hostil, vacío de significados profundos, que vela más por intereses propios que por conformar una comunidad encaminada a esclarecer las bases profundas que conforman al individuo.

Pasajeros, perteneciente a la serie del mismo nombre, nos habla de soledad y el aislamiento en un mundo basado principalmente en las apariencias que va empujando paulatinamente a una toma de postura irreal frente los acontecimientos.

La monocromía del cuadro, permite ahondar en esa puesta en escena de la crisis de valores reinante, donde es difícil encontrar una luz que haga posible el descubrimiento de aspectos más trascendentes que podrían dirigir a la humanidad hacia nuevos derroteros.

El núcleo social actual carente de reglas validas que guíen hacia fines más altruistas que llenan el alma, está cada vez más vacío de significados reales y potencia, de este modo, la insolidaridad y las guerras sin cuartel por dominar y controlar.

Feininger, desde Arquitectura ll, ya pronostica en 1921 el status vital poco claro al que se dirige un ser humano caduco, cerrado a valores. Sánchez Kelly, con Pasajeros, sigue poniendo énfasis en esa misma realidad, más de 80 años después.

Obras

Lyonel Feininger. Arquitectura ll (El hombre de potin). Óleo sobre lienzo. Año 1921

Sánxhez Kelly. Pasajeros. Punta seca sobre papel. Año 2009

Marie Laurencin- Sánchez Kelly. Los interrogantes vitales atenazan al ser humano.

Wed, 07 Feb 2024 00:04:29 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen - Bornemisza y asistimos a la exposición “Maestras” que tiene lugar desde el 31 de octubre de 2023 hasta el 4 de febrero de 2024. En este artículo comentaremos la obra titulada “Mujeres con perro”, óleo sobre lienzo de 1924-1925, de Marie Laurencin, en diálogo con “El solista”, acrílico sobre cartón de 1994, de Sánchez Kelly.

Las figuras de las dos mujeres destacan principalmente por el tono de su piel de color blanco y gris, que las convierte en personajes casi irreales o fantasmales. En contraposición, sus ojos de color negro intenso, parecen conformar puntos disonantes con el resto de la obra. El paisaje, totalmente desdibujado, realza la escena de las protagonistas con el perro, haciendo hincapié en cierto aire melancólico que pretende dirigir la atención del espectador hacia lo sutil del paso del tiempo, provocando una vaga sensación de conformismo, donde los interrogantes vitales no tiene cabida, donde reina una aparente calma, pero sin entendimiento real de los ingredientes que rodean a la vida. Una inhóspita sensación de ahogo existencial corona esta propuesta de Marie Laurencin.

Sánchez Kelly pinta en 1994 El solista. La figura central del cuadro es un músico tocando el bandoneón. El músico frente a un hipotético público, durante una actuación, es el símbolo utilizado como pretexto por el pintor para hablarnos de los roles, de la soledad, de la necesidad de hacer frente a los retos, de la urgencia por realizar las acciones necesarias para la supervivencia en las mejores condiciones, los sueños, el talento, las dudas, los temores y el aliciente de seguir existiendo más allá de todo lo que atormenta o interrumpe el camino.

Laurencin con “Mujeres con perro”, nos introduce en un paisaje tenue, casi sin vida, donde los personajes apenas comprenden su realidad.

Sánchez Kelly con “El solista”, invade el escenario del cuadro con todo tipo de interrogantes que pueden atenazar a cualquier ser humano, en algún momento de su existencia.

Pablo Picasso- Sánchez Kelly. Ejercer los roles familiares, clave para el desarrollo integral

Sat, 20 Jan 2024 20:45:14 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen - Bornemisza y asistimos a la exposición “Picasso lo sagrado y lo profano” que tuvo lugar desde el 4 de octubre al 14 de enero de 2024. En este artículo comentaremos la obra titulada “Maternidad” (1971) de Pablo Picasso en diálogo con “Maternidad” (1989) de Sánchez Kelly.

La figura de la madre desborda el cuadro. Las miradas de ambas figuras (madre e hijo) remarcadas con grandes ojos, apuntan a la necesidad de mirar el entorno con interés y actitud interrogativa. Los protagonistas no parecen relajados sino con cierta tensión que puede hablar de preocupación y curiosidad por lograr entender lo que ocurre a su alrededor.

Las tonalidades grises y negras protagonizan la escena, remarcando una situación poco grata que no satisface a los implicados, y llena de angustia y frialdad la estampa.

La ausencia de ropa denota la urgencia por dar rienda suelta a a las formas auténticas de ser o de existir sin tapujos, poniendo énfasis en que los disfraces utilizados para caminar en el mundo, confunden y no dan paso a la creatividad, sino que encierra y ahoga cualquier tipo de autenticidad, clave para un desarrollo integral de individuo.

Maternidad es un grabado realizado en 1989. La complicidad, la atención y la dedicación de la madre hacia su hijo, es el tema principal que observamos en este trabajo de Sánchez Kelly. El amor y el cuidado dirigido a la protección y a la educación, es lo que define la relación natural de madres o padres e hijos. A veces, esta relación puede verse obstaculizada por diversos factores internos o externos, sin embargo, la clave radica en experimentar y ejercer el rol que cada uno debe desempeñar sin predefinir de antemano esto o aquello. Ser es clave tanto para uno mismo como hacia los demás.

Sánchez Kelly aborda el tema maternal desde la óptica de la naturalidad. Picasso parece utilizar la estampa de la madre con el niño, como símbolo de cuestiones más profundas que ponen en tela de juicio los roles paterno filiales.

Pablo Picasso. Maternidad. Óleo sobre lienzo. Año 1971.

Sánchez Kelly. Maternidad. Grabado sobre papel. 24x18 Año 1989.

Jordy Kerwick- Sánchez Kelly. La carencia de sentido en una sociedad llena pero vacía.

Sat, 20 Jan 2024 18:23:14 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen - Bornemisza y asistimos a la exposición del artista australiano Jordy Kerwick (1982, Melbourne- Australia), que tiene lugar desde el 22 de septiembre de 2023 hasta el 14 de enero de 2024. En este artículo comentaremos la obra titulada “Este amor moderno” (2023) de Jordy Kerwick en diálogo con “Marionetista dimensional” (1986) de Sánchez Kelly.

En “Este amor moderno” estamos frente a una obra repleta de símbolos, donde llama la atención, sobre todo, la evocación de la naturaleza y los objetos rudimentarios que nos acercan a la artesanía, mezclados con tientes eróticos. Una puesta en escena que mezcla elementos ancestrales con los actuales, en una especie de llamado de atención acerca de la carencia de sentido verdadero que prima en una sociedad llena, pero vacía. La ausencia de perspectiva en el cuadro hace hincapié, más si cabe, en esa mezcolanza en la que vive el ser humano actual al que le cuesta encontrar un camino preciso al que asirse con fuerza. Enfrentamientos, dilemas, disfraces utilizados para disimular y representar un papel ficticio que no conduce a nada profundo que satisfaga. El artista utiliza libros de arte para señalar una posible alternativa al espectador, una puerta de salida a tanto descontrol reinante.

Los desafíos a los que se enfrenta el individuo, el paso del tiempo y una realidad carente de elementos necesarios para comprender la existencia, son algunos de los temas que podemos observar en esta obra de Sánchez Kelly titulada Marionetista dimensional del año 1986. La ventana marca un futuro incierto sin paisaje definido unido a una mesa vacía donde solo se posa una figura fantasmal diminuta y la sombra de un plantero que podrían aludir a lo efímero de la creación y a la necesaria toma de postura frente a los dilemas que acechan y muchas veces ahogan.

Kerwick con “Este amor moderno”, nos acerca a la necesaria búsqueda de sentido en medio del caos reinante y Sánchez Kelly con “Marionetista dimensional” nos recuerda la importancia de incidir en los cuestionamientos internos como paso indispensable para avanzar y evolucionar.

Obras

Jordy Kerwick. Este amor moderno. Pintura de spray, acrílico y óleo sobre lienzo. Año 2023.

Sánchez Kelly. Marionetista dimensional. Acrílico sobre madera. 40x48cm.Año 1986

Kaws- Sánchez Kelly. Cada individuo posee un sonido único

Wed, 20 Dec 2023 13:49:24 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos Moco Museo en Barcelona. En este artículo comentaremos la obra titulada Untitled (2015) de KAWS en diálogo con Datos (1992) de SÁNCHEZ KELLY.

La interrelación generada en el mundo provoca cambios. Es necesaria esta fusión o mezcla constante para conformar espacios que doten de sentido a la existencia, de lo contrario el ser humano carecería de bases tangibles que le permitieran hallar sus raíces verdaderas. Esta conjunción que nos muestra Kaws en su obra Untitled, no necesariamente genera uniones reales; a veces, son simples tomas de contacto o fusiones superficiales. Sin embargo, esa dinámica es imprescindible y en alguna medida forma parte de la naturaleza.

En ocasiones, nos espantamos y huimos de lo generado de forma conjunta, pero es igualmente válida la conclusión a la que se llega. La mente acostumbra a desechar aquello que no resulta agradable, pero al margen de justificaciones, siempre lo generado es útil para seguir avanzando en la exploración del universo creado.

Estas formas mezcladas sin aparente orientación que Kaws plasma sabiamente, nos permiten visualizar el camino que ya estamos recorriendo como humanidad y poner énfasis en que por más hostil que aparentemente pueda parecernos la vida, el color especial de cada fragmento lleva implícito al del lado. Cada parte completa a la siguiente, formando un puzle difícil de definir, a simple vista.

En las bases donde estamos asentados, conformadas de experiencias, debemos construir el sentido que necesitamos. Las pinceladas oscuras formando diversas siluetas en la parte inferior de la obra Datos, nos hablan de las tendencias y de los distintos marcos donde se mueven las ópticas dispares que conviven en el mundo. Mas allá existe un escenario común donde estas experiencias van hilando argumentos diversos, que se relacionan con las demás argumentaciones, conformando un mundo común. A su vez, cada individuo, de modo separado, debe hallar su sonido particular, que le es propio, y manifestarlo sin dudas en su ámbito personal para llegar a su realización y ocupar el lugar natural que le corresponde.

Cada vínculo que se forma a partir de ese sonido propio, sonará en el universo y será escuchado por otros que lo necesitan, que lo sienten propio y, de este modo, la orquesta global que es la humanidad entonará al fin un único canto.

A priori, puede parecer que cada uno existe aislado del otro que tiene enfrente, sin embargo, más allá de esas diferencias, existe un único hilo que tarde o temprano será hallado.

Kaws dibuja con destreza cada eslabón de la cadena de apreciaciones que se une al siguiente conformando universos gigantes de contenidos dispares. Sánchez Kelly pone énfasis en la necesidad de ser y existir dentro de la autenticidad, para hallar el sendero real.

Obras

Kaws. Untitled. Acrílico sobre lienzo. 244x244cm. Año 2015

Sánchez Kelly. Datos. Acrílico sobre papel. 38x31. Año 1992

Basquiat- Sánchez Kelly. Hay un dador intangible de verdad que subyace en el ser humano

Sat, 16 Dec 2023 13:07:36 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos Moco Museo en Barcelona. En este artículo comentaremos la obra titulada Riddle Me This DE JEAN- MICHEL BASQUIAT( 1960-1988) en diálogo con (1979) de SÁNCHEZ KELLY.

Palabras vacías llenan el mundo de apariencia. El robo, la violencia, la corrupción… son la tónica dominante en medio de una sinrazón que, a muchos, pasa inadvertida, mientras que a otros los arrastra sin posibilidad de recibir ayudas reales. El peligro sobre la vida es continuo y todo está mezclado de una forma confusa, aislando cada vez más a los seres humanos que apenas pueden establecer una base firme donde asentarse.

La confusión es tan grande que es difícil diferenciar la realidad de la ficción, sin embargo, es necesario salir a flote de esa locura aparente y rescatar algo intangible que sea dador de luz, de bondad, de razón y de fuerza. Algo que subyace en el ser humano más allá de la destrucción puede salvarlo y dotar a la realidad de colores nuevos.

Basquiat describe, desde un prisma muy personal, su visión del mundo, y su particular lenguaje llama la atención, poniendo énfasis en que dentro de la naturaleza humano existe un reducto olvidado que puede dar la vuelta a esta realidad inhóspita y cruel que aprisiona y mata.

Con trazos simples y símbolos que cualquiera puede entender, el artista distribuye espacialmente las figuras de tal forma que su mensaje cala y remueve conciencias, sin necesidad de utilizar en demasía la imaginación.

Los seres humanos, de forma individual, llevan en su interior información que durante su existencia va tomando forma y coloreando su espacio vital, sin que exista conocimiento previo por su parte. ¿Qué es esa información? Forma parte del misterio de la creación.

Sánchez Kelly dibuja en forma de compartimentos interiores todo un universo de formas, cada cual diferente, que conforman al individuo y lo acompañan a lo largo de su desarrollo, en el que ir encontrando pistas de eso que alberga sin saber.

¿Qué es el ser humano en realidad? ¿Eso que alberga, es determinado o indeterminado? ¿Lo que existe dentro se desarrolla y se expande fuera, como un medio de crear siempre realidad, hasta el infinito?

Basquiat alude en su representación a un hilo muy sutil que se halla dentro del ser humano que es preciso buscar como único medio de salvaguarda.

Sánchez Kelly relata. como si de un cuento se tratara, cómo el hombre retiene en su interior, un manantial inagotable de certezas que se irán desenvolviendo y expandiendo en lo material sin control, como un medio de afirmarse y de recrearse a sí mismo.

Obras

Jean Michel Basquiat. «Riddle me This». Serigrafía manual. 101,6x101,6cm. Edición 23/85. Publicado post mortem.

Sánchez Kelly. «Pareja». Lápiz s/ papel. 60x40cm. Año 1975

Banksy- Sánchez Kelly. Tomar conciencia de nuestra verdadera naturaleza es clave

Fri, 08 Dec 2023 13:03:24 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos Moco Museo en Barcelona. En este artículo comentaremos la obra titulada Girl with Balloon (Gold) (2004) de BANKSY en diálogo con Marioneta estrella (1979) de SÁNCHEZ KELLY.

El globo, con forma de corazón de color dorado en ascenso, centra la atención como símbolo del amor, de la generosidad, de lo sublime inherentes al ser humano y que es necesario tener presente de alguna forma.

La niña extendiendo su brazo izquierdo de color negro evoca lo oculto,, las penurias y tristezas, la melancolía que existe aún dentro del hombre y que es preciso expresar, sacar a la luz, como un modo de rescatarse del abandono al que se está sometiendo él mismo.

Tristeza, falta de comprensión o búsqueda de sentido son algunas de las claves de esta obra, donde el movimiento es imprescindible para seguir ahondando, de lo contrario, el estancamiento solo producirá quedarse a medias en el camino de la búsqueda de claves esenciales de la vida que se halla implícita detrás de los sentimientos perturbadores que atenazan constantemente al individuo.

Tomar conciencia de realidades profundas acerca de los pormenores que rodean la existencia material es clave para seguir avanzando. No podemos olvidar que esta realidad que observamos solo es un símbolo de lo que albergamos, sin saberlo, en nuestro interior.

El hombre sometido a impulsos que, de alguna forma, determinan su quehacer es puesta de relieve en esta obra de Sánchez Kelly del año 1979, perteneciente a la Serie Marionetas. El artista dibuja un rostro lleno de líneas o hilos que componen formas entrelazadas, conformando una red que parece invadir al ser humano, sin darle apenas opciones de libertad. Sobre la cabeza se halla representada una forma rectangular que lleva dibujada en el centro un triángulo por el que atraviesan las líneas, dificultando conocer el origen de esta aparente invasión.

El triángulo, recurso muy utilizado por Sánchez Kelly, está relacionado con lo sagrado, con la esencia, induciéndonos a concluir que esta aparente influencia podría provenir de instancias sutiles que en este instante el hombre no conoce o carece de herramientas válidas para llegar a descubrir.

Banksy con Girl with Balloon nos recuerda la necesidad de seguir buscando la verdad y no quedarnos esperando de forma estática que lleguen las respuestas que necesitamos. Sánchez Kelly con Marioneta estrella pone de manifiesta la sospecha de que existen filamentos de esa esencia conformándonos e influyéndonos sin remedio, pero no como una cuestión negativa sino como impulso para continuar investigando en nuestra verdadera naturaleza.

Obras

Banksy. Girl with Balloon. Serigrafía. 70x50cm. Año 2004

Sánchez Kelly. Marioneta Estrella. Acrílico sobre fibra aglomerada. 18x24cm.Año 1979

Juan Gris- Sánchez Kelly. Es la persona un simple instrumento y la supervivencia lo esencial?

Fri, 08 Dec 2023 12:59:16 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En este artículo comentaremos la obra titulada Retrato de Madame Rosette Gris (1916) de Juan GRIS (Madrid 1887-Boulogne -sur- Seine, Francia 1927) en diálogo con Dos figuras (1969) de SÁNCHEZ KELLY.

La descomposición de la figura retratada hasta el punto de mimetizarse con el entorno, nos habla de la necesidad que tiene Juan Gris de entender la realidad que le circunda. Una observación minuciosa del mundo exterior es clave hasta el punto de que puede llegar a ser más importante que entender lo que ocurre dentro de él mismo. Es esencial comprender los conceptos que mueven el mundo para sobrevivir, pero en esa sintonía ¿dónde se queda la persona? Tal vez, arrinconada y en segundo plano.

¿Es la persona un simple instrumento y la supervivencia lo esencial?

Los diversos matices de grises y el negro nos hablan de un cierto desánimo frente a lo que no logra ser bien entendido o una falta de bases firmes que anclen a la vida.

Una paleta de colores diferentes en la zona del rostro, coronan la composición, incidiendo en la idea de que tal vez es necesario dar más importancia a la presencia humana y de que es ella la que ha de cobrar protagonismo frente a la realidad. ¿Es quizá el individuo con su observación y comprensión el que está provocando cambios en el mundo exterior?

Esta duda existencial abraza la obra y nos impulsa en la dirección de encontrarnos y aferrarnos fuertemente para interrogarnos acerca de lo que es importante para nosotros y no dejarnos arrastrar por una corriente mayoritaria que frecuentemente influye sobremanera, determinando nuestros pensamientos y emociones sin darnos tiempo a la meditación sosegada, clave para no encaminarnos hacia la autodestrucción.

Dos figuras fragmentadas conforman esta composición de SANCHEZ KELLY, donde la autenticidad se coloca en primer plano, simbolizada por los cuerpos desnudos. La clave radica en hallar respuestas desde la poderosa sinceridad que, a menudo, rompe con moldes preestablecidos y conlleva conquistas importantes de fuerza y claridad en el mundo interior. Sin embargo, también puede implicar alejamiento de los demás en múltiples sentidos e incluso acarreará diferencias irreconciliables, aunque, como contrapartida, el individuo se puede hallar entero en su dinámica de vida y continuar con la exploración del sentido de su creación, sin cortapisas.

Es indudable que las guerras y conflictos empiezan dentro de cada uno y se trasladan fuera después, pero cuando el hombre es capaz de albergarse por entero, tarde o temprano esas diferencias acarrean luz y conciencia verdadera.

¿Qué es lo más importante? Quizá las rupturas aparentes en las relaciones conlleven implícitas canciones de despertar verdaderas y profundas, determinantes para continuar la evolución actual.

Juan GRIS con Retrato de Madame Rosette Gris, incide en un cuestionamiento existencial acerca de la óptica desde la que en algún momento podemos vernos y ver el mundo. SÁNCHEZ KELLY con Dos figuras, concluye que la clave esencial radica en ser.

Obras

Juan GRIS. Retrato de Madame Josette Gris. Óleo sobre tabla. Año 1916

SÁNCHEZ KELLY. Dos Figuras. Oleo sobre madera. 73x83cm. Año 1969

Lynette Yiadom-Boakye - Sánchez Kelly. Las penurias, dos escenarios: el trivial o el esencial.

Sun, 12 Nov 2023 22:46:40 GMT

En el marco del proyecto «Diálogo entre artistas. El hilo de oro», auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Guggenheim de Bilbao y asistimos a la exposición Ningún ocaso tan intenso de Lynette Yiadom-Boakye que ha tenido lugar desde el 31 de marzo al 10 de septiembre de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada «Bajo los pulmones y sobre el vientre» (2021) de Yiadom- Boakye en diálogo con «Músico» (1996) de Sánchez Kelly.

La oscuridad que rodea a la figura protagonista de la obra «Bajo los pulmones y sobre el vientre», centra la mirada en el torso y en los peces. El gesto del retratado denota cansancio y cierto desánimo unido a la necesidad de supervivencia, en un ambiente que deja entrever escasez.

Las situaciones de penurias insertan al ser humano en un camino que le obligan permanentemente a medir al detalle lo que puede o no realizar y a vivir con límites materiales constantes.

La artista nos sitúa en esa dinámica de vida a través de trazos sencillos sin excesivos detalles.

En 1996 Sánchez Kelly dibuja Músico. El retratado y su profesión conforman el centro de la composición. La soledad aparente en la que se encuentra el ejecutante y su mirada alejada del escenario durante la actuación, parecen poner énfasis en las distintas preocupaciones o intereses que muchas veces acompañan el vivir cotidiano, sin dejar paso al sosiego necesario para una comprensión más profunda de la existencia.

La necesidad de supervivencia conlleva que, con frecuencia, no se disponga del suficiente margen de maniobra para confeccionar una realidad más afín a los intereses reales que se tienen.

La posición del retratado con los pies juntos y desproporcionadamente grandes, nos habla de las limitaciones en las que se ve envuelto el individuo en su deambular vital y esa obligada contención externa puede conllevar frustración o una búsqueda más allá de la realidad, en un reducto donde todo puede ser posible: el ámbito de lo esencial.

Yadom- Boakye con «Bajo los pulmones y sobre el vientre» retrata escenarios vitales triviales, donde todos podemos vernos reflejados en alguna medida.

Sánchez Kelly con «Músico» alude a las aparentes cadenas de la materia que representan, a la vez, sutiles vías hacia una búsqueda real, más allá de las apariencias.

Obras

Yiadom- Boakye. «Bajo los pulmones y sobre el vientre». Óleo sobre lino. Año 2021.

Sánchez Kelly. «Músico». Pastel sobre papel. 110x75cm. Año1996.

El diálogo es el arte de vivir juntos en un mundo compartido

Sat, 04 Nov 2023 14:42:58 GMT

“Diálogo entre artistas. El Hilo de Oro”, nace con la intención de profundizar en el conocimiento de la obra de Sánchez Kelly y revelar la esencia inmutable del arte. A través del diálogo entre las obras, se busca unificar las diferencias estilísticas, los periodos históricos y perspectivas del arte, bajo una visión cohesiva y conectada, explorando la capacidad transformadora del arte en nuestras vidas. Los diálogos expresan mensajes universales sobre la naturaleza humana, subyace en ellos el deseo de perpetuar este diálogo en busca de paz y entendimiento universal.

En ese contexto, se busca entrelazar el trabajo creativo de SÁNCHEZ KELLY con el de otros artistas destacados del escenario del arte. Claudia G. Sánchez interpreta los mensajes cifrados en símbolos, donde cada obra habla por sí misma y trasciende la individualidad del artista, participando en una conversación eterna que conecta con el corazón de la humanidad, y nos ofrecen un testimonio invaluable.

Destacamos cuatro objetivos relevantes:

1. Interconexión del arte a través de tiempos y estilos. Relevancia cultural. Al exponer a los lectores a una variedad de estilos, épocas y artistas, se pone de manifiesto la diversidad del panorama artístico, fomentando el respeto y apreciación por todas las formas de expresión, donde cada pieza contribuye al vasto mosaico del arte universal. Los diálogos, se inician en el año 2021 y continúan, con la intención de capturar el pulso del arte contemporáneo en España, especialmente en el contexto de eventos globales recientes y su influencia en la expresión artística, entrelazando tiempos y estilos.

2. Educación artística continua: Relevancia educativa. La periodicidad semanal pretende incentivar el aprendizaje constante y la formación de un hábito de apreciación artística entre los lectores. Cada semana, tienen la oportunidad de descubrir y aprender sobre nuevas obras, ampliando conocimiento y sensibilidad hacia el arte, desde un enfoque no convencional. A través de la visita constante a Museos Nacionales y Salas de Arte de España -inserta en la Unión Europea, el proyecto testimonia que las obras seleccionadas tienen una relevancia cultural, no solo nacional sino también internacional, representando las tendencias actuales del arte contemporáneo.

3. Profundidad más allá de la superficie: Relevancia reflexiva. Al conectar diferentes obras, el proyecto invita al lector a mirar más allá de lo evidente, animándole a reflexionar sobre las emociones, pensamientos, historias y filosofías que pueden surgir de una obra y como éstas se relacionan y contrastan con la de otros artistas. Esta profundidad ofrece una apreciación matizada y enriquecida del arte.

El establecer un diálogo constante con las obras del artista Sánchez Kelly, el proyecto destaca no solo la relevancia de su obra en el panorama artístico internacional, sino pone en evidencia los elementos universales o temáticos recurrentes en su trabajo que se relacionan con otras obras independientemente de su estilo o período.

4. Diálogo universal: Relevancia filosófica y espiritual: Los diálogos no solo resaltan las conexiones entre obras, sino que ponen de manifiesto temas universales y espirituales, siempre presentes en el arte. Estas conversaciones van más allá del espacio y el tiempo y sirven como recordatorio de las experiencias, emociones y reflexiones filosóficas compartidas por la humanidad a lo largo de las generaciones.

En un mundo donde guerras y conflictos sacuden nuestros cimientos, el diálogo, “ese hilo dorado” que entreteje el entramado del proyecto “Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro”, se erige como una metáfora imprescindible para la reconstrucción de la sociedad. Más allá de su función integradora en el arte, el diálogo es un pilar fundamental en todos los ámbitos de la humanidad, un puente indispensable que facilita la comprensión mutua y sienta las bases para la paz.

En un momento en que la disonancia parece prevalecer, el diálogo se presenta no solo como un deseo sino como una necesidad urgente, una estrategia para sanar, conectar y fortalecer las relaciones humanas a nivel global. Así, a través de la escucha activa y el intercambio de perspectivas, podemos aspirar a un mundo donde el entendimiento prevalezca sobre el enfrentamiento, donde la simbiosis de ideas y culturas no lleve a un futuro de coexistencia y respeto. El arte, en ese sentido, nos muestra el camino; sus conversaciones silenciosas pero elocuentes, son un recordatorio de que el diálogo es el arte de vivir juntos en un mundo compartido.

Oskar Kokoschka- Sanchez Kelly. ¿Cómo se gestan las estructuras mentales?

Sun, 29 Oct 2023 10:59:39 GMT

En el marco del proyecto «Diálogo entre artistas. El hilo de oro», auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Guggenheim de Bilbao y asistimos a la exposición Un rebelde de Viena de Oskar Kokoschka que ha tenido lugar desde el 17 de marzo al 3 de septiembre de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada «El pintor II (El pintor con SU MODELO II)» (1923) de Kokoschka en diálogo con «Cabeza estructural»(1980) de Sánchez Kelly.

La escena muestra a tres personajes en distintos planos, destacando al pintor, ubicado en el centro del lienzo, vestido de azul. Este color, símbolo de comunicación, lo diferencia de los demás, mostrando el deseo del autor de establecer una conversación silenciosa con el espectador. El semblante inquieto del pintor desafía al observador externo, invitándolo a intervenir de algún modo en la situación. El retratado, de aspecto cadavérico, acentúa la angustia o preocupación del artista ante situaciones que no puede resolver. En el fondo de la composición, un tercer personaje parece testificar la vulnerabilidad sutilmente sugerida en el cuadro.

El ambiente cargado de temor o desconcierto impregna el lienzo de preguntas sin respuesta.

Las estructuras mentales descritas por Sánchez Kelly a través de formas oscuras pintadas en la zona cerebral de la imagen representada en «Cabeza estructural», son intrínsecas al ser humano, aunque no entendamos exactamente cómo se gestan. Estas estructuras determinan en gran medida nuestras decisiones y cómo interactuamos con nuestro entorno, conformando una intrincada red sin fin aparente.

¿En qué medida estas formas determinan al ser humano? ¿Son ellas parte del juego de la vida y nos han sido insertadas para que representemos un papel? ¿Son reales? ¿Debemos descubrir su naturaleza y estar más allá de ellas, como parece plantear en el dibujo Sanchez Kelly, resaltando el contorno de la figura por encima de las formas geométricas del fondo que parecen integrarla a medias?

Kokoschka inmerso en un ambiente de cierta hostilidad, no acierta a entender su papel ni hallar certezas a las que aferrarse.

Sánchez Kelly, siempre crítico con lo establecido, deja entrever en Cabeza estructural, lo que intuye más allá de argumentos y creencias.

Obras

Oskar Kokoschka. El pintor II (EL PINTOR CON SU MODELO II). Oleo sobre lienzo. Año 1923

Óscar Sánchez Kelly. Cabeza estructural. Acrílico sobre madera. 25x18cm. Año 1980

Yayoy Kusama- Sánchez Kelly. ¿Carece la sociedad actual de valores nobles que dignifiquen al ser humano?

Sat, 21 Oct 2023 18:14:00 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Guggenheim de Bilbao y asistimos a la exposición Desde 1945 hasta hoy de Yayoi Kusama que ha tenido lugar desde el 23 de junio al 8 de octubre 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Mujer con la sombra de un pájaro” (1978) de Kusama en diálogo con Adri“(2004) de Sánchez Kelly.

Los opuestos o la dualidad, una constante batalla entre dos visiones distintas, es lo que podemos percibir, en un primer instante, detrás de la obra Mujer con la sombra de un pájaro. Es llamativa ausencia de expresividad en el retrato, reemplazada por una estampa natural, sugiriendo que detrás de lo que somos o sentimos podría esconderse un mundo diferente.

El universo creativo de Kusama se plasma principalmente a través de coloridos garabatos que rodean a la figura central del cuadro, que van guiando al espectador, a través de matices casi subliminales, por un camino que procura adentrarlo en novedosas perspectivas capaces de encausar la mirada para alejarla de lo trivial y permitir un salto hacia lo que no se percibe fácilmente.

¿Existe detrás de las ramas del árbol seco, que conforma el rostro de la mujer, una crítica feroz hacia la sociedad actual, carente en gran medida de valores nobles que dignifiquen al ser humano?

El rostro representado en la obra Adri se halla dividido en dos tonalidades. La parte izquierda, oscura, la derecha más clara, como si Sánchez Kelly quisiera aludir a las dos formas que tenemos de mostrarnos al mundo: una más reservada que escondemos y otra más clara que mostramos al público.

Resaltan los ojos remarcados por el color negro que armonizan con la nariz, la boca, el cabello y la vestimenta. Todos rasgos muy sobresalientes de la personalidad que se exponen en el ámbito social y que con frecuencia determinan nuestra interacción con el grupo.

El color negro dominante en la obra nos recuerda las barreras que erigimos frente a la vida y a los demás; las mentiras, los desacuerdos que ocultamos, y sobre todo la preferencia por establecer una distancia entre el mundo y nosotros.

Laberintos de tensión pueden estar ocultos detrás de una figura que aparenta tranquilidad a la vez que puede contener océanos de información no expresada.

Kusama, con Mujer con la sombra de un pájaro, nos anima a replantearnos lo criterios preestablecidos con los que abordamos la vida. Sánchez Kelly, por su parte, nos recuerda que existe, en cada uno, un deber de estar y comunicar con los elementos que sean necesarios, nuestra particular visión de la realidad, de lo contrario, corremos el riesgo de perpetuarnos en una eterna incerteza.

Obras

Yayoi Kusama. Mujer con la sombra de un pájaro. Acrílico y collage sobre papel. Año 1978.

Sánchez Kelly. Adri. Xilografía sobre papel. 16x25cm. Año 2004

André Butzer- Sánchez Kelly

Fri, 13 Oct 2023 10:36:55 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen - Bornemisza y asistimos a la exposición del artista Alemán André Butzer (1973, Stuttgart), que tuvo lugar desde el 9 de mayo al 10 de septiembre de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Sin título” (2008) de Andrè Butzer en diálogo con “Ave América” (1990) de Sánchez Kelly.

Las estructuras mentales que conforman al ser humano lo envuelven, poco a poco, sin que apenas pueda percatarse de ello. Esta mezcla de formas y colores que realiza Andrè Butzer en Sin título deja entrevar la amalgama de argumentos y modos de operar que se hallan conviviendo en la sociedad actual, conformando un paisaje difícil de entender, desde un punto de vista racional. Sin embargo, existe un núcleo común que aúna todas las voces, aunque aún está lejos de hallarse. Ese bastión olvidado que acerca al hombre a su verdadera identidad y que lo une a los demás de una forma precisa, está oculto a la simple mirada pasajera o trivial. La confusión reinante, las prisas, los egoísmos, las luchas feroces por construir solo para uno mismo, sin miramientos, conduce a enfermar a la sociedad y al aislamiento de un individuo que se siente cada vez más perdido.

El diálogo antes que el enfrentamiento siempre une y no divide, y esa unión es clave para hallar entre todos las consignas necesarias que induzcan a comprender el material del que está hecha la realidad. Este mensaje parece desprenderse de Ave América, donde Sánchez Kelly representa una serie de figuras que unidas producen una imagen de continuación, frente a las diversas posibilidades de fractura que interrumpen ese camino.

Los diferentes planos representados en la obra pueden trasladarnos también a tiempos distintos que conviven bajo el mismo paraguas social o a los distintos prismas con los que se contempla la existencia que parecen colocar a sus protagonistas en escalones contrarios pero a la vez imprescindibles, en el rompecabezas vital.

De la mano de André Butzer viajamos a los entresijos de un mundo anclado en enfrentamientos y disputas, donde apenas puede desarrollarse la creatividad y la paz.

Sánchez Kelly pone énfasis en la necesidad de tomar conciencia de que detrás de las aparentes diferencias, se halla una respuesta que es indispensable encontrar.

Obras

André Butzer. Sin título. Óleo sobre lienzo. Año 2008

Sánchez Kelly. Ave América. Oleo y Pastel sobre tela. 83x92 cm. Año 1990

Joan Miró - Sánchez Kelly. La realidad se conforma de instantes perfectos

Fri, 13 Oct 2023 10:34:37 GMT

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En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Fundación Joan Miró. En este artículo comentaremos la obra titulada “Cabeza” (1937) de Joan Miró en diálogo con “Número 7”(2002) de Sánchez Kelly.

Llama la atención en “Cabeza” de Joan Miró, la textura que el artista procura transmitir, dejando entrever manchas o zonas donde la pintura parece invadir al soporte, dejando entrever lo efímero de los detalles, la poca importancia de las formas para hacer hincapié en los escenarios, en las miradas, en las conclusiones, en lo esencial.

Los toques de color que intervienen en la composición aparentan estar colocados procurando no molestar, como si todo estuviera “de paso”, poniendo de manifiesto que nada es absolutamente indispensable, sino que la realidad se va conformando de instantes y cada uno es, en sí mismo, perfecto.

En “Numero 7” de Sánchez Kelly, el rombo central de color amarillo que encierra otro de tono más oscuro, centra la atención y podría hacer referencia a la búsqueda de equilibrio, fundamental para entender la realidad. Observar desde lo más profundo implica meditación, implica apartarse del mundanal ruido para hallar sentido; esto lo podemos observar en el color blanco del centro del cuadro. En otro orden, el tono azul, ubicado a continuación el blanco, también sugiere la necesidad de diálogo y el trazo más claro que divide la composición en dos, enfatiza lo imperioso de vivir centrado, buscando siempre el camino que conduce a la plenitud. Los bordes de tonos naranjas, resaltan la ceguera que rodea al ser humano que no busca dentro de sí las respuestas

Miró con “Cabeza”, nos invita a descubrir lo real detrás de lo efímero de las apariencias. Sánchez Kelly en “Número 7” nos recuerda la relevancia de buscar, a través de una mirada profunda, los entresijos que viven dentro de cada uno y que conforman una realidad desconocida que no alcanzamos a percibir con una simple mirada.

Obras

Joan Miró. “Cabeza”. Óleo, estuco, lápiz grafito, tornillos y toalla sobre celotex. Año 1937

Sánchez Kelly. “Número 7”. Acrílico y acuarela sobre papel. 24x20cm. Año 2002.

Lucian Freud- Sánchez Kelly. ¿Somos marionetas dominadas por una fuerza superior?

Fri, 13 Oct 2023 10:29:28 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Exposición de LUCIAN FREUD (1922-2011) organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza que ha tenido lugar desde el 14 de febrero al 18 de junio de 2023. En este artículo comentaremos la obra “Gran Interior, Paddington” (1968-1969) de Lucian Freud en diálogo con de Sanchez Kelly.

La naturaleza hace acto de presencia de un modo prominente en la estancia representada en la obra Gran interior Paddington en contraste con un cuerpo humano semidesnudo que yace en el suelo, dando la sensación de que el tiempo se ha detenido y que las circunstancias son lo que son y no se pueden cambiar. La chaqueta de tonalidades oscuras colgada en un extremo, aporta una nota de cotidianidad al cuadro, acentuando la intención del artista de plasmar la realidad que rodea al ser humano y que en ocasiones puede tornarse insoportable o sin un sentido claro.

El tono marrón del suelo contribuye de manera destacada a crear un ambiente de desagrado, de suciedad o simple dejadez que a nadie deja indiferente sumergiendo al espectador, de modo magistral, en el escenario retratado.

En 1980 Sánchez Kelly realiza una serie titulada Marionetas, de la que extraemos Marionetista. Este trabajo está repleto de símbolos: destaca, en primer término, un gran rostro que parece desdibujado en el horizonte y dos diminutas figuras humanas en el centro. Predominan tonos amarillos y verdes que sumen al espectador en un ambiente irreal u onírico. Una estructura rectangular sobresale, imponiéndose sobre las figuras, poniendo de manifiesto su gran fragilidad frente a lo incontrolable.

La debilidad, la falta de libertad, la impotencia o la soledad son algunas de las emociones que parecen desprenderse del cuadro, a la vez que se advierte una predestinación, con frecuencia, no entendida. La nimia voluntad humana y el desconocimiento acerca de su verdadera naturaleza, son otros de los temas que Sánchez Kelly trata con destreza en esta composición.

¿Somos marionetas dominadas por una fuerza superior que nos observa? ¿La realidad, tal cual la conocemos, es auténtica o se trata de un gran espejismo, en el que ha caído el género humano? ¿Podemos, con las herramientas que poseemos actualmente, lograr la liberación de tanta ceguera y falta de comprensión? Sánchez Kelly con “Marionetista”, nos anima a preguntarnos, a observarnos, a profundizar, a que no nos durmamos en las fatigas de lo aparente.

Freud, en “Gran interior, Paddington”, nos insta a cuestionar los cimientos sobre las que estamos asentados, mostrándonos una realidad cruda, sin retoques.

Obras

Freud. Gran interior, Paddington. Óleo sobre lienzo. Años 1968-1969. 183x122cm

Sánchez Kelly. Marionetistas. Acrílico sobre madera. 36x45cm. Año 1980.

Georgia O`Keeffe - Sánchez Kelly. Los misterios de la existencia. Transitamos caminos inciertos. Nada es permanente

Mon, 11 Sep 2023 14:50:02 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen - Bornemisza y asistimos a la exposición “Lo oculto en las colecciones Thyssen- Bornemisza, que se puede ver desde el 1 de julio al 24 de septiembre de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Calle de Nueva York con luna” (1925) de Georgia O`Keeffe perteneciente a la Sección Astrología de la exposición, en diálogo con “Pez” (1998) de Sánchez Kelly.

El círculo de luz en el centro de la composición nos permite centrar la atención en un punto que sobresale respecto al color monocromático del fondo. Sin embargo, no es el único que la artista distingue. Por debajo hallamos un círculo rojo, más pequeño, conformando ambos un conjunto de «dos» señales o de «dos» caminos en cierto sentido opuestos, aunque alineados bajo una noche con luna.

El punto de luz amarilla contrasta con el rojo más oculto o escondido como si los peligro que acechan no pudieran interferir decididamente cuando existe claridad, no obstante, están presentes como un recordatorio, como una llamada de atención que nos advierte que nada es permanente.

La luna en el cielo se alinea a su vez con los dos círculos de abajo y en esa conjunción forman un «tres». Numerología y astrología se unen para hablarnos sobre los caminos inciertos por los que transitamos, por los misterios que encierra la existencia, por la búsqueda de guías que alumbren el destino del hombre. O`keeffe nos sumerge en un mundo fantástico lleno de interrogantes que a ciencia cierta esperan una respuesta.

En 1998, Sánchez Kelly pinta Pez perteneciente a la serie Peces. En esta obra destacan los símbolos: rombos, cuadrados, triángulos, líneas, puntos y círculos, habituales en esta etapa creativa de Sánchez Kelly. Las formas geométricas hacen acto de presencia para expresar las distintas direcciones a las que estamos abocados en el sendero vital. Marcas, modelos o rutas de acceso y de salida se plasman en esta estampa muy sintética y clara, donde se advierte, tal vez, la ausencia de un circuito claro que seguir. A su vez, percibimos la universalidad de los gestos como idioma comúnmente utilizado por el ser humano en su vía de evolución. Nada está aislado, aunque existan las fronteras geográficas o las barreas autoimpuestas por cada uno. Existe una singular belleza que emana de las actitudes que implican de lleno a cada ser y describen universos de creación que son las diferentes formas de expresión que adoptamos para transitar en el escenario vital.

Múltiples situaciones dibujan un manantial inagotable de certidumbres que debemos dibujar en el horizonte incierto de lo material y esas ampollas que la vida va dejando, son las huellas que quedarán para los que nos sobrevivan.

Advertimos en esta estampa esa necesidad de plasmar gráficamente los dilemas perdidos, las sombras y luces que nos acompañan y un sin fin de posibilidades que podemos llegar a plantearnos, pero que quizás apenas podemos transitar, porque es necesario ceñirse a una elección constante donde un error puede ser mortal.

Lo efímero de la existencia unido a las complicadas elecciones en las que nos vemos envueltos, es la idea principal de esta composición que Sánchez Kelly nos trae en «Pez».

O`Keeffe plantea, por su parte, la imprescindible búsqueda, en universos misteriosos, de esa certeza que nos falta y que en multitud de ocasiones nos acarrea dificultades para lograr encajar los avatares de la vida.

Obras

Georgia O`Keeffe. Calle de Nueva York con luna. Óleo sobre lienzo. Año 1925

Sánchez Kelly. Pez. Acrílico sobre papel. 55x37cm. Año 1998

Ives Tanguy- Sánchez Kelly. Búsqueda de certezas en un mundo de apariencias.

Thu, 07 Sep 2023 13:50:43 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen - Bornemisza y asistimos a la exposición “Lo oculto en las colecciones Thyssen- Bornemisza, que se puede ver desde el 1 de julio al 24 de septiembre de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “La muerte acechando a su familia” (1927) de Ives Tanguy perteneciente a la Sección Espiritismo de la exposición, en diálogo con “Hombre solitario” (1972) de Sánchez Kelly.

El paisaje marino del cuadro evoca un ambiente frio, poco apacible, donde las formas representadas de modo aislado, de apariencia fantasmagórica, parecen deambular perdidas o carecer de dirección precisa. La falta de vigor se combina con una sensación de fatiga, de hastío o de poca claridad. Los dos ambientes, precisamente delimitados, subrayan también la constante presencia de polaridades en la existencia, sirviendo de puente necesario para la búsqueda de certezas, en un mundo repleto de apariencias ý símbolos que, si no se sustentan en bases firmes y concisas, pueden provocar una sensación de estar perdido.

Hombre solitario de 1972 ilustra la soledad y las inquietudes o interrogantes que acechan al ser humano constantemente. Sin embargo, Sánchez Kelly dibuja la figura humana con espacios interiores que sugieren esa necesaria búsqueda de respuestas a la que el hombre se ve empujado para encontrar sentido.

El horizonte despejado en contraste con el interior de la figura repleta de posibilidades, señala con claridad que todo lo que reside en el ser, le otorgará las herramientas necesarias para seguir avanzando, de lo contrario, no hallará más que desnudez y vacío.

Tanguy desde “La Muerte acechando a su familia”, aborda la compleja situación en la que se encuentra el ser humano, cuando debe enfrentar su realidad. Sánchez Kelly en “Hombre solitario nos insta a buscar dentro de nosotros las salidas.

Obras

Ives Tanguy. La muerte acechando a su familia. Año 1927. Óleo sobre lienzo Museo Nacional Thyssen- Bornemisza. Madrid

Sánchez Kelly. Hombre solitario. Año 1972. Óleo sobre lienzo. 24x30 cm.

Wassily Kandinsky Sánchez Kelly. Existe la realidad tal cual la observamos o hay algo más que la sostiene

Sat, 26 Aug 2023 16:09:46 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen - Bornemisza y asistimos a la exposición “Lo oculto en las colecciones Thyssen- Bornemisza, que se puede ver desde el 1 de julio al 24 de septiembre de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “En el óvalo claro” (1925) de Wassily Kandinsky perteneciente a la Sección Teosofía de la exposición, en diálogo con “Intravuelo” (1976) de Sánchez Kelly.

Las estructuras negras en el centro del cuadro captan la mirada, y parecieran interrumpir un proceso, contrastando abruptamente con las formas circulares del fondo. Esta irrupción provoca impacto y cierta perplejidad en el espectador, descolocándolo en un primer momento. Un choque de colores y formas convive en un intento por realizar una síntesis. En el extremo inferior destaca un pequeño círculo de color rosado que parece ajeno a la composición central, como una nota discordante frente al dialogo que Kandinsky establece en el resto de la obra. De igual manera, un puzle de colores se superpone en el ángulo opuesto denotando, tal vez, un intento del artista por explicar lo que ocurre al margen de la voluntad o lo de la pretensión inicial. Ambos detalles, el círculo rosado y el puzle, enmarcan al mensaje principal. ¿Existe la realidad tal cual la observamos, o hay algo más que la sostiene, al margen de lo que alcanzamos a determinar o entender?

Kandinsky y su obra “En el óvalo claro” nos empujan a meditar acerca de lo material y lo no manifestado, que puede o no estar detrás de todo. Plantea una duda que se deja traslucir sutilmente, como si en ese estudio de lo tangible se debatiera un espíritu libre y transgresor con una necesidad de hallar certezas que no alcanza a dilucidar con precisión.

Sánchez Kelly realiza, en 1975, la obra Intravuelo, perteneciente a la Serie “Ciclo de oro del Dibujo.”. Tres formas esféricas de distintos tamaños, se hallan unidas a una base semicircular de características similares, estableciendo una relación de afinidad o dependencia. Todas parecen flotar en un espacio blanco que resalta los detalles y colores que encierran: una similitud compartida que parece evidenciar lazos fundamentales idénticos, pero plasmados en diferentes formas, produciendo el efecto de hermandad en lo esencial, aunque manteniendo, cada una, características propias fácilmente perceptibles a simple vista.

Sánchez Kelly nos revela en este gráfico lo primordial que se esconde detrás de las diferencias aparentes que toman forma en lo manifestado. A pesar de esas disparidades, prevalece un sustrato indefinible, siempre presente e innegable.

Ambos artistas, Kandinsky y Sánchez Kelly en distintas épocas y con diversa caligrafía parecen conducir al espectador hacia un mismo paisaje que procura definir lo indefinible, para hallar sentido y ayudarnos a comprender la verdadera naturaleza que nos contiene.

O bras

En el óvalo claro. Óleo sobre cartón. Año 1925

Intravuelo. Lápiz sobre papel. 49x35 cm. Año 1976

René Magritte- Sánchez Kelly. La ineludible toma de conciencia. Lo oculto en las colecciones Thyssen- Bornemisza. Sección Sueños, Oráculos y Premoniciones.

Mon, 21 Aug 2023 10:39:23 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen - Bornemisza y asistimos a la exposición “Lo oculto en las colecciones Thyssen- Bornemisza, que se puede ver desde el 1 de julio al 24 de septiembre de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “La llave de los campos” (1936) de René Magritte perteneciente a la Sección Sueños, Oráculos y Premoniciones de la exposición, en diálogo con “Número 56” (2001) de Sánchez Kelly.

La apacible estampa de la naturaleza, que apreciamos en el centro del cuadro, se ve interrumpida por los trozos de cristal que Magritte coloca en el primer plano. Las puntas de cristal evocan violencia y cierto desacuerdo con las formas aceptadas en el marco social, representado por la ventana que enmarca esta puesta en escena magistral.

La tranquilidad o la paz rotas por el desacuerdo reinante, obligan a una toma de postura que determinará el destino de cada cual. El artista parece no querer intervenir sino mostrar, con sumo detalle y cuidado, un mensaje esclarecedor para quienes deseen comprender algo más de la realidad que les rodea. Una imagen escalofriante que, tal vez, presagia el destino de Europa en los años venideros (premonición) y hacen de este trabajo un exponente claro del mensaje importante que los artistas, de todos los tiempos, han transmitido a través de sus símbolos.

En el años 2001 Sánchez Kelly pinta Número 56, donde podemos observar un gran círculo azul en el centro del cuadro que resalta sobe el fondo rojo. El contraste de colores nos habla de las rupturas, de los opuestos, de la necesidad que tiene el ser humano de afirmarse en sus cuestionamientos para sobrevivir en un ambiente hostil que, a menudo, invade y no deja espacio para la meditación. El ser humano, ahogado en múltiples dilemas que lo acechan, carece de instrumentos válidos que lo ayuden a cerciorare de las decisiones que toma, de los caminos que emprende. Esa inhóspita situación de inestabilidad lo obliga a adentrase, más si cabe, en su interior ahogado, para reencontrarse con él mismo y poder, de este modo, sobresalir, sobrevivir, hallar las llaves adecuadas que lo dirijan hacia espacios de recreación más favorables.

Magritte con "La llave de los campos", aborda la compleja situación de la supervivencia del individuo en relación con los contrarios, haciendo necesaria una toma de conciencia más profunda ,para aferrase a algo más tangible.

Sánchez Kelly, en "Numero 56" , hace hincapié en esa ineludible necesidad de introspección, a los efectos de hallar el sendero real que cada cual ha de conocer, para comprender su propia naturaleza.

Obras

René Magritte. La llave de los campos. Año 1936.

Sánchez Kelly. Numero 56. Serie América. Año 2001. Acrílico sobre papel. 22x26cm.

Cosmè Tura - Sánchez Kelly. Todo nace y muere constantemente

Sun, 13 Aug 2023 10:56:34 GMT

Serie de artículos sobre Lo Oculto en las colecciones Thyssen- Bornemisza. Sección Alquimia.

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Museo Nacional Thyssen - Bornemisza y asistimos a la exposición “Lo oculto en las colecciones Thyssen- Bornemisza, que se puede ver desde el 1 de julio al 24 de septiembre de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “San Juan Evangelista en Patmos” (1470-1475) de Cosmè Tura perteneciente a la Sección Alquimia de la exposición en diálogo con “Naturaleza Muerta” (1979) de Sánchez Kelly.

La figura central de apariencia relajada (San Juan), sostiene en su mano izquierda un libro y sobre el brazo descansa un ave de color oscuro (Águila). La actitud del retratado alude a la necesidad que tiene el hombre de reflexionar y dedicar tiempo a la soledad, al descanso y a la introspección. El pájaro, de grandes dimensiones, parece acechar u obstaculizar este momento. Podría representar el esfuerzo que debemos hacer para interiorizar, de lo contrario, las fuerzas de lo superficial y de lo material pesan, dificultando esa actividad necesaria e imprescindible para el ser humano. El paisaje que completa la obra, de apariencia irreal, podría aludir al inconsciente repleto de ensoñación que, a menudo, también interrumpe el diálogo vital profundo ineludible para comprender la realidad.

El tiempo, tema recurrente en la obra de Sánchez Kelly, hace acto de presencia en “Naturaleza muerta” donde el presente, simbolizado por la mesa, está acompañado de una figura humana enmarcada a la izquierda y dos marcos vacíos cercanos a la ventana.

Los marcos parecen apuntar a lo efímero de la vida y de las circunstancias que van apareciendo y desapareciendo, dejando una huella casi imperceptible que no podemos apresar de forma material, porque todo nace y muere constantemente.

¿Qué nos queda al final del proceso vital? Un mensaje que debemos descifrar, simbolizado por la manzana roja partida por la mitad junto a otra entera de diferente variedad. Ambos frutos, distintos pero iguales, nos conducen a incidir en que las apariencias formales no son importantes, que más allá de ellas, existe un hilo común que nos hace a todos uno.

Cosmè Tura, con “San Juan Evangelista en Patmos”, hace hincapié en la inevitable toma de contacto con el interior del ser humano, mientras que Sánchez Kelly, a través de “Naturaleza muerta”, nos recuerda que el tiempo es efímero y que lo importante es ser conscientes de nuestra auténtica naturaleza.

Obras

Cosmè Tura. “San Juan Evangelista en Patmos” (1470-1475). Temple sobre tela.

Sánchez Kelly. “Naturaleza Muerta”( 1979). Acrílico sobre madera.

Lo oscuro en las colecciones del Thyssen Bornemisza

Fri, 11 Aug 2023 22:06:26 GMT

En agosto de 2023, se exhibe en Madrid una muestra perteneciente a la colección de la familia Thyssen Bornemisza y Carmen Thyssen. Se trata de una selección y reinterpretación de obras pertenecientes al fondo, presentadas desde la perspectiva de «Lo Oculto» por la dirección del Museo Nacional Thyssen Bornemisza en Madrid.

El catálogo se inicia con un texto que sintetiza la exposición: «Anclado en lo terrenal, realizado con herramientas físicas y palpables, el arte tiene la capacidad de adentrarse en aquello que desborda la razón. Un cuadro puede ser también la puerta de entrada a lo invisible, expandiendo la mirada más allá de lo imaginable, lo racional, lo común y cotidiano» 1.

A lo largo de la historia del arte, se ha contado con artistas que han mostrado interés por lo oculto desde la antigüedad. Creadores de diversas latitudes y épocas plasmaron, a través del lenguaje simbólico, mensajes cifrados y ocultos, descifrados solo por iniciados. Lo esotérico, en su sentido más amplio, es una disciplina secreta cuyos orígenes se remontan al antiguo Egipto. Incluye conocimientos diversos como la alquimia, la adivinación, la astrología, que sobrevivieron gracias al hermetismo de quienes lo practicaban, integrados en grupos o sociedades secretas y al disimulo que siempre les envolvió. En el siglo XIX surgen otros movimientos como el espiritismo y la teosofía.

«Lo oculto», en la exposición que comentamos, se circunscribe exclusivamente a las obras pertenecientes a la colección Thyssen- Bornemisza y Carmen Thyssen, cuyo recorrido comprende la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento hasta el siglo XX, con la pretensión de que las obras seleccionadas adquieran una nueva dimensión y sentido a la luz y el prisma de lo esotérico.

La exposición se presenta en siete secciones: Alquimia, Astrología, Demonología, Espiritismo, Teosofía, Chamanismo y Sueños, Oráculos y Premoniciones. En cada sección se ofrecen pinturas de artistas que los historiadores sitúan en alguna de estas siete categorías. Dada las limitaciones de este espacio, solo ofreceremos una definición de la sección, el nombre del artista incluido en la misma y la fecha de la obra expuesta.

ALQUIMIA: es una antigua disciplina cultivada en civilizaciones de Oriente, China, India y el mundo islámico. «Conjunto de especulaciones y experiencias, generalmente de carácter esotérico, relativas a la transmutación de la materia, que influyó en el origen de la química».(RAE) También es considerada una metáfora vinculada a la búsqueda espiritual. En la exposición se exhiben varias obras pertenecientes a la Escuela de Ferrara –mitad del siglo XV- atribuidas a esta práctica. En nuestra cultura se atribuye una obra de Max Ernst «Árbol solitario y árboles conyugales» de 1940, a esta disciplina y, a Lucio Fontana con la obra «Venecia era toda de oro» del año 1961.

ASTROLOGÍA: es un conocimiento y práctica cultivada desde la antigüedad que predice el carácter y sucesos del mundo a través de la observación y estudio de los astros. En la historia del arte, han dejado huella artistas que mostraron interés en estos temas, destacan Bramantino con «Cristo resucitado», año 1490; Sebastiano Ricci, hacia 1694; Georgia O´ Keeffe con «Calle de Nueva York» 1925; Joan Miró con «Campesino Catalán con guitarra» 1924; Matta 1942; Joseph Cornell (1949).

DEMONOLOGÍA: este tema está presente en toda la historia de la iconografía cristiana, especialmente en el Renacimiento y Barroco, simbolizado a través de figuras grotescas que lo encarnan. Destacan obras de Vitale da Bologna «La crucifixión» hacia 1335. Alberto Durero «Jesús y los siete doctores» 1506; José de Ribera «La piedad» 1633 y Peter P. Rubens (Taller) hacia 1622.

ESPIRITISMO: conocimiento y práctica que nace a mediados del siglo XIX inspirado por Emanuel Swedenborg y Franz Mesmer como comunicación con los espíritus de los muertos. Algunas de las pinturas que se exhiben en esta sección, se atribuyen a artistas que cultivaron el espiritismo o pintaron espíritus o describieron un paisaje que evoca encuentros espiritistas. Destacan: Martin Johnson Heade (1866); Willard Metcalf «El picnic» 1907; Edvard Munch «Atardecer» 1888; Henri Le Sidaner «Tarde de Otoño» 1895; Ives Tanguy «La muerte acechando a su familia» 1927.

TEOSOFÍA: la Sociedad Teosófica fue fundada en Nueva York en 1875 por Helena P. Blavatsky y Henry S. Olcott con el fin de promover, entre otros, el estudio comparativo de las religiones orientales y sistemas filosóficos y la investigación y estudio de los fenómenos naturales y poderes latentes en la humanidad. Destacan en la exposición pinturas de F. Kupka «Localización de móviles gráficos I» (1912); Wassily Kandinsky «Pintura con tres manchas, nº 1» (1914) ;Piet Mondrian «Composición de colores nº 1 con rojo y azul » (1931).

CHAMANISMO: se trata de prácticas de carácter religioso cultivada en sociedades indígenas y tribales, especialmente de Asia y América. Se tienen referencias de que en el Romanticismo y especialmente en los movimientos vanguardistas, muchos artistas han tratado de plasmar en sus obras características de estas prácticas. Destacan varias obras de Pablo Picasso entre ellas «Corrida de toros» (1934); Jackson Pollock «Marrón y plata I» (1951); Ives Tanguy «Números imaginarios» (1954).

SUEÑOS, ORÁCULOS Y PREMMONICIONES: con el surrealismo surgen, casi como una obsesión por las antiguas disciplinas de lo oculto, frecuentes prácticas de estados de trance y escritura automática. Se daba especial relevancia a los sueños en un intento por trascender la dualidad espacio-tiempo. Destacan artistas como Balthus con «La partida de naipes» (1948-1950); Salvador Dalí con varias obras, entre ellas «Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada, un segundo antes del despertar» (1944); Ives Tanguy «Una y otra vez» (1942); René Magritte «La llave de los campos»1(936); Francis Bacon «retrato de George Dyer en un espejo» (1968).

En esta excelente exposición, cada obra va acompañada de un relato explicativo en el marco de la sección a la que se atribuye su pertenencia. Obra y relato ofrecen al espectador una visión renovada, no solo de la obra y del artista, sino de su significación simbólica en el universo de «Lo Oculto» desde el escenario del arte.

Silvia Kum - Sánchez Kelly. La existencia, un manantial inagotable. Dudas y miedos son inherentes a la naturaleza humana

Sat, 29 Jul 2023 11:18:36 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos a la artista plástica argentina Silvia Kum (Argentina, 1958). En este artículo comentaremos la obra titulada “Sueño Azul” (2022) de Silvia Kum en diálogo con “Dos figuras” (1969) de Sánchez Kelly.

Las tonalidades rojas en el centro del cuadro captan la atención en primer término, provocando que la mirada se inserte de lleno en ellas, estimulando una primera reflexión: las dudas y, en cierto sentido, los miedos, son inherentes a la naturaleza humana. Una sensación de precaución y proporcionalidad entre nuestro ser y el entorno, nos invade a menudo, provocando cerrazón. La clave radica en meditar sobre la presencia de dicho sentir en nosotros -sugiere la artista más arriba-, donde podemos contemplar, a través de color blanco seguido de una pirámide o triángulo cuya continuidad se desdibuja en el horizonte superior, cómo nos invita a entablar una más estrecha relación con nosotros mismos.

Diversos matices rodean a la figura central, aludiendo quizá a los distintos modos de vivir y de ser que existen en el universo vital y que influyen constantemente en el individuo acechándolo y empujándolo a una constante toma de postura que le permita seguir navegando por el manantial inagotable de nuevas exploraciones que implica la existencia.

El color azul en la base del cuadro nos recuerda que todo es posible a través de la creación individual, pero es necesario ensamblar las piezas del rompecabezas para llegar a conclusiones válidas. Existe una nebulosa de oportunidades que el ser humano necesita despejar; de lo contrario, ella avanza, obligándolo a resituarse y decidir.

El ser humano y sus múltiples facetas están retratados en este cuadro de 1969 de Sánchez Kelly. Las ataduras internas, los sinsabores, las limitaciones impuestas y autoimpuestas, los malentendidos, las diferencias que con frecuencia marcan distancias irreconciliables, son algunos de los matices que podemos percibir en las figuras retratadas. El juego de colores y las recurrentes formas geométricas entablan un diálogo preciso que incita al espectador a explorar cada rincón de esta obra para desentrañar los diversos aspectos en que está dividida.

Interminables paisajes podrían guiar la observación y llenarnos de información, sin embargo, Sánchez Kelly sabe encajar las piezas del escenario vital retratado, de tal modo que cada situación es una continuidad de la siguiente y cada espacio encaja perfectamente con el adyacente, conformando un entramado en el que es difícil discernir el final. Detrás de las aparentes definiciones formales se intuye la unidad que nos conforma y que lo impregna todo.

Silvia Kum en “Sueño azul”, nos recuerda la imperiosa necesidad de vincularnos con nosotros mismos y con el mundo desde una órbita consciente. Sánchez Kelly en “Dos figuras” nos llama la atención acerca de aspectos intangibles que nos conforman y nos empujan a interrogarnos acerca de lo esencial que todo lo cubre.

Obras

Silvia Kum. Sueño azul. Acrílico sobre lienzo. Año 2023. 70x50cm.

Sánchez Kelly. Dos figuras. Óleo sobre madera. Año 1969. 73x83cm.

De Stefano - Sánchez Kelly. Conceptos previos asolan a la humanidad y la despojan de lo verdadero.

Sat, 15 Jul 2023 19:57:32 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el Centro Cultural Casa de Vacas en Madrid y asistimos a la exposición “Pintando diversidad” de Marcelo De Stefano, que se puede visitar desde el 30 de junio al 30 de julio de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “The Embrace” (2021) de Marcelo De Stefano en diálogo con “La columna de América” (2010) de Sánchez Kelly.

La unión de los opuestos, así como su latente fragmentación, son aspectos que podemos apreciar al aproximarnos inicialmente a la obra The Embrace. El círculo dorado, que une las dos secciones en que está dividido el cuadro, nos acerca a lo universal, lo esencial y lo sagrado, asumiendo que en esa unión coexisten los polos opuestos. Estas situaciones nos llevan a concluir que podemos existir en la constante dualidad, pero más allá, hay un mismo vínculo que engloba todas las verdades, convirtiéndolas en una. Las manchas amarillas y blancas parecen abrirnos hacia los distintos estereotipos que conviven en cada individuo, impidiéndole a menudo una conexión más sutil con lo auténtico que es uno, poderoso e inmanente. Divagar en el paisaje virtual de la mente puede arrastrarnos a sucumbir con facilidad a los núcleos más complejos de la naturaleza humana, dificultando la claridad necesaria para comprender lo real.

En 2010, Sánchez Kelly realiza la columna de América, donde nos presenta dos núcleos cerrados que parecen enfrentados o separados por un hilo central. Los gruesos trazos negros resaltan sobre el fondo blanco, conduciendo al espectador a intentar desvelar las claves que encierra lo misterioso y lo que no se ve con claridad. El artista dibuja con destreza y cuidado, dos enormes bloques enfrentados que parecen necesitar conciliarse para abrirse. Las líneas azules que cruzan, uniendo ambos bloques, puede aludir al diálogo como único medio capaz de logar claridad y certeza.

De Stefano nos incita, a través de su trabajo, a reflexionar sobre los conflictos propios encapsulados en argumentos que, aunque válidos, pueden limitarnos hasta convertir nuestro entorno en un espacio difícil de soportar.

Sánchez Kelly resalta el espectáculo existencial reinante, donde un conglomerado de conceptos previos que encierran, asola a la humanidad, despojándola de herramientas efectivas que aporten luz y la aproximen a lo verdadero.

Obras

Marcelo de Stefano. The Embrace (Diptic). Acrílico sobe lienzo. 100x200cm. Año 2021.

Sánchez Kelly. La columna de América. Acrílico sobre papel. 22x30. Año 2010.

Marina Salaverri - Sánchez Kelly. Necesidad de construir con coherencia el edificio vital. El sí mismo único referente válido.

Sat, 08 Jul 2023 09:02:33 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos el estudio de la artista plástica española Marina Salaverri (Madrid 1968). En este artículo comentaremos la obra titulada “La naturaleza” acrílico sobre lienzo del año 1988 de Marina Salaverri en diálogo con “Amerindia” (2003) de Sánchez Kelly.

En la base del cuadro, como si representara a la tierra de color rojo, la artista nos habla de fuerza y de la importancia de establecer fundamentos sólidos para construir con coherencia el edifico vital que conforma una vida humana. Si en dicha base existen momentos divididos o aislados sin aparente cohesión, puede suceder que el individuo tarde en madurar o que perciba al mundo y a sí mismo como dos entes separados.

Los diversos trazos de colores y formas dispersas en esta sección del gráfico nos muestran una particular forma de ver la realidad por parte de su autora, resaltando a la vez una personalidad abierta, introspectiva y disidente, con ciertos toques de originalidad en su modo de concebir la realidad. En la medida en que esa realidad se amolda a su particular visión, es aceptada; por el contrario, en la medida en que no, es desplazada para su observación minuciosa. Concurre un afán por entender, a la vez que una necesidad de encajar en el ambiente vital al que pertenece.

Más arriba, en el siguiente plano del gráfico- pintado de color marrón rojizo-, encontramos un espacio donde las verdades que surgen como síntesis de vida florecen. A su vez, los elementos se disponen siguiendo un orden o una ilación, destacando el color blanco predominante alrededor de las figuras. Este color denota estados de alegría, de vitalidad, de encuentro con la vida, de relaciones pacífica con el entorno, fruto de una conclusión previa a la que el ser humano se halla ya enraizado.

En el tercer y último plano, de color azul, las formas vuelven a dividirse e incluso a tomar distancia unas de otras, buscando un espacio donde expandirse para hallar su verdadera identidad.

Tres momentos distintos con características propias hallamos en esta creación de Marina Salaverri que subraya sobre todo los estados internos por los que atraviesa el ser humano en su camino de la vida, colocando como síntesis la necesaria toma de contacto con el sí mismo como único referente valido para seguir avanzando y poder plasmar en la realidad el sello personal que es imprescindible para que otros puedan seguir su estela.

Marina Salaverri resume en esta composición los diversos estados por los que atraviesa el ser humano en el camino del despertar como ser existente en el mundo.

Los conflictos, dentro del marco de las relaciones que se establecen entre los individuos, encierran dentro de si grandes puertas que es necesario abrir para penetrar y seguir en el camino de la introspección. Sánchez Kelly en “Amerindia”, nos dibuja un gran cuadrado blanco insertado dentro de dos planos contrapuestos: el plano inferior, de tonalidades marrones, negras o naranjas principalmente, parece absorber o retener a la figura central donde se distinguen diversas formas, sobre todo triángulos y puntos, que confluyen generando un laberinto de compartimentos que se entrelazan. La clave parece estar en lo que resulta de esa confluencia que toma un camino y busca una salida que marque nuevamente un sendero claro.

En el plano superior de color naranja, se observan tres símbolos que parecen estar suspendidos o flotando en el espacio, como observadores o testigos de lo inevitable: la toma de contacto con los otros.

Las fronteras, barreras o límites que atraemos hacia nosotros, a menudo, son saltos evolutivos necesarios que producen claridad con el paso del tiempo, generando la profundidad que cada uno somos capaces de realizar en nuestro interior.

Entre penumbras y luces navegamos en el camino de la vida, plasmando constantemente nuestro potencial que solo puede desarrollarse en la acción constante. Sánchez Kelly lo pone de manifiesto en esta obra, haciendo hincapié en la necesaria e inevitable interrelación con los otros, como camino idóneo para la recreación.

Salaverri, con “La naturaleza”, nos recuerda los diversos estados que se hallan implícitos en la naturaleza humana y a cuyo desarrollo estamos abocados.

Sánchez Kelly, con “Amerindia”, nos coloca frente a los conflictos para que podamos entender que nada es malo o bueno, sino que aquello que forma parte del ser humano debe ser comprendido e integrado.

Obras

Marina Salaverri. “La naturaleza”. Acrílico sobre lienzo. Año 1988. 100x84cm

Sánchez Kelly. “Amerindia”. Acrílico sobre lienzo. Año 2003. 11x12cm

Antoni Tàpies- Sánchez Kelly. Aún en la oscuridad, la luz permanece

Mon, 03 Jul 2023 08:55:08 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la CaixaForum de Fundación La Caixa en Madrid y asistimos a la exposición “Dioses, Magos y Sabios. Las colecciones privadas de los artistas”, que se puede visitar desde el 26 de abril al 20 de agosto de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Gris con trazos negros nº XXXIII” (1955) de Antoni Tàpies en diálogo con “Cuadro de situación” (1996) de Sánchez Kelly.

Las dificultades soterradas que atenazan al ser humano podrían ser el tema principal de esta obra de Antoni Tàpies, cuyo fondo gris nos habla de todo lo que es inevitable y que el hombre apenas puede intervenir con su voluntad para modificarlo. Los trazos negros en la base del cuadro ponen de relieve, más si cabe, esa obligada ausencia del hombre en muchas de las cuestiones vitales que le sobrevienen. El ambiente del cuadro nos traslada a una realidad sin tiempo para que abracemos nuestra identidad de lleno y seamos, quizá, más conscientes de que la creación nos arrastra, a menudo, para colocarnos en una posición que nos permita divisar otras cuestiones que no hemos tenido presente.

Con frecuencia, el hombre se deja llevar por su ímpetu sin tener en cuenta su verdadera naturaleza: los misterios que alberga dentro de sí no llaman su atención y ese olvido puede estar detrás de múltiples acontecimientos que, en un primer momento, se pueden percibir como adversidades, pero que a su vez sirven para conducir y mostrar verdades ocultas.

Cuando las adversidades acechan, el hombre busca nuevas salidas y se enfrenta de lleno consigo mismo, saliendo al paso con los recursos que lleva dentro, para evitar ser absorbido por una realidad que no entiende. Lo que aparenta oscuridad atrae luz, más allá, cuando sabemos observar con ojos verdaderos lo que nos ocurre.

En “cuadro de situación” cuatro trazos negros dirigen la mirada hacia el centro de la figura, desde donde emanan signos que parecen esparcirse en varias direcciones, como restos que perviven más allá de la oscuridad que acecha.

Sánchez Kelly resalta en este gráfico su particular visión de la realidad como algo aparente o circunstancial, dejando paso a lo esencial que aflora siempre detrás.

En “Gris con trazos negros nº XXXIII”, Tàpies resalta la necesidad de ser conscientes de que la voluntad no es determinante en el camino de la existencia, hecho esencial para redirigir la atención a nuevos campos de actuación más sutiles.

En “Cuadro de situación”, Sánchez Kelly nos recuerda que, a pesar de la aparente oscuridad en la que nos puede sumergir la existencia material, lo esencial permanece.

Obras

Antoni Tàpies. “Gris con trazos negros nº XXXIII” (1955). Técnica mixta sobre lienzo.

Sánchez Kelly. “Cuadro de situación” (1996) de Sánchez Kelly. Punta seca

Miquel Barceló - Sánchez Kelly. La evolución nunca se detiene. Todo principio atrae su final

Sat, 17 Jun 2023 17:02:27 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la CaixaForum de Fundación La Caixa en Madrid y asistimos a la exposición “Dioses, Magos y Sabios. Las colecciones privadas de los artistas”, que se puede visitar desde el 26 de abril al 20 de agosto de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Mesa dibujada” (1991) de Miquel Barceló en diálogo con “Número Diez” (1990) de Sánchez Kelly.

Los conflictos generan alrededor consecuencias impredecibles. Todo lo que rodea a una determinada cuestión es atraído, aparentemente, sin un sentido claro, sin embargo, siempre existe un orden detrás, que va aglutinando lo similar o lo que tiene rasgos comunes y que deben ser movidos para seguir su evolución.

La evolución nunca se detiene. Todo principio atrae su final, pero en dicho final persiste la continuidad de alguna u otra forma, en lo material. Barceló procura atrapar en un instante ese orden que albergamos como seres humanos y que se halla implícito en la naturaleza, sin discusión. El fondo del cuadro enmarca esta realidad y es allí donde el artista inserta su peculiar visión, tal vez derrotista, acerca de la singularidad inevitable que acompaña a lo manifestado y de la que nada ni nadie puede escapar. Toda una exaltación del devenir que en algún momento aterroriza y que, a menudo, no nos permitimos sentir, evadiendo así una toma de conciencia más profunda del proceso humano. Los tonos oscuros y algo tétricos de la obra, también acompañan gráficamente el mensaje que su autor pretende transmitir.

El tumulto y la confusión agrandan el problema de la existencia. que debe ser abordado desde la individualidad. Frecuentemente, el paisaje global no facilita la calma necesaria para hallar respuestas, retrasando las oportunidades albergadas en cada ser humano. Sánchez Kelly plantea el problema de la confusión en este acrílico de 1990 titulado “Número diez”, donde la incomunicación dentro de cada individuo, provoca guerras internas y externas. Los colores oscuros reflejan la problemática de las sombras ocultas detrás de la realidad aparente, que solo se traslucen cuando estallan, dejando secuelas, muchas veces, irreversibles. El fondo del cuadro, en contraposición con la trama central, impacta en el espectador produciendo un choque frontal con su realidad aparente, para impulsar a esa toma de conciencia necesaria que impregne de verdad, sabiduría y templanza al ser humano.

Barceló nos induce con “Mesa dibujada” a evaluar la realidad circundante, evitando dormirnos en lo aparente, circunstancial y oscuro de una existencia olvidada de lo trascendente. Sánchez Kelly con “Numero diez” incide en la importancia de vivir centrado en la individualidad, como único marco adecuado para no perdernos en la irrealidad y en lo superfluo.

Obras

Miquel Barceló. Mesa dibujada. 1991. Técnica mixta sobre lienzo.

Sánchez Kelly. Número diez. 1990. Acrílico sobre papel.

Amadeo Modigliani - Sánchez Kelly. La vida lleva implícita luz y oscuridad

Sun, 11 Jun 2023 09:00:42 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Musée d`Art Moderne de París. En este artículo comentaremos la obra titulada “Mujer de ojos azules” (1929) de Amedeo Modigliani (Livorno 1884- París 1920) en diálogo con “Penumbra” de Sánchez Kelly.

El fondo gris resalta la figura principal (Mujer de ojos azules) vestida de negro intenso que contribuye a marcar un ambiente de cierta melancolía, que envuelve todo el cuadro y al espectador lo transporta a un hipnótico viaje hacia lo recóndito de su alma, donde se esconde la tristeza, el desasosiego, la falta de ímpetu verdadero, que empuja y arremete contra las circunstancias para superar las barreras que se levantan en lo aparente. Ese viaje, necesario para descubrir el origen de nuestra verdadera identidad, se halla oculto detrás de esta estampa de apariencia impertérrita. De trazos sencillos y rasgos desdibujados, Mujer de ojos azules no pasa desapercibida.

Modigliani nos arrastra, con una simple mirada, a recorrer el vasto panorama de los rincones oscuros del alma y nos impulsa a dialogar con nosotros y a establecer un nexo fiable que nos permita crecer.

En “Penumbra” Sánchez Kelly nos habla sobre las circunstancias adversas que acechan y empujan hacia la toma de postura (colores oscuros alrededor de la cabeza); las preocupaciones o miedos que se despiertan en el individuo generan tormentas y confusión a la hora de interpretar adecuadamente los efectos que se van a producir en el camino vital.

La figura se halla enmarcada, de algún modo, en conflictos o cuestiones que no entiende, representadas en el gráfico con diversas líneas que parecen querer atravesar la efigie. Mas allá, los colores blancos que iluminan el rostro, en consonancia con algunas líneas del mismo tono en el fondo, señalan que la realidad también nos trae la solución, cuando se generan dentro de nosotros, temores o cautelas. La vida lleva implícita la luz y la oscuridad. Ambas son necesarias para poder encontrarnos en el centro, en la unidad con todo.

Sánchez Kelly, nuevamente, nos conduce paulatinamente hacia la percepción de lo inmaterial, único camio válido para hallar el sentido de la existencia.

Modigliani con “Mujer de ojos azules” nos impulsa a la observación y Sánchez Kelly con “Penumbra” nos señala caminos de solución.

Obras

Modigliani. Mujer de ojos azules. Óleo sobre lienzo 1918

Sánchez Kelly. Penumbra. Acrílico sobre papel. 8,5x9cm.

Andrè Masson Sánchez Kelly. El sentido de la vida no es entendible desde la razón exclusivamente

Sun, 04 Jun 2023 09:21:37 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En este artículo comentaremos la obra titulada “La familia en metamorfosis” (1929) de André Masson (Francia 1896-1987) en diálogo con “Partículas desunidas” (1977) de Sánchez Kelly.

Lograr entender la naturaleza humana, cuando la observamos, a veces, se torna una tarea incierta. El lienzo nos habla del cambio o de la no permanencia, de lo volátiles que son las formas o de lo sutil que es el presente, donde nada está estático, donde lo que era ya no es. El artista parece intentar atrapar el tiempo, en un intento por lograr algo de permanencia que le indique más fácilmente el camino a seguir.

Las formas del cuadro aparecen desdibujadas generando un ambiente cercano a la sinrazón, dando paso a lo imaginario; a la vez los colores nos transmiten una sensación de ahogo o un sentimiento de enfado o protesta por las adversidades que no se comprenden, propiciando el desorden vital, la tristeza e incluso el enfado.

El autor hace una proclama sobre la existencia humana: todo es efímero o circunstancial, el paso del hombre no es entendible desde la observación humana, exclusivamente, donde los cambios, en apariencia incoherentes, no dan lugar a certezas que allanen el camino.

Lograr atrapar el tiempo y poder descifrar la existencia en un minúsculo instante, puede dar lugar a una visión completa de la misma. Solo con atrapar un instante el hombre, ciego por tanto barullo y movimiento externo, puede zafarse de su aparente contexto e introducirse gradualmente en otro distinto, donde las leyes de percepción cambian completamente y otorgan sentido a lo que simula desordenado.

En esta obra, perteneciente a la serie universo, Sánchez Kelly aborda con absoluta certeza su tesis de que la percepción es lo que el ser humano debe modificar, si desea comprender el significado de la creación.

El tiempo, representado en la base del cuadro por las formas rectangulares, retienen en su interior un círculo con contenido. Dicho contenido asciende hacia el centro del cuadro convirtiéndose en un punto que alberga claridad y destellos de luz, que disipan la confusión.

Masson con “Metamorfosis de la familia” nos traslada a un escenario vital sin tiempo, para meditar acerca de la incongruencia del comportamiento humano.

Sánchez Kelly, años después, percibe ese mismo contexto desde una óptica diferente, que es la única capaz de aportar lucidez al atropello y al desconcierto que parecen reinar en el mundo manifestado.

Obras

André Masson. “La familia en metamorfosis”. Óleo sobre lienzo. Año 1929

Sánchez Kelly. “Partículas desunidas”. Óleo sobre lienzo. Año 1977

Los canalizadores de contenidos verdaderos. Sánchez Kelly El tiempo fortalece y actualiza su mensaje.

Sun, 28 May 2023 08:36:10 GMT

Cuando hablamos de Sánchez Kelly se abre en el horizonte un abanico de cuestiones: ¿Quién fue el artista? ¿Dónde están las claves de su creación? ¿Hacia dónde nos conducen sus trabajos, que nos siguen acompañando de forma cotidiana, por ejemplo, si paseamos por la Universidad Nacional del Nordeste y nos encontramos con algunos de sus dos magníficos murales: Tempo y Alegoría de los estudios universitarios?

La síntesis de su obra nos encamina a preguntarnos por “el sentido”, tanto si contemplamos trabajos de sus inicios como del final de su carrera artística. Sus estampas nos impulsan a querer saber algo más, a averiguar qué ocurre, como si algo que no vemos, estuviera empujándonos a decir o realizar alguna acción suplementaria, que no habíamos considerado antes.

“El sentido” y también “el impulso” nacen siempre que nos hallamos frente a una de sus creaciones. Esa capacidad de comunicar sin palabras y provocar en el espectador nuevos interrogantes, solo la poseen los grandes canalizadores de contenidos verdaderos. Sánchez Kelly albergaba esa capacidad innata que sobresalía de la persona y lograba llegar, de modo sintético, a todo ser receptivo que estuviera delante de él o de sus obras.

Lo que convierte a los artistas plásticos en eternos, es que el paso del tiempo no perjudica jamás su mensaje, que consigue permanecer y actualizarse una y otra vez, al encuentro con las miradas de las nuevas generaciones que pasan delante de sus creaciones.

Todo artista plástico es ante todo un transmisor y un transgresor que se debate constantemente entre la luz de la creación y la sombra de lo aparente, que irradia con más fuerza, a menudo, porque conecta más rápido con la retina y con la mente que juega a otorgarnos una estabilidad que, en realidad, encierra y ahoga hasta el punto de cegar y robarnos la auténtica poesía vibrante de lo novedoso, que sí nos lleva a crecer, a buscar más, a seguir evolucionando.

Las grandes claves de la obra de Sánchez Kelly, por lo tanto, debemos continuar buscándolas dentro de cada uno de nosotros. La contemplación de cualquiera de sus figuras nos abstraerá del mundanal ruido y de lo aparente, y nos sumergirá en las profundidades que albergamos sin ser muy conscientes de ellas. Como él mismo dijo con ocasión de la inauguración del mural Tempo: “…toda manifestación artística moderna, reclama su derecho a ser contemplada activamente, necesita de otros para sentirse completa…”.

La falta de comprensión profunda genera sufrimientos. Joan Genovés- Sánchez Kelly

Sun, 07 May 2023 20:47:10 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la Fundación Bancaja (Valencia) y asistimos a la exposición “Joan Genovés, que se puede visitar desde el 2 de diciembre de 2022 al 16 de abril de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “A través de los círculos” (1968) de Genovés en diálogo con “Crónica de una tarde fatal” (1989) de Sánchez Kelly.

Los movimientos revolucionarios del siglo XX encaminados a generar cambios que repercutan en un modo de vida más igualitario para todos, han arrastrado a la sociedad, en su conjunto, a distintos posicionamientos, para adaptarse a las nuevas consignas propuestas.

La migración de grandes grupos suele ser uno los efectos ocasionados por la necesaria toma de postura. La incertidumbre vital que acecha al ser humano cuando debe volver a empezar, las persecuciones y crisis que irrumpen provocando ira o temor y todo lo que envuelve a los choques frontales entre pensamientos contrapuestos, arrastra a vicisitudes contrarias a lo previamente establecido que estallan, provocando frialdad y búsqueda de nuevos valores o equilibrios. La gran masa de población se siente perdida y siempre busca un líder capaz de reconducir y lograr la estabilidad nuevamente. En ese marco, Genovés procura poner la atención en lo justo y lo injusto, recalcándolo con las distintas tonalidades de los círculos que enfocan las diminutas figuras corriendo. Enmarcar el desasosiego, la falta de solidaridad, la soledad, el aislamiento, el abuso, el temor y el obligado cambio de escenario no resulta fácil, sin embargo, en pocas pinceladas, asistimos a un gráfico que engloba mucho más de lo que parece.

Lo abrupto de la existencia provoca poco bienestar. La sinrazón y las luchas sin cuartel, revocan cualquier gesto pacífico, condenando al ser humano a vivir en pugna permanente por sus derechos. Sánchez Kelly en “Crónica de una tarde fatal”, dibuja con absoluto realismo el sufrimiento y el dolor que entraña la existencia, cuando no se poseen elementos necesarios para la verdadera comprensión. El contraste que supone el negro sobre el blanco acentúa el mensaje del artista sobre la crudeza de la vida y la fragilidad del individuo frente a la adversidad.

Observar esta obra nos empuja a meditar acerca de nuestros comportamientos y nos impulsa en la dirección de ser más conscientes de lo que somos y de lo que albergamos, de tal modo que nada nos pase inadvertido como símbolo de una búsqueda franca del sentido que posee la creación.

Genovés pone énfasis en la humanidad como un solo ente que camina hacia un mismo fin. Sánchez Kelly resalta el dolor como síntoma claro de que no podemos luchar en contra del destino y de que es imperioso buscar nuevas claves que conduzcan a la liberación de los condicionantes que impiden al hombre reinar en plenitud.

Obras

Joan Genovés. A través de los círculos. Año 1968. Óleo sobre lienzo.

Sánchez Kelly. Crónica de una tarde fatal. Año 1989. Carbón sobre papel. 70x100cm

Fernando Botero- Sánchez Kelly. Comprendernos para comprender

Mon, 01 May 2023 16:22:37 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la Fundación Bancaja (Valencia) y asistimos a la exposición “Fernando Botero. Sensualidad y Melancolía, que se puede visitar desde el 10 de marzo al 3 de septiembre de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “De paseo” (2003) de Botero en diálogo con “Las Miradas” Serie Pasajeros (2009) de Sánchez Kelly.

“De paseo” utiliza como figura principal a la mujer, símbolo recurrente en la obra de Botero. Lo femenino, realzado por la vestimenta y el color rosa, nos habla de una realidad interior que pretende ponerse de manifiesto, a la vez que remarcar valores como la sensualidad, la maternidad o lo misterioso. El personaje se dirige con determinación-mano derecha sin guante-, hacia un espacio incierto que el pintor insinúa, a través de la puerta entreabierta.

Los desafíos y la búsqueda de nuevos horizontes a los que se ve abocado constantemente el ser humano, son puntos clave en esta obra que, con pocos detalles, abraza un mensaje coherente, lleno de brillantez. La singular maestría de Botero la hora de retratar la realidad del ser humano (dudas, sinsabores, desencuentros, esperanzas, obsesiones, etc.) utilizando cuerpos gruesos para hacer hincapié, más si cabe, en su mensaje principal, resulta del todo original.

“Las miradas” pertenece a la serie pasajeros realizada en el año 2009. Sánchez Kelly representa en esta obra, realizada con la técnica de punta seca iluminada, al ser humano y una de sus circunstancias más triviales, sin embargo, detrás de esta apariencia también podemos observar las dudas y la incertidumbre vital, los ruegos y esperanzas, el sentido el deber y la lucha por alcanzar los objetivos que inciden en el comportamiento, en los hábitos, en las pugnas más ocultas que, a menudo, encierran impidiendo un trato afable y cordial, que es la base para alcanzar el sentido verdadero.

Los diversos matices de colores utilizados con claroscuros también ponen de manifiesto la gama de sensaciones que frecuentemente invaden e impulsan a bucear cada vez más, en la dirección de hallar certezas nuevas que impulsen y no provoquen separación.

Botero, a través de “De paseo”, nos empuja a mirar con detenimiento el lugar que ocupamos en el mundo y hacia dónde vamos, cómo realizamos nuestro viaje de apreciaciones y qué conlleva que escojamos uno u otro camino.

Sánchez Kelly llama nuestra atención sobre los impulsos ocultos y la relación que mantenemos con nosotros mismo y con nuestro entorno, incidiendo también como Botero en la necesidad de comprendernos para comprender.

Obras

Botero. De paseo. Óleo sobre lienzo. Año 2003.

Sánchez Kelly. Las Miradas. Punta seca iluminada sobre papel. Año 2009.

Sánchez Kelly Serie Oro del Dibujo. Desprendimiento II

Sat, 22 Apr 2023 08:02:42 GMT

En desprendimiento II del año 1976 Sánchez Kelly nos presenta un escenario con dos planos uno inferior y otro superior. En el inferior, que podemos asociar con la tierra, con lo material o con el ser humano, el artista representa a este último disperso o dividido y, a su vez, encerrado en multitud de aspectos de sí mismo o en tendencias que lo conforman, aunque no puede llegar a comprender su raíz.

La tendencia se encuentra en la parte superior del diagrama, y la base o estado desde donde se parte, se halla representado en la parte inferior.

El circulo superior nos habla de unidad, de perfección. El ser humano, por lo tanto, ha de tender a la unidad, a una sola visión, a un solo estado, a la integración, a comprender los engranajes profundos que lo conforman; ese es el camino, la dirección a seguir. Este círculo representa también lo perfecto, el estado donde todo encaja, donde no hay fisuras. Es el ser completo.

Cuando no se hallan salidas claras, el individuo imagina algo que a su modo de ver es perfecto y tiene los ingredientes que cree que le pueden otorgar la tan ansiada felicidad, que no es más que la búsqueda de sentido de la vida. Sin embargo, ese mundo imaginado, no siempre es alcanzado, tal vez como un medio para impulsar el valor del presente. Toda conexión con lo material nos permitirá avanzar, no tanto hacia la meta propuesta, sino hacia lo verdadero y profundo que se halla detrás. En este sentido, no existe camino infructuoso, no existe error.

La aspiración, generalmente impulsa, pero no es real, es una copia de lo real; sirve en un primer momento para mover engranajes sensibles que han de ponerse en marcha en el proceso de la recreación, de existir, pero más allá debe haber un motor sin motivo. Ese motor es consustancial al ser humano, se halla en su naturaleza, es la naturaleza misma que se mueve sin intervención de ninguna voluntad previa.

Sánchez Kelly nos recuerda en este gráfico que no debemos olvidar que la realidad es un gran símbolo y que no debemos dejarnos confundir por su brillo aparente.

Desprendimiento II

Año 1976

Lápiz - tinta sobre papel

35x49 cm

Leonora Carrington - Sánchez Kelly. Diálogo con el alma que busca respuestas válidas

Sat, 15 Apr 2023 18:43:46 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la Fundación Mapfre Sala Recoletos y asistimos a la exposición “Leonora Carrington. Revelación, que se puede visitar desde el 11 de febrero al 7 de mayo de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Canción de Gomorra” (1963) de Leonora Carrington en diálogo con “Bailando” (1971) de Sánchez Kelly.

La puesta en escena de “Canción de Gomorra” pone atención en los dos personajes centrales que parecen situarse en distintos momentos vitales: la figura femenina, mucho más colorida, sobresale sobre el resto de tonalidades esparcidas en la pintura, como si fueran utilizadas de excusa para poner de manifiesto un ideal que la artista pretende remarcar. Ese ideal encarnado en la mujer, que bien podría ser la heroína de una historia repleta de crueldades o dificultades, pueden hacer referencia a vivencias personales pasadas que no fueron superadas por la autora y que, en un momento de crisis, asaltan su paleta para reflejarse de un modo disimulado, con tintes de necesidad de recibir justicia y de dejar constancia de ello.

En 1971 Sánchez Kelly pinta Bailando, donde podemos observar a una figura que remarca el movimiento, a través de pinceladas suaves que desdibujan el fondo, a la vez que una relación efímera con el tiempo y el espacio. Los trazos blancos situados en distintas partes del gráfico, resaltan lo sutil de la creación humana y en cierto sentido nos recuerdan que no debemos perder de vista las verdades profundas que encierra el individuo y que en verdad le permiten asistir a este universo de creaciones grandiosas que es la vida. Las dudas existenciales y los miedos retratados con colores amarillos y negros o marrones, respectivamente, nos conducen a centrar la mirada en aquellos pormenores para los que no poseemos respuestas.

Carrington en Canción de Gomorra nos impulsa a enfrentarnos con sigilo y pero decididamente a un diálogo sosegado con el alma que busca, más allá de la recreación, respuestas válidas que le permitan trascender y brillar. Sánchez Kelly con Bailando nos habla de la situación vital del ser humano, inundado, muchas veces por problemas de difícil entendimiento y superación, aunque con suficientes capacidades para hallar las salidas, si se centra en lo que es verdadero y escapa de un argumento superficial y caótico que no reporta bienestar.

Obras

Leonora Carrington. “Canción de Gomorra”. Témpera sobre panel de madera. Año 1963.

Sánchez Kelly. “Bailando”. Óleo sobre madera. 76x77cm. Año 1971.

EXPOSICIÓN DE SÁNCHEZ KELLY EN ARGENTINA “EL DESPERTAR” MUBA Resistencia, 21 de abril al 3 de junio de 2023

Sun, 09 Apr 2023 00:30:15 GMT

La exposición “El Despertar” la integran 24 dibujos pertenecientes al Ciclo de Oro del Dibujo de Sánchez Kelly (1970-1980) que se presentará en el MUBA -Museo de Bellas Artes- de la Ciudad de Resistencia, Provincia del Chaco- Argentina. Consta -además de los dibujos-, de un vídeo en el que Claudia G. Sánchez presenta e interpreta la obra de su padre, música de Fernando Sánchez y curaduría de Perla Guggiana. Se podrá visitar a partir del 21 de abril del cte. y hasta el 3 de junio.

El Despertar pretende poner de manifiesto la “otra” realidad que alberga la obra de Sánchez Kelly, explicando y reinterpretando sus símbolos, y poniendo de manifiesto el mensaje trascedente que la identifica. Comprende un espacio repleto de significados que desvelan la realidad interior del ser humano, realidad que lo alberga, lo circunda y lo impulsa al despertar de la consciencia, desde el escenario del arte.

En la muestra se da importancia a la simbiosis obra-relato, juntos componen un todo unido que describen el proceso creativo de Sánchez Kelly. El “relato” elaborado por Claudia Sánchez, ofrece una visión enriquecida en la que presenta cada obra de la colección enmarcada en una descripción e interpretación que le da sentido e identidad propia y, desde esta perspectiva, la creación de Sánchez Kelly se manifiesta en todo su esplendor y significado trascedente.

La exhibición se ajusta a lo que hoy demanda el arte contemporáneo: la obra es “el objeto”, la matriz, la impulsora, promotora e inductora de espacios y escenarios que trascienden sus propios límites y se enriquecen por los comentarios y las interpretaciones.

A través de los dibujos de esta colección, Sánchez Kelly nos desvela aspectos pocos conocidos de nosotros mismos, nos induce a adentrarnos en las profundidades del Ser y, desde allí, hallar la Esencia, nuestra verdadera identidad. De lo contrario, somos como árboles sin hojas que existen, están plantados en la tierra, pero no ofrecen fruto alguno porque adolecen de un ingrediente fundamental: ser la expresión de su esencia.

Estamos ante una serie cuyo matiz fundamental es ayudar a vernos, a no huir de nosotros -a despertar- a vivir y llenar nuestros propios vacíos con lo aprendido a través de la experiencia, que no es otra cosa que el camino de la vida. Desde esa visión no existe camino infructuoso, no existe error, solo vida. Por eso, nos anima a ser conscientes de que la visión interior es la única capaz de impulsarnos por el camino acertado. Todo lo demás es apariencia, ficción.

Se trata de dibujos que reflejan - de modo magistral - la forma en que se sustenta la realidad en la que cada ser humano es reflejo de otros y, ese reflejo ayuda a percibir lo propio, lo real. En estos momentos, el individuo se encuentra parcelado dividido – Sánchez Kelly- nos advierte que solo cuando todo lo que está dividido se convierta en uno, el ser humano podrá alcanzar la verdad y la comprensión de su verdadera Esencia.

En otros dibujos, Sánchez Kelly parece hablarnos de los procesos individuales, que en su confluencia, crean superestructuras donde se produce la convivencia. Esa unión o fusión es la base que sustenta la existencia colectiva tal cual la conocemos. También nos habla, de un -núcleo o centro- que contiene toda la información, ese núcleo es inteligencia pura que irradia. Sánchez Kelly podría haber representado en este trabajo -de forma simbólica- su especial percepción de la creación como expresión de una inteligencia pura que irradia, que lo abarca todo y, desde donde emana todo lo que se manifiesta y toma forma.

Solo en el desprendimiento de todo apego y en una aparente soledad, -habiéndonos integrado totalmente-, podremos alcanzar la unidad y comprender el sentido profundo de la existencia. Para llegar al último sustrato- la Esencia-, el hombre ha de terminar con las guerras y los conflictos que se hallan en su interior y, cuyo exterior lo refleja.

La obra de Sánchez Kelly alumbra e indica un sendero claro en medio de la turbulencia y oscuridad reinante.

Foto obra "Partícula interior" de Claudia G. Sánchez, es uno de los dibujos que integran la muestra: " El Despertar".

Nota: Los dibujos de la colección “El despertar” integran el contenido del libro: “Sánchez Kelly El Tercer Salto Evolutivo del Arte”; autoría de Claudia G. Sánchez y Perla Guggiana, actualmente en edición por Eternity Ediciones. Madrid.

LOS MUSEOS DE ARTE CONTEMPORÁNEO ¿CUÁL ES EL ROL DE LOS MUSEOS EN LA SOCIEDAD, HOY?

Sun, 09 Apr 2023 00:11:09 GMT

Responder a estos interrogantes no es fácil, pero, en principio, y para sujetarnos al marco en el que estamos escribiendo, los expertos reducen a dos los roles de los museos: proporcionar educación informal y diversión. Dada la trascendencia y profundidad alcanzada por la disciplina museológica, reducir a los museos a esta dualidad es decir poco.

Según Mieke Bal “si hay algo que diferencia a la “vieja” museología de la “nueva”, es la idea de que el museo es un discurso y la exposición un enunciado, dentro de ese discurso”.

Los expertos que estudian la situación de los museos, coinciden en que la renovación de las exposiciones debería empezar por la remodelación de los edificios: un ejemplo es el Museo Guggenheim de Bilbao, diseñado por el Arquitecto Frank Owen Goldberg (Franck Gehry) inaugurado en 1997; si bien es innovador y emocionante, es considerado por Beatriz Plaza (Facultad Económica Universidad del País Vasco) “una pieza gigantesca de escultura al aire libre pero con limitaciones funcionales. Es más conocido como “efecto Bilbao” que por sus valores museológicos. Fue un plan de remodelación económica local, más que un proceso de regeneración cultural y con un enfoque poco sostenible, desde el punto de vista financiero”.1

Según opinión de expertos en museología, tres son los principios desde donde deben emerger los espacios museísticos2:

1. El espacio físico del museo debe estar lo más cerca posible del “cubo blanco”, eliminando florituras arquitectónicas innecesarias.

2. El espacio debe ser lo más flexible posible, capaz de albergar muchos tipos diferentes de exposiciones.

3. La sostenibilidad financiera ha de ser parte de la planificación, de modo que se cubran los costos continuos de personal y programación.

Estos aspectos no son los que hoy están siendo considerados: el énfasis está en la economía de mercado, el consumismo, el turismo internacional, el lujo y la relevancia del museo, se va retrasando.3

¿Qué ocurre con el contenido de las exposiciones?

¿Deben acentuarse en el objeto o la idea? Hoy en día hay una tendencia a favorecer la idea, la narrativa y presentar los contenidos dentro de un contexto. Es un enfoque que no es universal y para muchos, tampoco muy exitoso.

Además de que los museos proporcionen contexto, información, relevancia y significado, es importante conocer a los visitantes, favorecer el diálogo con ellos y descubrir sus intereses.

Dado que el diálogo -es otro de los aspectos a considerar-, los museos deben proporcionar los materiales para hacerlo viable, ofreciendo a las audiencias páginas web o plataformas, listas de lectura, newsletters y, sobre todo, escuchar a sus visitantes, haciéndoles, además, partícipes de las discusiones.

Hoy, el público espera que los creadores y curadores tengan conocimientos tecnológicos, generen contenidos novedosos y respondan a sus intereses personales.

Si creemos que los museos son centros de aprendizaje, ¿cómo aprenden los visitantes a incorporar conocimientos? Si bien el aprendizaje puede ser individual, se reconoce que su aportación didáctica ha de ser una experiencia social, y sobre todo, proporcionar la comprensión de conceptos y conectar con los visitantes intelectual y emocionalmente. Han de hacerse no solo atractivos sino accesibles, pues la mayoría del público no conecta ni comprende los museos de arte contemporáneo.

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1, 2, 3, EVE Museos e Innovación. Supervivencia de las exposiciones de los museos. Publicado el 5-12.2022. Revista digital

Raventós- Sánchez Kelly. El secreto de nuestra naturaleza

Sat, 18 Mar 2023 21:01:31 GMT

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En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la 42ª edición de Arcomadrid, Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España que ha tenido lugar en la ciudad de Madrid - España del 22 al 26 de febrero de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Tiempo y Espacio” (1960) de la artista catalana Maria Assumpció Raventós (Sant Sadurní d`Anoia – Barcelona- España) nacida en 1930 en diálogo con “Universo II” (1975) de Sánchez Kelly.

El miedo se detecta en el aspecto sombrío del cuadro, con un espacio totalmente oscuro que ocupa prácticamente toda la representación. Se respira en el ambiente, en cierto sentido, algo o alguien oculto, representado por el círculo central con trazos interiores, como si en esa mimetización con el entorno pretendiera seguir existiendo, pero escondido. Lo demás o los demás, representados por otros círculos más pequeños que rodean a la figura central, existen, a veces ocultos, a veces no, sin embargo, esa existencia se enfrenta a un problema importante o desafío que se deja ver en el centro de la composición en forma de trazos con tonalidades marrones. Todo ello germina sobre una base de sinrazón representada en la parte inferior del lienzo con tonos tierra.

En general, se advierte en la obra cierto desasosiego o falta de armonía, que la artista plasma con patente aire melancólico a la vez que con una tolerancia obligada, pero sin escape fácil, lo que la lleva a encerrase en su mundo interior, repleto de matices que logra plasmar con maestría.

En 1975 Sánchez Kelly realiza Universo II perteneciente a la serie del mismo nombre, realizada a lo largo de la década de los 70. En este trabajo hallamos una esfera central sobre un fondo azul, donde el artista plasma un mundo ideal conformado de sueños y una torre que podría aludir a la Torre de Babel, como símbolo de la convivencia y de la comunicación entre los seres humanos, pero en la base del cuadro se hallan dibujadas formas sobre un paisaje oscuro, que también pueden recordar la catástrofe y la desolación que persiguen siempre a la humanidad, por haberse desprendido, en su ignorancia, de su verdadera naturaleza.

La clave radica en recordar lo que somos en verdad, seres capaces de construir y buscar la verdad siempre, más allá de los tropiezos y dificultades.

Raventós a través de “Tiempo y Espacio”, persigue recordarnos que, al margen de dificultades y barreras externas, existimos y no podemos dejar de ser lo que somos: seres humanos.

Sánchez Kelly en “Universo II”, recrea un mensaje similar: todos juntos podemos advertir el secreto que nuestra naturaleza encierra y nunca, a través del conflicto y la destrucción, podremos llegar a ella.

Obras

Maria Assumpció Raventós. Tiempo y Espacio. Técnica mixta sobre lienzo. 130x97cm. Año 1960.

Sánchez Kelly. Universo II. Óleo sobre madera. 38x55cm. Año 1975.

Antoni Tàpies - Sánchez Kelly. Las guerras cesan cuando prescindimos de la razón y apelamos a la comprensión.

Sat, 11 Mar 2023 21:21:46 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la 42ª edición de Arcomadrid, Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España que ha tenido lugar en la ciudad de Madrid - España del 22 al 26 de febrero de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Signes Negres” (2004) del artista español Antoni Tàpies (Barcelona 1923-2012) en diálogo con “Mascullando la bronca-signos” (1999) de Sánchez Kelly.

En la vida parecen existir compartimentos aislados unos de otros, pero relacionados o formando parte de lo mismo. En esta singular obra, tal vez, Tàpies quiere poner de manifiesto las diferencias, fronteras o barreras en las que estamos dividido los seres humanos, tanto a nivel externo como a nivel interno, tanto a nivel individual como colectivo y cómo, a través de ellas, nos relacionamos desde distintos ángulos de visión, para conformar una síntesis o conclusión.

El color banco elegido para el fondo nos habla de que, al margen de las distinciones, nuestra base o sustrato es el mismo y que, tarde o temprano, todos confluiremos en el mismo punto de unión, porque nada está separado, todo es importante, cada sección es indispensable para la sección contigua, como si cada ser humano contuviera dentro de sí, la respuesta exacta que ayuda al de al lado o al de enfrente. Por ello es indispensable no combatir, sino comprender el sentido.

Finalmente, los símbolos escritos aparentan resaltar la vida, el diálogo y la comunicación, esenciales para recomponer el rompecabezas vital que nos conforma como colectivo.

Una composición muy sintética que nos llama a la reflexión y nos impulsa en la dirección de ser y de potenciar nuestra verdadera naturaleza y de buscarla, si es preciso, para dejar de perseguir solucionar los conflictos existentes de forma aislada, que solo conduce a mayor confusión.

“Mascullando la bronca- Signos” se halla enmarcada dentro de la última etapa de la creación artística de Sánchez Kelly. En ella observamos cómo el artista nos induce a interrogarnos sobre nuestro papel en la vida de los demás, mediante de dos círculos que se hallan en la parte central del gráfico, y nos indica, de algún modo, que debemos dirigir nuestra mirada a lo esencial, por medio del círculo blanco señalado por una flecha también en la zona central de la composición.

El color blanco, símbolo de pureza y el círculo que sugiere el infinito, nos transportan fuera de los esquemas y las formas, y nos empujan a situarnos más allá, en un espacio de silencio donde están albergadas todas las respuestas. Cuando prescindimos de las razones y nos situamos en el campo de la comprensión, las guerras cesan. El tumulto y al confusión reinantes, que bien pueden estar representados en la parte inferior del cuadro, solo pueden resolverse de modo individual, con gestos propios que impulsen hacia una visión no dual de la realidad, donde todo es uno.

El mensaje de Sánchez Kelly en “Mascullando la bronca -Signos” se asemeja, en gran medida, al de Tàpies, en Signos Negros. Ambos artistas inciden en la necesidad de que volvamos al origen, a lo esencial, que busquemos la unidad, de lo contrario, solo existen separaciones que muchas veces causan dolor y aniquilación.

Obras

Antoni Tàpies. Signes Negres. Díptico-pintura y collage sobre madera. 200x350 cm. Año 2004.

Sánchez Kelly. “Mascullando la bronca-Signos”. Tinta sobre papel. 67x98. Año 1999.

Sarah Grilo - Sánchez Kelly. Arcomadrid. Perfil de una sociedad acomodaticia que no profundiza y olvida los valores del corazón

Sat, 04 Mar 2023 18:19:38 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la 42ª edición de Arcomadrid, Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España que ha tenido lugar en la ciudad de Madrid - España del 22 al 26 de febrero de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Untitled” (1996) de la artista de origen argentino Sarah Grilo (1917-2007) en diálogo con “Punto” (1999) de Sánchez Kelly.

El fondo del lienzo, con diferentes gamas de grises, parece evocar el pasado o lo efímero del tiempo presente, narrado con cierto aire de melancolía. En la zona central existen imágenes contrapuestas a modo de mensajes inacabados que la artista quiere transmitir, como si los diversos testimonios gráficos no fueran importantes y que lo que tuviéramos que rescatar, al fin, fueran los significados ocultos detrás de las apariencias.

El no poder descifrar con precisión la estampa principal deja entrever un espíritu crítico con la sociedad circundante y una voz de queja acerca de lo que se oculta, de lo que no se escucha, de lo que se deja a un lado.

Cierto aire de desagrado podemos observar en las líneas negras, repartidas a lo largo del dibujo, y, a la vez, sensación de ahogo o encierro ante lo que no se puede cambiar.

Estamos ante una obra muy expresiva que nos habla de una sociedad que no busca ensalzar los valores supremos del alma y del corazón sino más bien que se conforma, que no busca profundizar, sino conformarse con lo fácil, lo acomodado o lo que no transforma.

“Punto” pertenece a la ultima etapa creativa de Sánchez Kelly, donde hallamos obras que plasman la síntesis de su carrera pictórica. Todas las respuestas están en el interior -nos dice una y otra vez-, y, en esa búsqueda, hemos de centrar todas nuestras miradas.

En esta pequeña creación nos llama la atención el triángulo central de color azul y negro que tiene en la parte superior una flecha que marca un sentido o camino a seguir. En la parte inferior del cuadro, encontramos diversos símbolos que bien pueden representar el entorno, lo que rodea en la vida al individuo que, en muchas ocasiones, parece no tener sentido.

Sánchez Kelly anuncia en multitud de trabajos de sus últimas etapas, cómo todo ha de ser tenido en cuenta en la gran incógnita vital y que cada vivencia nos representa, que lo que somos capaces de apreciar ha de estar integrado y que nada ni nadie está aislado del resto.

Los colores del fondo de esta pintura también parecen anunciar un tránsito desde lo más superficial hacia lo más trascendente, pasando por el tamiz del individuo que, solo, ha de encontrar la llave que abre la puerta hacia la inmensidad del todo es posible y hacia lo esencial.

Grilo con “Untitled” nos recuerda que no debemos perder el tiempo conformándonos con lo que dicta la mayoría y Sánchez Kelly con “Punto” nos enseña que, en nuestra soledad aparente, contamos con herramientas válidas para detectarnos y conocernos en mayor profundidad y conocer el sentido de nuestra creación.

Obras

Sarah Grilo. Untitled. 150x120cm. Óleo sobre lienzo. Año 1996.

Sánchez Kelly. Punto. 19,5x10cm. Acrílico sobre madera. Año 1999.

SEMANA DE ARTE CONTEMPORÁNEO EN MADRID-22 AL 26 DE FEBRERO DE 2023

Sat, 25 Feb 2023 00:43:36 GMT

En la semana del Arte en Madrid - del 22 al 26 de febrero-, coinciden y se solapan numerosas ferias de Arte contemporáneo, a las que se agregan exposiciones individuales y colectivas, conferencias y eventos destacados del sector.

Nosotros hemos visitado las dos ferias que destacan por su trayectoria: la edición 42 de ARCO Madrid y la 18 de Art Madrid. Juntas nos ofrecen una visión amplia del arte tradicional y las nuevas tendencias; a ellas se suman otras como FLECHA, UVNT, ART FAIR, JUSTMAD Contemporary Art Fair o HIBRID Art Fair.

ARCO MADRID es la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España que desde su inicio, en 1982, se caracterizó por ser una de las principales plataformas del mercado del arte contemporáneo.

Esta 42ª edición nos ofrece la temática del Mar Mediterráneo como proyecto central. El Mediterráneo: Un Mar Redondo, comisariado por Marina Fokidis y con la asesoría de Bouchra Khalili, Hilda Peleg y Pedro Romero, reúne a diecinueve artistas con sus galerías de todo el Mediterráneo; gira en torno a las escenas artísticas de los países que rodean este mar, desde el sur al norte y de costa a costa, así como a un gran número de colectivos de artistas cineastas que ofrecen una perspectiva de diversas formas creativas y discursivas.

ARCO Madrid 2023 mantiene los habituales programas que se completan con los contenidos artísticos del Programa General como el eje principal de la Feria, formado por galerías seleccionadas por el Comité Organizador, así como las secciones, comisariadas por Julia Morandeira y Yina JIMENEZ, donde se presentan galerías jóvenes y “Nunca lo Mismo. Arte Latinoamericano”, comisariada por Mariano Mayer y Manuela Moscoso, sección que refuerza el vínculo histórico entre ARCO Madrid y el Arte Latinoamericano. Con este marco visitamos galerías de Argentina, Perú, Brasil, Uruguay y Cuba entre otros países representados.

ART MADRID, celebra su 18 sesión en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles donde participan 36 galerías de las cuales 9 son internacionales. Art Madrid se presenta como una oportunidad y lugar abierto para conocer la realidad actual del arte contemporáneo, a la vez que generar mercado y promover el coleccionismo nacional e internacional. Hay un departamento diseñado exclusivamente para ofrecer información gratuita a galerías y público interesado en adquirir obras.

En esta edición cuenta con un programa comisariado por Natalia Alonso Arduengo, que se articula en torno al tema de la “Identidad”, en el que se presenta la obra de cuatro artistas jóvenes, con un corto recorrido en el circuito comercial.

Entre las novedades destacan entrevistas enmarcadas en “Conversaciones infinitas” comisariadas por Alonso de la Torre, encaminadas a descubrir en profundidad el universo artístico de ocho creadores destacados de Art Madrid.

La semana del arte en Madrid, nos ofrece una excepcional oportunidad de conocer el presente de las estéticas más novedosa y con mayor presencia de artistas jóvenes.

Fotografía. Claudia G. Sánchez. Arco 2023.

¿Pueden las obras de arte dialogar entre sí?

Tue, 21 Feb 2023 09:40:38 GMT

“Diálogo entre Artistas. El hilo de Oro” surge, inicialmente, como un proyecto de divulgación de la obra de Sánchez Kelly -analizada desde ángulos de percepción y visión actuales-. Consiste en un estudio y análisis comparativo de las creaciones de Sánchez Kelly con las de artistas plásticos, pertenecientes a diversas etapas de la historia del arte, que se exponen, hoy, en museos españoles, y que han sido previamente seleccionadas por Claudia G. Sánchez.

“Diálogo” se estructura a partir de tres ejes principales:

-Información sobre exposiciones de artes plásticas, realizadas en museos nacionales de España y salas que destacan por su importancia y relevancia.

-Análisis por parte de Claudia G. Sánchez de los contenidos de los trabajos expuestos y seleccionados para su estudio.

-Diálogo entre las obras de los autores elegidos y las de Sánchez Kelly.

Desde esa perspectiva, la autora ofrece una tesis orientada a profundizar, a través de una óptica personal, en las creaciones escogidas, para poner de manifiesto el diálogo “subliminal-trascendente” que existe entre ellas.

Se trata del intercambio de mensajes cifrados en símbolos, una comunicación sin palabras entre artistas, que denominamos “hilo de oro”, “hilo” que atraviesa todas las barreras espacio-temporales y representa la clave para conocer y escuchar las voces verdaderas de sus artífices, la esencia que se oculta detrás de las imágenes que conforman un dialogo universal.

En el análisis efectuado por Claudia G. Sánchez se soslayan las diferencias de estilos, tendencias, espaciales o temporales, para centrarse exclusivamente en el “contenido”, en el mensaje escrito – sin palabras-, que subyace detrás de los trabajos estudiados.

Todo creador busca, no solo que se contemple su creación, sino que se estudie, se investigue, se debata y se interprete. Toda obra por su destino, naturaleza y esencia, necesita de relecturas que van más allá del sustrato material, que ahondan en su contenido, simbolismo y trascendencia.

Desde esta perspectiva, publicamos tanto en Facebook (página del Museo . Kelly) como en el blog titulado “Arte y espiritualidad” ubicado en la página web sanchezkelly.com, a partir del año 2021 hasta la actualidad, una serie de artículos que invitamos a leer, donde podemos encontrar paralelismos sorprendentes entre el lenguaje pictórico de Sánchez Kelly y el de otros maestros consagrados, de diferentes épocas y tendencias, que nos permiten afirmar, con total seguridad, que el universo creativo de Sánchez Kelly tiene cabida no solo dentro del panorama artístico argentino, sino también dentro del panorama internacional.

El arte se anticipa al tiempo y promueve el cambio. Escuchemos el diálogo de los artistas, desde una nueva percepción.

Obra. Sánchez Kelly. Símbolos. Acrílico sobre papel. Año 1998.

Fotografía Claudia G. Sánchez

Juan Downey -Sánchez Kelly. Desde la meditación el artista accede a lo real

Thu, 16 Feb 2023 23:01:00 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Reina Sofía y asistimos a la exposición “Un acto de ver que se despliega. Colección Susana y Ricardo Steinbruch”, que se puede visitar desde el 10 de noviembre de 2022 hasta el 2 de octubre de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Meditación” (1978) del artista de origen chileno Juan Downey (1940-1993) en diálogo con “Horizonte” (1974) de Sánchez Kelly.

La necesidad de un camino claro por dónde transitar, tanto a nivel artístico como a nivel humano, lleva a algunos creadores a buscar dentro de sí mismos testimonios a donde aferrarse de modo sincero. Dichos testimonios, a veces, se traducen en luchas con ellos mismos por dominar sus actitudes y mostrar gestos precisos, sin embargo, en muchos sentidos, existe una lucha profunda dentro de ellos, desde el punto de vista mental, que escasamente trasciende, es decir, el artista, encerrado en sus pensamientos, tiene dificultad para salir de ese círculo.

Meditación es un grito de auxilio expresado por Juan Downey que, escondido detrás de una maraña de pensamientos infructuosos, no puede escapar fácilmente de ellos y se encuentra dormido a estados más profundos que intuye que existen, pero que no es capaz de percibir con certeza.

Meditación nos habla de un espíritu rebelde, que no encaja en el medio en que vive y que no halla palabras y acciones certeras, para desenvolverse en un ámbito distinto; busca salidas que le conduzcan por sendas más pacíficas, y, de este modo, sale a la luz una composición sencilla que encierra, a la vez, los enigmas que su autor persigue mostrar.

En 1974 Sánchez Kelly pinta Horizonte, donde expresa la exigencia de observar en detalle las circunstancias que rodean al ser humano, que a menudo están enmarcadas en argumentos que persiguen confundir. Señala, también, que es preciso hacer un esfuerzo por acercarse a lo real, a la verdad, desde una óptica de meditación, salirse de lo convencional, de lo racional y conectar con algo intangible, misterioso, que se halla muy adentro de cada individuo, para poder sopesar la existencia de un modo fidedigno y acercarnos a la vida desde una perspectiva precisa. De lo contrario, corremos el riesgo de perdernos en un entramado mental de ilusiones pasajeras, que confunden y ahogan.

Downey desde Meditación y Sanchez Kelly desde Horizonte nos invitan a bucear en lo recóndito que nos alberga, como único instrumento eficaz para comprender la realidad.

Obras

Juan Downey. Meditación. Óleo, grafito y tinta sobre lienzo. Año 1978.

Sánchez Kelly. Horizonte. Óleo sobre madera. 30x24cm. Año 1974.

Margarita Azurdia- Sánchez Kelly. Desde la ignorancia de lo que somos en esencia, no alcanzaremos la plenitud

Sun, 05 Feb 2023 13:14:37 GMT

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En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y asistimos a la exposición “Margarita Azurdia. Margarita Rita Rica Dinamita”, que se puede visitar desde el 24 de noviembre de 2022 hasta el 17 de abril de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Sin título” (1963) de Margarita Azurdia en diálogo con “la Piedra” (1976) de Sánchez Kelly.

La sensación de vacío y de amplitud de la obra Sin título de Azurdia nos hace percibir a un alma libre que busca expresarse sin más intención que la de ser en toda la extensión de la palabra. El fondo del lienzo en contraposición con la figura central nos invita a imaginar y a no detenernos en detalles que puedan distraer nuestra atención. La artista busca recrearse en lo auténtico de la vida y de ella misma, para procurar comprender los misterios que se esconden detrás de las apariencias.

La figura oval con manchas azules dentro, inciden en los misterios de la realidad que es preciso descifrar, a la vez que pretende mostrar la confusión que existe en el ser humano y en el mundo, disimulada por el ruido externo utilizado adrede para encubrir sus carencias, sus miedos, sus dolores, sus rencores y su verdadera ceguera e impotencia para entender su naturaleza.

En “La piedra” Sánchez Kelly nos habla de dos planos existentes en la dinámica de evolución del hombre: existe el plano externo, representado por el círculo central y existe un plano interno que no se ve en apariencia, pero que está en permanente contacto con el otro. Ambos son necesarios, ambos están formando parte de lo mismo, pero en esta representación aparecen separados por desconocimiento. Uno y otro son la misma entidad pero en apariencia se halla dividida. Es ineludible romper esa separación que procede, principalmente, de la ignorancia de lo que el ser humano es en esencia, y solo puede lograrse incentivando el amor representado por la línea de color rosa, que a su vez también rodea a la esfera central.

De algún modo, Sánchez Kelly nos habla en esta representación de la necesaria toma de conciencia por parte del individuo de su naturaleza, no solo porque a eso está abocado por evolución, sino porque de lo contrario se halla incompleto. El estado de ignorancia conlleva guerra, destrucción y caos. Solo reuniendo las piezas del rompecabezas que es la existencia, se puede hallar la verdad.

Azurdia revela cierta impotencia en su obra Sin título, a la vez que reclama mayor responsabilidad en el ser humano como parte del universo y de la creación.

Sánchez Kelly afirma con contundencia que viviendo desde la ignorancia no se puede continuar avanzando hacia la plenitud.

Obras

Margarita Azurdia. Sin título. Acrílico y óleo sobre tela. Año 1963.

Sánchez Kelly. La piedra. Óleo sobre madera. 36x45cm. Año 1976.

El nuevo paradigma: inteligencia artificial y arte- ¿Dónde están las fronteras de la creatividad?

Sat, 28 Jan 2023 18:35:40 GMT

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Los avances tecnológicos acontecen a una velocidad que genera un auténtico “tsunami” en casi todos los ámbitos del quehacer humano. El arte contemporáneo y la creatividad, no son inmunes a este nuevo paradigma.

Múltiples acontecimientos y experiencias creativas con los sistemas de la Inteligencia Artificial (IA), nos impulsan a considerar algunos de ellos y ofrecer en este espacio nuestra opinión - no experta-.

Mario Klingemann con su composición “The But Cher’s” es el primer artista que obtiene en el año 2018 un galardón en pintura, el prestigioso Premio LUMEN. Los algoritmos que constituyen la obra fueron alimentados por miles de imágenes, que ofrecen el trabajo final.

“Obvious” sistema creado por el grupo multidisciplinario francés integrado por el artista Pierre Foutrel, el experto informático Hugo Caselles- Dupré y el economista Gauthoer Vernier presentaron la obra “Edmond de Belamy”, subastada en Christie’s por 383.000€.

Otras experiencias artísticas a destacar han sido ejecutadas a partir de un programa de redes neuronales artificiales.

Los retratos de “caras deformadas”, creados a través del software AICA, por el artista virtual Ahmed Elgammal, de la Rutgers University de Nueva Jersey, fueron expuestos en una muestra independiente en la galería HG CHELSEA de Nueva York.

Ciudades como Londres ofrecen exposiciones de arte tradicional y experimental. El Barbican fue de los primeros que brindó exposiciones de Inteligencia artificial en las que figuran artistas ya consagrados como Klingemann, técnicos y grupos musicales que utilizan la IA en sus creaciones.

Los expertos españoles Luis de Vicente y Pablo Gervas, consideran que los sistemas de Inteligencia Artificial son un complemento más en la creatividad pero nunca suplirán a los artistas.

En la IA “creativa” se precisan materiales, recursos y decisiones humanas que nos introducen en un proceso de innovación, transformación y creación de nuevos paradigmas. El uso que las tecnologías nos ofrecen, se presentan como un complemento valioso que trasciende la mera consideración de herramienta. Su complejidad y carácter multidisciplinario, promete nuevas oportunidades de creación, a la vez que nos invita a profundizar en la reflexión sobre la naturaleza esencial del acto creativo.

Los matices que hallamos, capaces de orientar nuestra creatividad hacia nuevos campos de exploración, merecen tratarse con detenimiento. Todo lo que el ser humano alberga dentro de sí, ha tenerse en cuenta. Más allá de colgar letreros o clasificar, todo lo que se hace, merece ser observado.

La creatividad no muere porque una “maquina” sea capaz de imitar y dar forma o a lo que previamente se le ha dado como pauta. El investigador, el creador, sigue siendo el individuo; él es quién crea la máquina artificial, él es quién le da las órdenes, la creatividad le pertenece y la máquina lo complementa haciendo lo que previamente le ha enseñado.

Estamos asumiendo nuevos modelos de creación, pero no debemos olvidar que todo nace y muere en el ser humano, solo él es capaz de dar sentido, de observar lo creado y seguir creando; la clave nace y muere en él y cualquier otra consideración no tiene mayor soporte.

El interpretador de la realidad creada sigue siendo el ser humano; él investiga, da nombre o clasifica: es el “aplicador” de lo que se crea y, perderse en otras conjeturas, no tiene mayor relevancia.

La vida pasa a través del individuo y él plasma en la materia lo que alberga en su interior. Solo es cuestión de tiempo que se dé cuenta de que imitar no es crear y que fundamentar solo puede hacerlo él, interpretando los símbolos que se plasman fuera. Nada puede sustituir a lo que está vivo.

Fotografía

Obra de Óscar Sánchez Kelly. "Monalisa xeneize". Técnica mixta sobre latón. Diámetro 14,5 cm. Año 2005

Francisco De Goya- Sánchez Kelly. Lo desconocido, misterioso y esencial que habita en nosotros.

Sun, 22 Jan 2023 10:57:15 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Lázaro Galdiano. En este artículo comentaremos la obra titulada “Matrimonio desigual” (1819) de Francisco de Goya y Lucientes en diálogo con “Mujer con manzanas” (1980) de Sánchez Kelly.

El juego de luces de esta composición- “Matrimonio desigual”-, nos permite centrar la mirada sobre todo en la escena principal. Los contrayentes arrodillados buscan hallar, de forma individual, sus propias respuestas, frente al altar que representa lo sagrado, lo misterioso, la verdad. Cada uno sostiene en sus manos un cirio encendido que simboliza la necesidad de iluminar su existencia y descubrir el sentido, que no es el que creen. Ambos personajes están siendo guiados por un sacerdote a modo de acompañante en ese proceso de búsqueda.

Las figuras desdibujadas inciden en la importancia que su autor da al mensaje que pretende transmitir, más allá de la pureza de las pinceladas o de la perfección pictórica. Los protagonistas muy diferentes entre sí, incluso antagónicos, se ven unidos en una peripecia existencial que no terminan de encajar. La inocencia, la fragilidad, el abuso de poder, las contiendas, los intereses, la falsedad, son algunos de los temas que se perciben en la pintura.

La ignorancia de lo real, a menudo, nos sume en la oscuridad. Es oportuno prescindir de lo anecdótico, si ciertamente deseamos encontrar dentro de nosotros un reducto donde comprender la realidad que nos impone, frecuentemente, unas vestimentas que no deseamos. La clave radica en ser y existir dentro de ese escenario ficticio a la vez que procurar, desde el fuero interno, discernir el lenguaje de la realidad, que no persigue nunca nuestra destrucción, sino al contrario, llevarnos de la mano hacia un estado de realización.

En la obra “Mujer con manzanas” de ¨Sanchez Kelly, llaman la atención las manzanas que ocupan, junto a la figura humana, la zona central de cuadro. Las manzanas como un conjunto de interrogantes que la mujer sostiene con la mirada puesta en la mesa -que representa el alimento vital-, nos recuerdan que es importante cuidar el cuerpo, vivir de acuerdo a las convenciones establecidas socialmente para la convivencia, pero es aún más importante recordar los interrogantes que necesitamos desvelar, en el camino de la vida. Es imprescindible para la supervivencia, antes que comer, descifrar nuestros enigmas, de lo contrario ellos nos atrapan en multitud de escenarios ficticios, simbolizados por las distintas mesas que se ven en el fondo del cuadro, que nos impiden continuar viviendo y alcanzar el fruto debido.

De nuevo la condición de buscador incesante de la verdad, que es el ser humano, está puesto de manifiesto en este lienzo de 1980 de Sánchez Kelly. No debemos olvidar que a la vez que cuerpo material, somos entidades en evolución y que existe algo desconocido, misterioso y esencial a encontrar dentro de nosotros, para ponerlo de manifiesto en todas nuestras acciones mundanas, de lo contrario, la vida como tal se interrumpe.

Francisco de Goya en “Matrimonio desigual”, nos recuerda que solo lo sagrado puede iluminar el corazón del ser humano y conducirlo por el camino correcto. Sánchez Kelly en “Mujer con manzanas” constata que únicamente reconociendo quiénes somos y situándonos de lleno en nuestro interior, podremos seguir existiendo, de lo contrario, ese olvido, que es irresponsabilidad, generará, una y otra vez, impedimentos para que disfrutemos de nuestra creación.

Obras

Francisco de Goya y Lucientes. “Matrimonio desigual”. Óleo sobre hojalata. Año 1819.

Óscar Sánchez Kelly. Mujer con manzana. Acrílico sobre Lienzo. 123x84cm. Año 1980.

Utermohlen - Sánchez Kelly. El cerebro, ese gran misterio

Sat, 14 Jan 2023 22:36:35 GMT

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En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Fundación Telefónica y asistimos a la exposición “Cerebros”, que presenta cómo el cerebro ha sido representado a lo largo de la historia por la filosofía, el arte y la ciencia. Se puede visitar desde el 27 de diciembre de 2022 hasta el 11 de junio de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Erased Self-portrait” (1999) de William Utermohlen en diálogo con “Mujer Pensando” (2008) de Sánchez Kelly.

William Utermholen nació en 1933 en Philadelphia y a la edad de 62 años, en 1995, fue diagnosticado de Alzheimer. A partir de ese momento realiza durante 5 años una serie de autorretratos donde se pueden observar los efectos que la enfermedad fue produciendo en su pintura.

En este autorretrato titulado Erased Self- portrait podemos apreciar una pérdida progresiva de contacto con el exterior, que viene remarcada en la zona derecha del lienzo, donde no existe más que blanco. El rostro carece de detalles claros y más bien notamos una especie de pérdida de facciones humanas, como si la persona comenzara a desvanecerse, para simplemente quedar un resto. A su vez, el fondo de color verde parece clamar por una solución que ayude al protagonista a salir del encierro gradual en el que está cayendo su alma.

Esta serie de retratos nos permiten comprender los diferentes estados de ánimo por los que atravesó el artista (miedo, tristeza, sensación de zozobra, impotencia, etc.) en el proceso de su enfermedad, a la vez que dejan testimonio gráfico del deterioro cognitivo al que somete la enfermedad de Alzheimer.

En 1971 Sánchez Kelly pinta “Mujer Pensando”, una figura humana desnuda donde parecen dibujarse también los órganos internos, como si el artista quisiera no solo desnudar el cuerpo, sino llegar a comprender de qué material está conformado internamente. La silueta enmarcada en un color grisáceo, sin ningún otro matiz, nos obliga a centrar la mirada en lo físico, haciendo abstracción del paso del tiempo y del entorno. La pintura pretende llamar la atención acerca de la necesidad de centrar la mirada en la biología humana, para hacer mayor hincapié en el cuerpo y su gran misterio.

Ambos artistas, Utermholen y Sánchez Kelly en distintas circunstancias vitales, nos recuerdan que el cuerpo humano encierra interrogantes que es preciso descifrar y que requerimos acelerar el proceso de investigación, para permitirnos entender el sentido de nuestra creación.

Obras.

William Utermohlen. “Erased self-portrait”. Óleo sobre lienzo. Año 1999.

Sánchez Kelly. “Mujer pensando”. Óleo sobre madera 64x72. Año 1971.

Manolo Quejido- Sánchez Kelly. Ideales fraudulentos navegan en la sociedad actual

Sun, 08 Jan 2023 17:20:41 GMT

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En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía - Palacio de Velázquez y asistimos a la exposición de Manolo Quejido (Sevilla 1946), “Distancia sin medida” que se puede visitar desde el 21 de octubre de 2022 al 16 de mayo de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada Conexión V-Q (2003) de Manolo Quejido en diálogo con “Peces” (2008) de Sánchez Kelly.

Dos conceptos distintos y en cierto sentido contrapuestos, observa el pintor en su realidad cotidiana ¿será dentro de él mismo, donde ve esta dicotomía, este enfrentamiento entre dos yos?, ¿o se enfrenta a un espacio exterior que no comprende y con el que no se siente identificado?

Convivir enfrentado no conduce más que a guerra y a conflicto.

El ser humano ha de incluirse en el proceso de observación, siempre, si desde la raíz quiere completarse, quiere verse realizado, vivir en paz, acabar con la confrontación y el desencanto, y hallar el sentido profundo a su realidad, que nunca pasa por un no. Los vendavales que le acechan le hacen vivir en dos sentidos distintos, en multitud de circunstancias. Esa división no es más que una autodefensa bien dirigida: me salvo yo y ataco a quien me ataca, digo no al que va en contra de mí, sin percatarme de que es a mí mismo a quien estoy separando y diciendo no.

Son muchos los ideales fraudulentos en esta sociedad actual, en la que las normas imperantes no hacen más que acechar al corazón del hombre que, de por sí, nació y es libre.

Simplificar la barbarie actual, justificando que así se salvan vidas, es una idea carente de sentido, un plagio bien arreglado.

Mundos enteros se destruyen cada día y a nadie parece importarle, mientras sus bases estén bien asentadas.

La sin razón se apodera del mundo y no podemos esconder la cabeza o bajar la mirada, salir por la puerta de atrás, como las dos siluetas del cuadro; esto no hace más que acentuar el triste final al que se ve avocada una realidad que no profundiza hasta el punto de vivir en la unidad.

Solo uniendo los polos opuestos se acabará el golpe certero de la violencia constante que impera. El diálogo-centro azul del cuadro-, enfrentado a la oscuridad, a la sombra, a la negligencia y al caos, reflejado en lo negro, no hace más que pedir a gritos que alguien se dé cuenta y despierte.

Quejido incide en recordarnos cuál es la realidad actual, para que entre todos empujemos el barco de la humanidad, hacia un incipiente nacimiento mejor.

En 2008 Sánchez Kelly realiza Peces, un Collage donde pone de manifiesto la ineficacia de las medidas de supervivencia actuales. Los seres humanos, representados como peces, navegan a la deriva, sin comprender en verdad cuál es el sentido real.

Tormentas de circunstancias acechan, reflejadas en lo oscuro de la obra y, sin embargo, cada uno se halla en su universo particular, sin casi poder comunicarse con el vecino, más que cuando la vida les coloca en la tesitura necesaria; en el resto del tiempo existen franjas que dividen y sombras y luces que entorpecen el deambular por ríos de precisión, donde lo inconexo se acaba.

Sánchez Kelly resalta la ausencia de valores y los entresijos oscuros en los que navega el individuo, que se cree rey de su propia estirpe, sin importarle qué ocurre con los demás.

Un canto a la esperanza está reflejado en el juego de luces y sombras que posee la obra, donde, tal vez, el pintor nos induce a contemplarnos y nos empuja a reflexionar acerca de las intenciones propias.

Sánchez Kelly abraza con fuerza la realidad humana y persigue que nos hundamos en nuestro propio reflejo, sin olvidar lo que somos, sin distinciones, asumiendo que el rol preponderante no sirve y que, aunque cada cual ha de perseguir solucionar sus propios conflictos, convivimos en un manantial que no es inagotable, y esa convivencia es indicadora de que también somos Uno.

Obras

Quejido. Conexión V-Q. Acrílico sobre Lienzo. Colección Banco de España. Año 2003.

Sanchez Kelly. “Peces”- Collage sobre Cartón 100x70 cm. Año 2008.

Joan Miró - Sánchez Kelly. Lo que dicta el corazón

Mon, 19 Dec 2022 11:28:20 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Fundación Joan Miró. En este artículo comentaremos la obra titulada “Pintura” (1934) de Joan Miró en diálogo con “Duda”(1982) de Sánchez Kelly.

Una mirada al pasado que atormenta y genera dudas acerca del talante que es preciso mantener frente a los hechos que ocupan la atención del individuo se puede observar en un primer plano de “Pintura”. Los matices que se generan en la personalidad a raíz de estas dudas van conformando lentamente el futuro que, de nuevo, pondrán en tela de juicio al protagonista y lo volverán a situar en la encrucijada de observarse y observar la realidad, para tomar partido y posicionarse en uno u otro sentido. ¿Cuál? El que le dicte su corazón. Esa postura ayudará al protagonista a pasar una especie frontera o barrea que toca atravesar cuando se logra cambiar de ámbito, cambiar de lugar o de posición en la vida.

Una obra cargada de símbolos que retratan una realidad existencial en donde el ser humano se halla enfrentado a su entorno vital y a sí mismo, y en esa soledad es donde ha de conocerse y alcanzar una salida que solo él puede lograr.

Miró resalta en este cuadro al individuo insertado en un paisaje que no entiende, que lo sacude, que lo obliga a posicionarse para alcanzar un estatus de equilibrio. De lo contrario, los propios fantasmas lo acechan generando penumbras o sombras y luces que lo acompañan sin darle tiempo a respirar.

La figura humana empleada por Sánchez Kelly en Duda, adopta la forma de mujer. Podemos observar como característica principal de la imagen, los diversos rostros superpuestos, anclados en el mismo torso que se halla dividido, desestructurado, roto.

Sánchez Kelly plasma en esta pintura la confusión reinante (superposición de rostros) en un momento de “duda” que hace necesaria una observación decidida, centrada en el interior (estampa central llena de divisiones, tema central de la composición) dejando a un lado o haciendo abstracción del exterior (fondo blanco).

El color naranja que apreciamos detrás de las cabezas, señala que más allá del papel de mujer, se halla el de ser humano perdido en una maraña de sueños y ambiciones rotas; que todo lo que lo conforma y lo que hasta el momento previo a la situación conflictiva ha formado parte importante del contenido estructural de su vida, se encuentra en entredicho y es necesario el cambio. Esta desestructuración es preciso no almacenarla, no guardarla, sino hacerla consciente y ponerla de manifiesto.

Miró y Sánchez Kelly nos hablan de las crisis interiores y del imprescindible posicionamiento por parte de hombres y mujeres frente a sus respectivos panoramas vitales, hecho clave para continuar evolucionando y avanzando como seres humanos. Miró resalta la soledad y el aislamiento en un momento de cambio. Sánchez Kelly hace hincapié en las diversas implicaciones internas que un mismo hecho puede ocasionar, dividiendo al individuo y obligándolo a resituarse para poder escoger el camino que le es más afín.

Obras

Joan Miró. “Pintura”. Óleo sobre madera. Año 1934

Sánchez Kelly. “Duda” Acrílico sobre lienzo. Año 1982

Paul Klee- Sánchez Kelly. Las circunstancias difíciles estimulan cambios trascendentes

Mon, 12 Dec 2022 11:55:59 GMT

En el marco del proyecto “ Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Fundación Joan Miró y asistimos a la exposición Paul Klee y los secretos de la naturaleza , comisariada por Martina Millá con la colaboración de Fabienne Eggelhöfer, curadora jefa del Zentrum Paul Klee de Berna; se podrá visitar hasta el 12 de febrero de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “ Tres flores” (1920) de Paul Klee en diálogo con “ Naturaleza muerta” (1979) de Sánchez Kelly .

“Tres flores” nos habla de distintos momentos vitales del autor, en algún sentido superpuestos, donde las dudas o temores ocupan toda su atención. Hallar un reducto externo donde reposar, donde estar cómodo, donde sus cuestionamientos encuentren respuesta, es clave en este momento de su existencia. Sin embargo, existen principios y valores heredados que chocan frontalmente con su peculiar estado y modo de ver la realidad, que lo sumergen en abatimientos y luchas con él mismo, por lograr sobreponerse y continuar construyendo su camino.

Desencuentros, poca afinidad, soledad y asilamiento psíquico, son algunas de las singularidades que se pueden observar en una obra totalmente intimista, reflejo de la personalidad de su autor.

Cambios de escenarios y rupturas clandestinas, nos sumergen en el universo particular de Klee, donde no hay lugar para el descanso o la paz.

En 1979 Sánchez Kelly pinta “ Naturaleza muerta”, donde nos habla del presente con carencias, que no satisface, en gran medida, las aspiraciones que posee y del futuro incierto que se abre paso, sin apenas dejarle tiempo a la meditación.

El pasado y lo que fue siempre están presentes, como un recordatorio que no deja lugar al reposo; existe en Sánchez Kelly un nivel de exigencia callado, que hace acto de presencia con frecuencia, para alentarle y marcarle un ritmo que, si bien no es el deseado, muchas veces, es el necesario.

Los antepasados, el paso del tiempo, la incertidumbre son temas presentes en esta naturaleza muerta de cariz personal, que no suele ser habitual en las obras de este autor.

Claves no dichas, pensamientos proyectados en el futuro, que le permitirán, tal vez, abrir ámbitos nuevos de creación, que potenciaran logros propios, son aspectos que Sánchez Kelly resalta en este lienzo.

Preocupación insistente, no hallar un espacio cómodo donde explayarse y una búsqueda de recursos válidos que le permitan llegar a conclusiones importantes, son algunos de los contenidos que Paul Klee expone en “Tres flores”.

Ambos autores retratan circunstancias personales que atenazaron sus vidas en momentos determinados y que, quizás, potenciaron su creatividad o les impulsaron a cambios trascendentales de dirección, en sus quehaceres artísticos respectivos.

Obras

Paul Klee. “Tres flores”. Óleo sobre cartón imprimado. Año 1920

Sanchez Kelly. Naturaleza muerta. Acrílico sobre madera. 30x20cm. Año 1979

Pablo Picasso- Sánchez Kelly. La mujer y la verdad desde el lenguaje del corazón.

Sat, 03 Dec 2022 14:38:29 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Fundación Mapfre y asistimos a la exposición Julio González – Pablo Picasso “La desmaterialización de la Escultura”, comisariada por Tomàs y Boye Llorens y organizada en colaboración con Musée national Picasso – Paris, la Comisión Nacional Española para la Conmemoración del 50 aniversario de la muerte del artista español Pablo Picasso y la González Administration; se podrá visitar hasta el 8 de enero de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “La Suplicante” (1937) de Pablo Picasso en diálogo con “Mujer Oculta” (1977) de Sánchez Kelly.

La desesperación ante el caos reinante es el tema central de este cuadro. La figura femenina como eje asociado al dolor, es un símbolo recurrente en las obras de Picasso pertenecientes a esta época. La sinrazón, la muerte, las injusticias, el terror se perciben con claridad en el retrato. La ruptura con los esquemas existenciales hasta entonces predominantes, provocan la pérdida de referencias que hasta ese momento guiaban, empujando a buscar otras nuevas, en un ambiente hostil.

Las carencias materiales y los escasos recursos internos para desarrollar nuevas salidas que permitan el restablecimiento del status quo perdido, dan como resultado una obra llamativa donde el espectador no puede dejar de replantearse sus propios dilemas y capacidades de supervivencia, en un marco de aniquilación.

"Mujer Oculta" pertenece al que denominamos “Ciclo de oro del dibujo de Sánchez Kelly”. El rostro contiene diversos matices que parecen evocar huellas del paso del tiempo, haciendo hincapié en la mirada, donde se acumula cierta tensión a la vez que se percibe la necesidad de indagar desde una perspectiva impersonal la realidad.

El entorno, remarcado por el color amarillo, incide decididamente sobre la persona, empujándola a una toma de postura permanente, para redefinirse. Lo que se piensa no es importante; viene resaltado por el vacío que existe en la zona cerebral del retrato. Sánchez Kelly nos recuerda que la mente aísla, los pensamientos, si no están orientados hacia una indagación profunda, molestan e interrumpen el necesario diálogo entre lo externo y lo interno.

El artista utiliza el rostro de una mujer para poner acento en la especial sensibilidad que percibe en el género femenino que, sin tapujos, se muestra más habitualmente al mundo tal cual es, transmitiendo de forma magistral el lenguaje del corazón, como estandarte vital válido que permita alumbrar el camino de la verdad, a quienes lo han olvidado.

Picasso con “La suplicante” aborda el sufrimiento desde la perspectiva femenina.

Sánchez Kelly hace hincapié en la mujer como ejemplo de sensibilidad desbordante.

Ambos artistas centran su mirada en la mujer como nexo de unión entre lo sutil y lo humano.

Obras

Pablo Picasso. La Suplicante. Gouache sobre tela. París 18 de diciembre de 1937.

Sánchez Kelly. Mujer Oculta. Lápiz y tinta sobre papel. 54 x 45 cm. Año 1977

Julio González - Sánchez Kelly Exposición La Desmaterialización de la Escultura (Fundación Mapfre) El centro es el individuo y sus circunstancias

Sat, 26 Nov 2022 13:30:04 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Fundación Mapfre y asistimos a la exposición Julio González – Pablo Picasso “La desmaterialización de la Escultura”, comisariada por Tomàs y Boye Llorens y organizada en colaboración con Musée national Picasso – Paris, la Comisión Nacional Española para la Conmemoración del 50 aniversario de la muerte del artista español Pablo Picasso y la González Administration; se podrá visitar hasta el 8 de enero de 2023. En este artículo comentaremos la obra titulada “Mujer Extraña” (1941) de Julio González en diálogo con “ Proyección” (1969) de Sánchez Kelly.

Existe en “Mujer Extraña” un interés por la exaltación de la figura, que ocupa toda la atención del espectador. En ella predominan formas semicirculares que establecen espacios o reductos definidos, con los que se persigue proteger o cerrar la relación de la figura con el espacio circundante.

El color negro del fondo no solo resalta la imagen protagonista, sino que, a la vez, define la relación de la misma con el mundo que la rodea. En cierta medida, insinúa una situación de desconexión con el exterior o de aislamiento para no formar parte de “eso” que se vive fuera. Es un canto de protesta a la vez que de toma de postura clara del protagonista con respecto al mundo que no entiende o al que percibe hostil, peligroso y lleno de obstáculos para Ser, para definirse, para actuar.

En una sociedad en la que no se puede crecer como ser humano, más vale protegerse y generar una especie de idioma propio o universo individual donde poder desarrollarse; el sentir verdadero cuando no puede expresarse, provoca que los pasos que se deban dar para caminar, estén muy limitados.

El cuadro nos habla de necesidad de expresión truncada en un ambiente adverso e incluso inhumano.

Sánchez Kelly nos habla en “Proyección” de los distintos estados profundos de duda que acompañan al hombre en todo momento, mientras vive. No existe respuesta, o existen muchas y todas, en su conjunto, van conformando un rompecabezas vital que desconocemos si en algún momento se acaba. No obstante, perseguirse a sí mismo le dará la clave. El centro es el individuo y sus circunstancias.

Buscar la propia identidad y sentido es un cometido fundamental que acosa al individuo desde que toma conciencia de su identidad; claves e interrogantes se dan la mano en la existencia, para empujarlo a encontrar un reducto de confianza donde sus incógnitas vayan guiándolo hacia un estatus de equilibrio. ¿Existe realmente un momento donde el ser humano es capaz de albergar ese ansiado espacio de armonía y paz a lo largo de su existencia, o por el contrario lo acompaña siempre un cierto grado de incertidumbre acerca de su presencia en la vida?

González desde "Mujer Extraña" incide en la necesidad de ser y expresar. Sánchez Kelly en "Proyección" concluye que las respuestas a las cuestiones vitales solo pueden hallarse siguiendo el ímpetu interior individual.

Obras

Julio González. Mujer Extraña. Tinta a la pluma y al pincel, lápiz de grafito y arcilla sobre papel. Año1941. Museu Nacional d`Art de Catalunya, Barcelona.

Sánchez Kelly. Proyección. Óleo sobre madera. 60x50cm. Año1969.

Keith Haring - Sánchez Kelly. Valores impuestos aniquilan la autenticidad

Tue, 22 Nov 2022 16:08:49 GMT

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En el marco del proyecto “ Diálogo entre artistas. El hilo de oro” , auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Exposición The Pop Art Culture , organizada por el espacio intercultural CentroCentro que tuvo lugar desde el 16 de junio al 18 de septiembre de 2022, comisariada por Lola Durán Úcar , donde se expusieron obras de cuatro artistas relevantes del Pop Art Americano: Haring, Lichtenstein, Rauschenberg y Warhol . En este artículo comentaremos la obra de Keith Haring (1958-1990) “Three Eyed Man" (serigrafía) de 1990 en diálogo con " Rostro" de Sánchez Kelly .

Haring actuaba sobre una realidad carente de sentido para él. En sus gráficos se advierte cierto enfado e interrogantes existenciales propios, que proyecta sobre sus dibujos en busca de respuestas. Una necesidad de hallar calma en sus creaciones, de encontrar coherencia en el paisaje vital lo lleva a perder el contacto, en cierta medida, con lo tangible, para adentrarse en un universo propio de sensaciones y vivencias, alejadas de las convenciones, para regresar cargado de la claridad que busca.

En ese sentido, sus dibujos en alguna medida transgresores, impactan visualmente en el espectador, incitándolo a replantarse muchas de sus actuales creencias, sin embargo, Haring deja plasmado en sus trabajos su deseo de realización sin lograr adentrarse de lleno en el paraíso propio. Sus diagramas creativos reflejan un relativo rencor frente a esa universalidad no alcanzada y un deseo de bienestar no logrado que le impiden vivir en paz.

Sánchez Kelly nos regala en 2004 este dibujo titulado “Rostro” . Diversos estados se perciben en el retrato, remarcados por los distintos colores que el autor va resaltando: gestos, miradas, sentimientos, pensamientos. Cada trazo nos habla de una parte de la personalidad del retratado que empuja al observador a detenerse y meditar acerca de los pensamientos o sentimientos propios: palabras no dichas, sensaciones ocultas, modos de ver...

Claro pesimismo se advierte en el semblante remarcado por el círculo y el cuadrado que rodean a ambos ojos, en combinación con el triángulo colocado a la altura de la nariz. Determinados modos de pensar bloquean la capacidad de percepción y no dejan espacio para la recreación y el esparcimiento, que son absorbidos por un talante tenso y exigente, fruto muy posiblemente de la educación recibida.

En esta creación, Sánchez Kelly destaca valores impuestos en una sociedad que exige al individuo comportamientos concretos que muy sutilmente van influyéndole hasta el punto de extinguir en él cualquier atisbo de autenticidad.

Harign en “Three Eyed Man” nos impulsa a bucear en lo oculto que cada uno posee, muy probablemente provocado por los comportamientos sociales impuestos.

Sánchez Kelly nos habla igualmente en “Rostro” de aquello que se queda relegado y olvidado en el ser humano, produciendo doblez y desconexión del interior profundo, que deriva en carencia de sentido y falta de integración.

Obras

Haring. Three Eyed Man. Serigrafía. Año 1990.

Sánchez Kelly. Rostro. Acuarela y lápiz sobre papel.14x19cm. Año 2004.

Andy Warhol- Sánchez Kelly. El silencio frente la verdad. Nadie sobrevive separado de su interior.

Mon, 14 Nov 2022 13:52:24 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Exposición The Pop Art Culture, organizada por el espacio intercultural CentroCentro que tuvo lugar desde el 16 de junio al 18 de septiembre de 2022, comisariada por Lola Durán Úcar, donde se expusieron obras de cuatro artistas relevantes del Pop Art Americano: Haring, Lichtenstein, Rauschenberg y Warhol. En este artículo comentaremos la obra de Andy Warhol (1928-1987) “Marilyn (serigrafía) de 1967.

Existe en el artista una obsesión por los rostros como reflejo de lo auténtico que se esconde detrás de las apariencias. Necesita ver lo que no se ve a simple vista y por ello hace hincapié en retratar a los personajes resaltando determinadas partes de la cara que le parecen más sobresalientes. Así en el retrato de Marilyn Monroe de 1967 destaca por separado la piel, la mirada, los labios y el pelo, aspectos que le permiten identificar con más claridad a la persona y a su interior.

El color azul nos habla de comunicación. La piel como elemento principal que divide lo interno de lo externo en el cuerpo físico, pintado de azul, pone de manifiesto la necesidad de transmitir algo que tiene el personaje y la exigencia de llamar la atención sobe ese mensaje.

El color rosado de los párpados, mitigan la fuerza de la mirada, y casi parece pasar inadvertida como si esa mirada y esos ojos no fueran reales, sino que estuvieran escondiendo lo verdadero.

El amarillo- naranja del pelo pretende demostrar que la melena, aunque corta, persigue enredar o confundir al espectador y enmarcar la personalidad poniendo énfasis en lo sensual, en el atractivo que puede tener el personaje para el espectador.

Finalmente, los labios, con tintes negros y rojos, indican que el retratado calla muchas cuestiones que no quiere que salgan a la luz, por miedo o porque chocarían con las costumbres imperantes en la sociedad que le tocó vivir.

Sánchez Kelly realizó innumerables retratos a lo largo de su carrera artística. Esta obra sin título fechada aproximadamente en la década de 1980, realizada con lápiz sobre papel, representa a un ser humano divido, perdido cuando su mirada solo se centra en lo material, en lo externo. Cuando lo sensible es suprimido, olvidado, reprimido, al individuo le falta su otra mirada fundamental, la que es capaz de realizar la lectura indicada de todo aquello que está sucediendo en el mundo exterior. Nadie puede sobrevivir dividido. Lo externo es un reflejo de lo interno que si no está presente en el proceso de observación de la experiencia vital, provoca pérdida de sentido.

Warhol utiliza los colores para irradiar un testimonio claro: el silencio frente a la verdad, la atracción unida a la sencillez que en el fondo persiste detrás de los modelos que se intentan imponer, lo sensible que ha de permanecer oculto, en un mundo que solo persigue lo superfluo.

Sánchez Kelly nos habla del vacío que impera en el ser humano cuando desecha su sentir, su compromiso fiel consigo mismo y se embarca en una vida sin sustancia, sin contenido real, buscando solo la satisfacción de los sentidos, olvidándose de su fundamento, violando a menudo su verdad en pos de conseguir y acumular lo efímero del mundo material.

Obras

Andy Warhol. Marilyn. Serigrafía. 1967. Colección Circa XX. IAACC Pablo Serrano. Gobierno de Aragón. Zaragoza.

Sánchez Kelly. Sin título. Década de 1980. Lápiz sobre papel.

Rauschenberg - Sánchez Kelly. Fronteras Impuestas. Compromiso. Interrelación pacífica

Sat, 05 Nov 2022 21:22:48 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Exposición The Pop Art Culture, organizada por el espacio intercultural CentroCentro que tuvo lugar desde el 16 de junio al 18 de septiembre de 2022, comisariada por Lola Durán Úcar, donde se expusieron obras de cuatro artistas relevantes del Pop Art Americano: Haring, Lichtenstein, Rauschenberg y Warhol. En este artículo comentaremos la obra de Robert Rauschenberg (1925-2008) Untitled I (litografía y offset) de 1970.

La actitud crítica y un deseo de abstraerse de lo mundano para extraer lo real, caracterizó la obra de este singular creador. Los distintos materiales que utilizó para dar rienda suelta a su creatividad, constituyen hoy piezas únicas que bien merecen conservarse.

La realidad basada en lo que establece la mayoría como verdad o lo que el último en llegar al poder impone, a menudo teñido de un barniz de credibilidad o de importancia, nutre la sociedad contemporánea. Los distintos reductos sociales en los que cada cual se encasilla, albergan multitud de matices, muchas veces imperceptibles, que van conformando al individuo, lo van influyendo y lo van empujando a una toma de postura determinada a priori.

Ese encasillamiento del que huía y denunciaba Rauschenberg se hace visible en su producción, que asiduamente carece de belleza a simple vista; solo adentrándonos detalladamente en sus composiciones, es posible percibir el mensaje que procura transmitir y que deja entrever su espíritu libre transgresor de fronteras impuestas por la mayoría, necesario para acceder al público en general, frecuentemente carente de espacios de meditación o de debate sincero, donde poder evaluar con profundidad lo que está sucediendo en la globalidad.

Plasmaciones repletas de un lenguaje directo de denuncia y oposición a las injusticias caracterizan la creación visual de Rauschenberg.

En 2007 Sánchez Kelly nos regala Cabezas, un Collage sobre cartón lleno de particularidades y colores, donde resaltan las cabezas diseminadas a lo largo del cuadro, poniendo de manifiesto la importancia de la toma de consciencia del individuo con su pensamiento y la forma de verse a sí mismo y al mundo. Resalta la necesidad de compromiso fiel del hombre con su entorno y de la exigencia de interrelacionarse pacíficamente con los demás, como un modo indiscutible de crecimiento.

No se puede evolucionar prescindiendo del otro. La clave radica en hallar detrás de las disputas, un punto de equilibrio donde no exista la confrontación. Situarse más allá del pensamiento cuesta, pero innegablemente no se puede llegar al entendimiento profundo desde las ideas. Es imprescindible conectar con los demás desde lo esencial, desde el punto único donde todos somos iguales, de lo contrario la controversia juega al despiste con el ser humano, impidiéndole continuar su evolución, hasta descubrir su verdadera identidad.

Rauschenberg nos embriaga con su oposición a lo establecido, alentándonos a replantearnos el suelo que pisamos, una y otra vez.

Sánchez Kelly nos recuerda que debemos hacer abstracción de todo lo que nos incita a enfrentarnos y a discutir para engendrar un espacio de unidad con todo.

Obras

Robert Rauschenberg. “Untitled I. Litografía y offset. 1970

Sánchez Kelly. “ Cabezas”. Collage sobre Cartón, 70x100 cm. Año 2007

Roy Lichtenstein- Sánchez kelly. Respuesta vital que cree estandartes reales.

Tue, 01 Nov 2022 15:48:18 GMT

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En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Exposición The Pop Art Culture que tuvo lugar en Madrid desde el 16 de junio al 18 de septiembre de 2022 comisariada por Lola Durán Úcar, donde se expusieron obras de cuatro artistas relevantes del Pop Art Americano: Haring, Lichtenstein, Rauschenberg y Warhol. En este artículo comentaremos la obra de Roy Lichtenstein “The sower” (The Van Gogh Poster) de 1990.

Oleadas de impresiones se plasman en esta obra repleta de matices vivos, donde su autor pretende mostrar el movimiento, la viveza del color y un estilo inusual cargado de simbolismos que expresan los avatares de la vida, los miedos, los sinsabores, las tendencias en los diversos comportamientos, a veces enigmáticos, del ser humano.

Todo se tiñe de un color especial cuando Lichtenstein ocupa su tiempo en mirar la realidad; parece absorto en sus propias contradicciones o dilemas internos que después observa en la sociedad que le rodea. Busca y no halla, una especie de eslabón perdido que le dé certezas que le faltan, acerca de su propia realidad.

En sus obras intenta llamar la atención del espectador haciendo hincapié en sus interrogantes, que plasma con matices casi imperceptibles, en los dibujos que expone.

¿Qué persigue en The sower? Hallar respuestas, ubicarnos dentro de los paradigmas ficticios que ocupan nuestro tiempo, para impulsarnos a perseguir igual que él, nuevos derroteros donde hallar claridad.

En 1990 Sánchez Kelly pinta la serie Mensajes de la cual extraemos Abstracto 54. El fondo anaranjado nos resalta diversos planos superpuestos que parecen introducirnos gradualmente en distintos estados o modos de pensar. El artista parece representar la necesidad de comunicación existente entre los seres humanos, más allá de las formas que, con frecuencia, trastocan esa comunicación o la limitan impidiendo el entendimiento pacífico. El mensaje representado por el rectángulo rojizo parece querer permanecer o estar presente para unir mundos dispares.

Lichtenstein con “The Sower” se apresura a abrazar el momento para dejarnos ver pedazos de tiempo, eslabones perdidos que nos impulsen y nos ayuden en la búsqueda de sentido.

Sánchez Kelly con “Abstracto 54” resalta la necesidad de dialogar sin dañar. El entendimiento pacífico tan necesario en la sociedad heterogénea en la que convivimos, nos obliga a replantear nuestros objetivos e ideales en pos del bienestar global.

Obras comentadas

Lichtenstein “The sower” (The Van Gogh Poster)Litografía Offset. 1990

Sánchez Kelly: Serie mensajes. Abstracto 54. Acrílico sobre papel. 54x39. 1990.

Tondosmiling - Sánchez Kelly. Mundo pantalla. Era Post Internet. Tradición y modernidad.

Sun, 23 Oct 2022 08:58:33 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la exposición Proyecto Connecting de TondoSmiling (1) organizada por el Museo Lázaro Galdiano que tuvo lugar del 18 de Mayo al 28 de Agosto de 2022. En este artículo comentaremos la obra “Speculum”.

Los ojos proyectados por Tondosmiling en el techo, cerca de los retratos en miniatura expuestos en el museo y usados antiguamente para socializar, procuran hacer una comparación entre el pasado y el mundo moderno, a la vez que resaltan el proceso de observación como hecho fundamental para realizar la conexión entre lo externo y lo interno. Una puesta en escena repetida a lo largo de la exposición que incide en la conexión entre lo antiguo y lo actual como canal válido de conocimiento, que impulsa y ayuda al ser humano a seguir andando por la senda de su evolución, facilitándole el proceso de reconocimiento de su esencialidad, único camino para hallar el sentido verdadero.

En el año 2003 Sánchez Kelly realiza la exposición Tondos. La especial disposición de los círculos que componen la muestra, pretende dibujar un sendero de reencuentro del individuo consigo mismo y con su entorno, como un modo de recordarle que todo empieza y acaba en él, que la realidad separada no existe y que todas las repuestas debe hallarlas primero su interior, como una forma de redefinición de sí hasta el infinito.

Tondosmiling por medio de su puesta en escena resalta la necesidad que tiene el ser humano de dialogar con su entorno, con su pasado y con su presente, como marco indispensable para comprender su existencia.

Sánchez Kelly aborda el tema de la búsqueda de la verdad, siempre desde el fuero interno y nos recuerda que solo se puede realizar dicho emprendimiento, centrándose cada cual en su propia individualidad, sin dejarse arrastrar por ninguna corriente que no sintonice primero con su yo profundo.

(1)Proyecto Connecting propone una reflexión sobre la capacidad del individuo para reconocerse en una sociedad conectada y marcada por las nuevas tecnologías. A través de diferentes formatos instalativos, como el vídeo mapping, neones o vídeo proyecciones, la exposición articula un diálogo entre tradición y modernidad, a partir de la cultura del dispositivo y el mundo-pantalla. La muestra está distribuida en seis salas y centra su atención en la imagen conectada, visibilizando el conflicto entre lo real y lo virtual, el observador y lo observado.

TONDOsmiling, dúo formado por Lucía Cristóbal Marín y Ramón López de Benito, proponen una revisión crítica sobre la experiencia de la imagen en la era post-internet. Desarrollan su investigación conjuntamente en espacios físicos separados, Alemania y España, construyendo sus obras en la red”. (Fragmento del Catálogo de la exposición del Museo Lázaro Galdiano.)

Fotografía Tondosmailing. Claudia G. Sánchez

Fotografía Sánchez Kelly Muestra TAV Año 2003 “Tondos”. Autor Desconocido

Sorolla- Sánchez Kelly. La naturaleza del comportamiento Humano. El hambre de ser

Sat, 15 Oct 2022 11:18:55 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Exposición SOROLLA EN NEGRO organizada por el Museo Sorolla que se puede visitar hasta el 27 de Noviembre de 2022. En este artículo comentaremos la obra “Estudio para Otra Margarita” de 1892.

La maestría en el uso del negro por parte del autor, sobrecoge y empuja a dirigir la mirada de forma insistente en las figuras, cuyas siluetas desdibujadas insinúan diversos escenarios que nos incitan a imaginar.

Tristeza, melancolía, abatimiento, idea de justicia, venganza, curiosidad o terror son solo algunas de las emociones que, a primera vista, se pueden percibir. Más allá, detrás de las casi imperceptibles facciones de los protagonistas, se pueden adivinar universos de sensaciones que calladamente pueden estar experimentando. Sin duda, una estampa impactante que dirige al espectador a introducirse en sus propios temores, dudas o sinsabores, llamando a la reflexión acerca de la naturaleza del comportamiento humano.

El dolor, la aniquilación o el miedo son algunos de los sentimientos que parecen desprenderse de la obra “Lamento”, carbón sobre papel de 1989, donde Sánchez Kelly nos dibuja con trazos sencillos y contundentes, un momento de profundo dolor o angustia, donde el ser humano se encuentra de forma tormentosa con su interior más recóndito, en el que no halla el consuelo necesario para serenarse.

Transmitir, comunicar a través de la expresión visual, es la labor de los artistas plásticos. Recordarnos lo que somos y quiénes somos, acercarnos a nuestra verdadera y única identidad, a través de colores y formas, nos ayuda a plantearnos una y otra vez nuestra presencia en la vida. Qué hacemos y para qué lo hacemos. Averiguar el sentido es la clave.

Sorolla incide en los claroscuros de la personalidad, en la maldad, muchas veces soterrada, que separa y divide a quienes no siguen la senda prefijada de antemano, buscando una ansiada perfección que a ojos humanos puede parecer inhumana.

Sánchez Kelly saca a la luz el hambre de ser, a través de una exclamación de dolor que arranca de las cenizas de lo destruido, los despojos de una andadura errónea recorrida por un individuo, a menudo perdido en su deambular vital.

Obras

Sorolla. “Estudio para Otra Margarita”. Óleo sobre lienzo. Año 1892.

Sánchez Kelly. “Lamento”. Carbón sobre papel. 70x100cm. Año 1989.

Los museos. Oportunidades de formar, influir, desafiar y transformar

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Fri, 14 Oct 2022 19:26:12 GMT

Uno de los fenómenos que hoy llama la atención en los museos, es la experiencia de algunos de sus visitantes frente a determinadas obras de arte; Carmen Reviriego los considera “peregrinos a eso nuevos templos, surgidos de los huecos dejados por la “falta de vigencia de Dios en nuestras sociedades”.

El ser humano en general - consciente o inconscientemente- busca el sentido de la vida, y algunos visitantes de museos son, efectivamente, como “peregrinos” que buscan la Esencia en la contemplación de una gran obra, donde surge -casi espontaneo- un diálogo silencioso - que a veces-, adquiere connotaciones casi religiosas. Se trata de un llamado, de un “adentro hasta otro adentro, tras el cual quedamos irremediablemente tocados en lo más hondo y por tanto humanizados…” (Carmen Reviriego- Forbes México 2017)

En nuestra sociedad occidental no es Dios quien ha perdido vigencia, sino la “idea de Dios” que propagan las instituciones religiosas tradicionales y ellas mismas han perdido vigencia debido a múltiples causas, entre las que destacan dos según Willigis Jäguer: el triunfo de la moderna cosmovisión científica y la oferta teológica – que no toma en consideración los conocimientos de la ciencia moderna y reitera un concepto anticuado del mundo, que hoy se torna insostenible. (“La ola es el Mar”)

El arte en su expresión, arrastra al espectador a sumergirse en multitud de dimensiones que, a menudo, se escapan de su yo consciente y le sumergen en un viaje hacia sí mismo que no tiene fin. En este sentido, los Museos ofrecen al espectador, el escenario apto que facilita, a través de la contemplación de la obra de arte “ese” encuentro; fuera, se hallan los estímulos que nos impulsan a ese “otro adentro” del que habla Carmen Reviriego. Los nuevos templos de Dios - para muchos- no están fuera, están dentro del corazón de cada uno.

Los museos tienen la oportunidad de formar, influir, desafiar, y transformar la visión de los visitantes, y en la medida en que se busque allanar el camino a otros, para producir un cambio, un reencuentro consigo mismo, con “eso” intangible que habita en nosotros, es válido orientar las colecciones que se seleccionen como contenido de los Museos de arte, para que sus símbolos ayuden e impulsen en esa dirección.

Sánchez Kelly edificó su propio “templo interior” y quiso compartirlo con nosotros, escribiendo con imágenes el tránsito o proceso de esa Realidad para conducirnos -sin atajos- al “despertar”, al reencuentro con nuestro sí mismo, nuestra verdadera identidad o esencia. Esta es la filosofía que inspira el Proyecto Museo Sánchez Kelly de la Ciudad de Resistencia-Argentina, que está en camino de su pronta realización.

El nuevo paradigma. Museos con alma. La nueva definición de Museos de ICOM

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sun, 02 Oct 2022 11:18:31 GMT

En Praga, el 24 de agosto de 2022, la Asamblea General Extraordinaria del ICOM (Consejo Internacional de Museos), aprueba la nueva definición de Museos, que ha motivado diversos comentarios por parte de los profesionales del sector, a favor y en contra:

“Un museo es una institución permanente, sin ánimo de lucro al servicio de la sociedad que investiga, colecciona, conserva, interpreta y expone el patrimonio material e inmaterial. Abiertos al público, accesibles e inclusivos, los museos fomentan la diversidad y sostenibilidad. Funcionan y se comunican de forma ética, profesional y con la participación de las comunidades, ofreciendo experiencias variadas para la educación, el disfrute, la reflexión y el intercambio de conocimiento.”1

Hasta la fecha ha habido varias definiciones que se aprueban con reservas. En el año 1946, el ICOM elabora por primera vez una definición de museo:

“La palabra museo incluye todas las colecciones abiertas al público de material artístico, técnico, científico, histórico o arqueológico, incluidos zoológicos, jardines botánicos, excluyendo a las bibliotecas, excepto en la medida en que mantengan exposiciones permanentes”.2

Años más tarde, en 1961, Edwen H Colbert publicó un artículo que tituló: “¿Qué es un museo? Y descubrió en la definición del concepto, dos elementos esenciales: la preservación de los objetos y la interpretación”. Por las mismas fechas, el ICOM reconocerá como museo a cualquier institución permanente que conserve y exhiba con fines de estudio, educación y disfrute, colecciones de objetos de importancia cultural o científica.3

En el año 2019, el ICOM dio a conocer su propuesta de definición en dos párrafos:

“Los Museos son espacios democratizadores, inclusivos y polifónicos, de diálogo crítico sobre el pasado y el futuro. Reconociendo y abordando los conflictos y desafíos del presente, conservan artefactos y especímenes en fideicomiso para la sociedad, salvaguardan recuerdos para las generaciones futuras y garantizan la igualdad de derechos y el acceso igualitario al patrimonio de todas las personas”.

“Los museos no tienen ánimo de lucro. Son participativos y transparentes y trabajan en asociación activa con y para diversas comunidades para recopilar, preservar, investigar, interpretar, exhibir y mejorar la comprensión del mundo, con el objetivo de contribuir a la dignidad humana y la justicia social, la igualdad global y el bienestar planetario”.4

La nueva propuesta fue calificada por la presidenta del ICOM Juliette Raoul Duval como de “manifiesto ideológico” y no obtuvo muchas adhesiones entre los expertos y académicos. No existe acuerdo para definir a los museos, existe confusión a nivel académico sobre lo que “es o debería ser un museo”; esto se refleja en los diferentes intentos por definirlo.

Estamos viviendo un nuevo paradigma y el público se ha vuelto más exigente con las instituciones culturales. Una mayoría no se conforma con trivialidades, tendencias y fuegos artificiales que encandilan temporalmente pero no aportan ni llenan el vacío existencial que invade, individual y colectivamente, a una sociedad desarticulada y carente de valores.

Se está abriendo paso sutilmente la búsqueda de verdades profundas, de valores auténticos y por ello existe una necesidad vital de incursionar en dimensiones y espacios temporales nuevos, que den respuesta a la sinrazón que invade y ahoga.

Es preciso que surjan MUSEOS CON ALMA capaces de despertar al espectador del sueño de la vida y transportarlo a ese estado más allá de la razón, desde donde poder volar y alcanzar la plenitud de existir.

Las circunstancias - algunas muy graves- que acontecen en la humanidad, empujan a una toma de consciencia. Es hora de asumir responsabilidades -que como seres humanos nos toca- frente a una sociedad desarticulada que camina a su autodestrucción.

El Proyecto MUSEO SANCHEZ KELLY, promovido por la familia del artista, en la ciudad de Resistencia, Provincia del Chaco- Argentina, está encaminado a ofrecer la visión profunda – con ALMA- que el artista dotó a su obra.

1-2-3-4- “Definiendo el museo: lucha contra una nueva identidad”. Publ.11 de junio de 20221 http://xn--evemuseografa-7ib.com/

Fotografía Museo Guggenheim- Bilbao-España de Claudia G. Sánchez

CONTENIDO O CONTINENTE EN LOS MUSEOS DE ARTE

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 24 Sep 2022 15:46:23 GMT

Las formas de gestión y de consumo de la cultura, especialmente en el ecosistema museístico, están en proceso de continuo cambio que, en muchas ocasiones, distorsionan el objetivo principal.

En las últimas décadas, los museos de arte se han caracterizado por la espectacularidad de sus edificios, que llegan a eclipsar el contenido de los mismos; un ejemplo lo podemos encontrar en el Museo Guggenheim de Bilbao (España).

Otra de las tendencias actuales, es la preocupación por la “participación” en los eventos y actividades complementaria a las propias del Museo, sin que el público pase a ver las exposiciones permanentes. El cambio hacia la participación no solo se da en los museos de arte, sino que adquiere carácter general.

Un museo ha de ser importante y exitoso no solo por su arquitectura y actividades complementarias, sino y esencialmente, por su contenido relevante y bien orientado, que invite a visitarlo.

Otro factor que se suma a los anteriores es la incorporación de las tecnologías en el firmamento artístico y cultural, hecho que está cambiando la percepción y el enfoque de los expertos y gestores, responsables de orientar el interés de la comunidad de visitantes.

Si un museo pierde su objetivo principal, disipa también la esencia de su existencia. Si el público, acude a escuchar un concierto u otro evento sin ninguna vinculación- directa e indirecta- con los contenidos de las colecciones expuestas, será difícil distinguirlo de cualquier otro centro de ocio.

Este verano, el Museo Lázaro Galdiano de Madrid habilitó sus jardines para ocio nocturno de los jóvenes -bar de copas, animado por eventos musicales-. Llama la atención el éxito de la convocatoria; acude en masa público de distinta procedencia que incluso, espera fuera del recinto para acceder.

La confusión imperante en las sociedades se traslada a las instituciones. Los proyectos arquitectónicos y las actividades de las pinacotecas, han de diseñarse teniendo en cuenta una parte importante de sus contenidos, si no se quiere desvirtuar su naturaleza y sucumbir.

En el universo museístico internacional, surgen por doquier nuevas formas de aproximación a los contenidos de las colecciones, que han de ser estudiadas con esmero y atención para proyectar a la sociedad propuestas y respuestas adecuadas al nuevo paradigma que se vive e impone. Los responsables y gestores han de asumir en consciencia sus compromisos profesionales, sin dejarse arrastrar por modas y tendencias.

Sanmiguel - Sánchez Kelly. la historia con protagonistas contemporáneos. El poder sin escrúpulos. Confusión y desarraigo. Un viaje en busca de significados

Sat, 17 Sep 2022 15:32:38 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía - Palacio de Velázquez y asistimos a la exposición de Néstor Sanmiguel Diest (Zaragoza 1949), “La peripecia del autómata” que tendrá lugar desde el 3 de Junio al 19 de Septiembre de 2022. En este artículo comentaremos el trabajo titulado Libro para Manuel (El segundo nombre de las cosas) 2009-2010.

Se trata de una composición donde abundan los textos (Libro de Manuel de Julio Cortázar) y diversos materiales que el artista superpone a los mismos, conformando un entramado que parece marcar un camino de reflexión.

Treinta y tres paneles estructuran esta fusión entre literatura de los años 70 y pintura que el autor actualiza a través de las imágenes que intercala, a lo largo de las secuencias en las que está dividida la obra.

Sanmiguel parece establecer una clara correlación entre los sucesos del siglo XXI y los del pasado, procurando reescribir la misma historia con protagonistas contemporáneos.

Cierto aire de interrogación mezclado con pesimismo vital se presiente cuando nos fijamos en el color de fondo y la necesidad de comunicación sosegada pero difícil de establecer con el mundo exterior, corona esta propuesta.

Una búsqueda de eco poco lograda se intuye en el alma del artista, perseguida desde una órbita especial, donde pocos pueden acceder; es la tónica dominante de esta singular expresión visual.

En " Peces" , las formas geométricas con las que está construido el cuadro, deslizan al espectador hacia un viaje donde las perspectivas lo inducen a sentir, a buscar significados, a contemplar el presente como parte del itinerario de apreciaciones existenciales, al que está abocado el ser humano.

Rápidos y nítidos trazos nos hablan de serenidad en la búsqueda sin palabras, pero con gestos claros de compromiso y fidelidad a uno mismo, en primer término, paso indispensable para crear una convivencia pacífica, en un mundo cargado de hostilidad y competencia desmedida, por ganar altas cotas de poder, sin escrúpulos.

Como peces navegando a la deriva se mueven muchos, sin entender, generando confusión y desarraigo. En la parte superior de la obra, podemos observar que Sánchez Kelly resalta los valores y la necesidad de un cambio, poniendo acento en la intención, ancla indefectible donde medir las inquietudes propias y ajenas.

La exigencia de diálogo interno y externo enmarca la creación, incidiendo en el estudio de las acciones, esfera ineludible para generar bienestar global.

Sanmiguel recurre a distintos momentos históricos para recrearnos un escenario actual carente de orientación, sin claves contundentes que provoquen reflexiones profundas.

Sánchez Kelly interroga al observador acerca de su presente, obligándole a tomar una postura clara y un mayor vínculo consigo mismo, imprescindible para seguir ascendiendo en la escala evolutiva.

Obras

Néstor Sanmiguel. Libro para Manuel (El segundo nombre de las cosas) 2009-2010. Tinta, acrílico, grafito, laca, objetos diversos y papel sobre cartón, sobre ocume (33 piezas)

Sánchez Kelly. Peces. pastel s/ cartón. 70x100 cm.

Néstor Sanmiguel- Sánchez Kelly. El alcance de la creación y las mini cápsulas vitales

Sat, 10 Sep 2022 23:10:30 GMT

En el marco del proyecto “ Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly , visitamos El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía- Palacio de Velázquez y asistimos a la exposición de Néstor Sanmiguel Diest (Zaragoza 1949), “La peripecia del autómata” que tendrá lugar desde el 3 de Junio al 19 de Septiembre de 2022. En este articulo comentaremos la obra “Avluela se preparó para volar” del año 2019.

Existe en esta obra una búsqueda de sentido existencial, remarcada por los textos que observamos a la izquierda del cuadro. Sin embargo, más allá de lo escrito, el artista pinta las nebulosas en las que navegamos a lo largo de la vida, ubicadas en la zona central de la composición, donde apenas se pueden percibir pequeños atisbos de claridad, en nimias dosis que no ayudan a una visión de conjunto.

Las parcelas en las que se divide la existencia, dificultan en gran medida poder disfrutar de una perspectiva completa de la realidad, única vía para entender el alcance de la creación.

El ser humano ha de emprender su vuelo o viaje particular de investigación de su esencia, a través de las vivencias cotidianas que lo irán conduciendo, paulatinamente, a un punto de vista global, sin embargo, aún hoy, esta conclusión está lejos de albergarse de un modo completo y debemos conformarnos con seguir avanzando despacio, desde mini cápsulas vitales o espacios reducidos, donde profundizar para, tal vez algún día, completar el gran rompecabezas vital.

En el año 2003 Sánchez Kelly nos ofrece estas creaciones sobre madera que simulan puzles para hablarnos sobre la exigencia de seguir buscándonos a nosotros mismos con el fin de hallar las piezas que faltan en nuestro rompecabezas vital. El individuo, encerrado en sí mismo, si no se expresa en libertad, si no se relaciona desde la armonía y la paz con su entorno, no podrá seguir avanzado en su evolución y puede correr el riesgo de perecer, víctima de sus propias contradicciones y faltas.

No se puede crecer en aislamiento. Las relaciones sanas que mantenemos con el entorno, son reflejos propios que alumbrarán nuestra senda. En la medida en que solo nos fijamos metas propias, sin importar las de los demás, estamos contribuyendo a contravenir el orden universal, que pasa inexorablemente por ocupar un lugar, no el lugar, dentro de un marco donde otros también han de ocupar los suyos, y todos en conjunto conformar una solo dirección, una misma figura.

El yo que vive aislado del resto, solo desordena y pierde la mirada real. En la medida en que nos abrimos y tenemos en cuenta a los que nos rodean, estamos abrazándonos fuertemente a la vez que contribuyendo a crear lazos cada vez más fuertes de luz, de amor, de respeto, de coherencia, de integración. En la medida en que vivimos integrándonos e integrando lo otro, alcanzaremos la cima, la sabiduría y comprenderemos, al fin, el significado de la naturaleza humana.

Sanmiguel y Sánchez Kelly hacen hincapié en la necesidad de buscar lo esencial; el primero resalta los escenarios en los que se halla actualmente la raza humana y el segundo completa ese enfoque, indicando cuál es el camino.

Obras

Néstor San Miguel. “Avluela se preparó para volar”. Año 2019. Acrílico y tinta sobre tela. Colección particular Maisterravalbuena - Madrid.

Sánchez Kelly

Nº 1 “Triángulo III. Técnica Mixta. Acrílico sobre madera. 40x40x40cm. Año 2003

Nº 2 “C”. Técnica Mixta. Acrílico sobre madera, 53x40 cm. Año 2003

Rodolfo Schenone - Sánchez Kelly. De tú a tú. Las crisis y perturbaciones globales en el contexto vital

Sun, 04 Sep 2022 19:27:09 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos al artista plástico argentino RODOLFO SCHENONE (CORRIENTES- ARGENTINA 1936). En este artículo comentaremos la obra titulada En “Espinel”, óleo sobre tela del año 2015.

En “Espinel”, Schenone nos habla de la supervivencia, del modo de vida como tema principal, estimulando al espectador a recrearse en su propia realidad y en los dilemas que la existencia presenta, a menudo. El fondo plano refuerza la intención del autor de no dejarnos escapar en detalles superfluos, que distraen la atención de la escena principal. El esquema vital con sus dificultades, con los aciertos y los desaciertos, con las vacilaciones que nos acompañan, frecuentemente, nos empujan a tomar decisiones sin tener atisbos de seguridades ni certezas.

La duda existencial es el tema predominante en una obra que nos recuerda la necesidad de tener en cuenta siempre la intención con la que construimos nuestro mundo, de tal forma que no nos dejemos arrastrar por los sueños vagos que, a veces, ocasionan que podamos perdernos del camino principal.

En “Ventanilla” de la Serie Pasajeros del año 2009 Sánchez Kelly aborda el tema de los hábitos, de las esperanzas e ilusiones y del paso del tiempo representado por el personaje central que observa a través de la ventana. Los diferentes colores en los que divide la composición, resaltan la exigencia de un mayor diálogo interior, a los efectos de comprender el contexto vital, de tal forma que deje de ser algo externo o lejano del observador para convertirse en un gran espejo, donde poder verse a sí mismo. Así mismo hace hincapié en la urgencia de dejar a un lado los valores impuestos para investigar en los detalles personales, sendero fundamental que debe recorrerse de modo individual y en soledad. De lo contrario, el ser humano corre el riesgo de vivir aislado de si y del entorno, provocando crisis y convulsiones permanentes que se traducirán en perturbaciones globales, más tarde o más temprano.

Schenone pone el acento en el presente, en lo que podemos tocar o sentir hoy, como punto de partida para elaborar el paso siguiente.

Sánchez Kelly hace hincapié en la necesaria postura de responsabilidad que debe asumir el individuo sobre su condición y sobre el destino global.

Obras

“Espinel” Óleo sobre tela. 0,70x0,90cm. Año 2015

“Ventanilla”. Serie pasajeros Punta seca. 19x13cm. Año 2009

Rodolfo Schenone - Sánchez Kelly. De tú a tú. Protagonistas, sí. Meros espectadores, no

Sat, 03 Sep 2022 13:16:00 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly , visitamos al artista plástico argentino RODOLFO SCHENONE (CORRIENTES- ARGENTINA 1936). En este artículo comentaremos la obra titulada “ Recordando a mamá” óleo sobre madera del año 2022.

Se trata de una obra que representa el paso del tiempo. Los recuerdos evocados esencialmente a través de las flores y del retrato ubicado en el extremo izquierdo del dibujo, enmarcan el cuadro y preparan la mirada para resaltar el ambiente del interior de la habitación que simboliza la vida, las experiencias cotidianas, las costumbres, el pasado, el presente y un posible futuro donde la esperanza toma el protagonismo.

Vemos a la figura principal con las manos entrelazadas a la espera de algo que vendrá, con poca fuerza o decisión. El miedo o la falta de ímpetu ante los desafíos vitales, son otros de los temas centrales. Los colores empleados potencian el ambiente que remata este trabajo, donde se respira cierta tristeza o melancolía mezclada con incertidumbre.

Las penurias, los objetivos vitales, el sendero de la vida con las carencias humanas, son los protagonistas de la estampa.

Su autor nos invita a reflexionar acerca de los pormenores que nos llevan a actuar, a decir, a pensar, a realizar acciones que nos impliquen en la vida y nos provoquen sentir que somos protagonistas del camino y no meros espectadores movidos por una existencia que no entendemos.

En 2009 Sánchez Kelly nos regala la estampa titulada “Cada uno en su tema” perteneciente a la Serie Pasajeros . Se trata de una composición donde el artista retrata a tres personas en diferentes posturas, internas y externas. Cada una se halla inmersa en sus dilemas y conflictos, y aunque en apariencia son iguales, sus distintas ópticas de visión determinan circunstancias y resultados diversos.

De algún modo, Sánchez Kelly nos acerca a la certeza de que existen innumerables modos de ver y de existir detrás de cada ser humano, que producen consecuencias dispares, y en ese sentido resalta que no es posible la convivencia pacífica, mientras el individuo viva absorto en sus propios desafíos.

La clave radica en ser y observar a cada instante el universo interior que cada cual posee, con el fin de producir en el exterior equilibrio y no choques frontales, que son los que a menudo se reflejan en la sociedad.

Los colores fragmentados ponen de manifiesto las barreras o estructuras que conforman al ser que vive exclusivamente desde y por ellas.

Las dudas, las rivalidades provocan divisiones y aislamientos, desde los cuales es muy difícil acceder a un escenario de fraternidad.

Es preciso revisar los conflictos propios si se quiere producir armonía en el exterior, único camino válido para una convivencia pacífica.

Schenone retrata con claridad las sensaciones y vivencias por las que atraviesa las personas cuando se enfrentan a la vida y no entienden exactamente cuál es su papel.

Sánchez Kelly alerta sobre la necesidad urgente que tiene el género humano de conciliarse consigo mismo si en verdad pretende construir un pedestal que le permita seguir avanzando en su camino de evolución.

Obras

Rodolfo Schenone. Título “Recordando a mamá”. Óleo sobre madera. 0,40 x 0,50cm. Año 2022.

Sánchez Kelly. Título: “Cada uno en su tema”. Punta Seca. 28x19 cm. Año 2009

Dalí-Sánchez Kelly. Humanidad y vida. Ignorancia. Ensoñación. Magia. Vacío. Autodestrucción.

Sat, 20 Aug 2022 13:40:48 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos El Teatro-Museo Dalí en Figueres - Girona (España). En este artículo comentaremos la obra “ Composición Satírica” del año 1923 (Óleo sobre cartón. 138x105cm).

El mundo de la ensoñación mezclado con una intención de denuncia de lo establecido, dirigen al espectador en esta composición, donde resaltan las figuras desnudas flotando en el espacio circundante a los músicos, que se hallan en el extremo inferior del cuadro.

El color azul mezclado con negro del fondo, alude a la noche, a la imaginación, al sueño, a los deseos, a lo prohibido en un intento por remarcar el estilo de vida de la época, donde la moral limita las acciones y determina en gran medida un espíritu apagado o poco entusiasta.

Dalí considerado el máximo exponente del surrealismo, se mantuvo fiel a lo largo de su carrera artística a este estilo, a través de cual pudo profundizar en la naturaleza de las cosas, y dando rienda suelta a su imaginación, nos brindó creaciones que trascienden el espacio tiempo y nos sitúan en una visión donde la magia se convierte en guía, que nos transporta al cielo de las nuevas oportunidades.

En 1979 Sánchez Kelly pinta " Marioneta Estrella" , obra perteneciente a la Serie Marionetas. En ella retrata la ignorancia en la que está sumida la humanidad, carente de información veraz acerca de su esencia. Describe cómo el ser humano se halla encerrado en la razón, dominado o manejado por la mente que ahoga, cortando o dificultando su acceso a estadios más sutiles que el artista presiente que nos conforman, pero a los que no se pude acceder desde la óptica solo racional.

Subraya un exceso desarrollo de la mirada hacia el mundo exterior sin apenas dar importancia al interior o a la visión trascendente. Todo ello deriva en una sociedad próspera a nivel material, pero vacía o poco fortalecida en la búsqueda de certezas, acerca de su origen.

El panorama que Sánchez Kelly nos otorga en este trabajo, sume al individuo en oscuridad y falta de sosiego.

Dalí destaca la falta de libertad y la necesidad de romper con los convencionalismos, como camino necesario para recobrar el sendero que lleve al ser humano a buscar nuevamente el sentido de su existencia.

Sánchez Kelly remarca que una vida vivida solo desde la razón, no ayuda a la evolución real, sumergiendo a la humanidad, cada vez más, en una mayor ceguera que conduce a la autodestrucción.

Obras

Dalí. “Composición Satírica”. Año 1923. Óleo sobre cartón. 138x105cm.

Sánchez Kelly. Marioneta Estrella. 1979. Acrílico sobre fibra aglomerada.18x24

Alex Katz Sánchez Kelly. Arte Impacto. Exponer sin pretender.

Sat, 13 Aug 2022 11:01:22 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly , visitamos La Exposición del pintor norteamericano ALEX KATZ (New York 1927) organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza que se puede visitar desde el 11 de Junio al 11 de septiembre de 2022. En este artículo comentaremos la obra “ The Red Smile ” (1963).

Se trata de una representación donde el autor resalta totalmente el rostro retratado, sirviéndose de un fondo plano, que invita a centrar la observación exclusivamente en los gestos, recurso habitual en las pinturas de este singular artista, considerado precursor del Pop Art .

Gestos cotidianos dibujados con aire sosegado y colores sin grandes matices, van conformando los escenarios pictóricos preferidos por Katz. Pretende mostrar con soltura y sin tapujos, el ambiente escogido sin apenas intervención interpretativa.

Cierta soledad o aislamiento se intuye en la composición, aunque de modo sutil. Poco a poco, nos obliga a imaginar o presentir el ánimo del protagonista, dejando entrever con sus pinceladas, su deseo de exponer sin pretender.

La clave de su actuación radica en el escaso deseo de proyectar su visión particular. La desaparición del artista deja paso libre al espectador para introducirse en la imagen sin sombras, que le induzcan a pensar o sentir. Un arte de impacto y con poca presencia de su autor, es una de sus características principales.

Sánchez Kelly realizó en 1996 esta obra titulada Chica Contenta . Se trata de un dibujo con trazos sencillos, donde su autor recurre al contraste de sombras y luces para resaltar los aspectos más enigmáticos del retratado, haciendo hincapié en los valores que pretende transmitir, pero dejando paso a la imaginación del espectador, en los matices ocultos que también dibuja.

Sánchez Kelly no fue pródigo en retratos; podemos encontrar ejemplos de este recurso gráfico sobre todo en trabajos creados con pastel sobre papel.

La clave del artista radica en comunicar lo que ve desde su óptica particular, utilizando la técnica y el estilo que le caracteriza, procurando llegar al público de una forma sencilla y con precisión.

Alex Katz supo encontrar en sus grandes figuras, el canal idóneo para entablar su diálogo particular con el espectador.

Sánchez Kelly fraguó sus composiciones con una intención de mostrar realidades parciales de sus personajes, pero sin traicionar sus más escondidos secretos. ¿Qué quería decirnos en realidad? Tal vez que busquemos saber más de nosotros en vez de entretener nuestro tiempo averiguando sobre la vida de los demás.

Obras

Alex Katz. The Red Smile. Óleo sobre Lienzo. 1963

Sánchez Kelly. Chica Contenta. Pastel s/ Papel. 76x110cm. 1996

Max Ernst- Sánchez Kelly. El individuo desbordado por el paisaje circundante.

Sun, 07 Aug 2022 14:27:23 GMT

En el marco del proyecto “ Diálogo entre artistas. El hilo de oro ”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos la exposición organizada por el Museo Guggenheim de Bilbao y el Musée d`Art Moderne de Paris “Del fauvismo al surrealismo obras maestras del Musée d’Art Moderne de Paris” que tuvo lugar entre el 11 de febrero y el 22 de mayo de 2022. En este artículo comentaremos la obra “Flores” (1928) de Max Ernst, artista de origen alemán (1891-1976).

“ Flores” perteneciente a la etapa surrealista de Ernst ; persigue enfocar la atención del espectador en imágenes poco realistas, a fin de dejar atrás los pormenores cotidianos y ayudar al camino de la introspección.

El ser humano fluye a través de una sucesión de ideas que van conformando realidades, primero internas, para, posteriormente, conformar las externas. En esa plasmación, va entretejiendo soluciones a los enigmas que lo acompañan, y dentro de ese núcleo de creación, se ve acompañado por otros que se hallan en el mismo camino.

Nos encontramos frente a una composición cargada de sentido, que refleja la búsqueda incesante de certezas que acompañen y den sentido a la existencia.

Ernst recurre a los contrastes, como una forma de impactar al observador y sumirlo rápidamente en una espiral que lo desvincula de la realidad aparente, y lo sitúa ineludiblemente en un escenario idóneo para hallar respuestas esenciales.

En 1973 Sánchez Kelly pinta “Arriba y Abajo ” donde dibuja al hombre insertado en el universo sin entender muy bien el papel que encarna. Se observa en la imagen inferior una figura humana encerrada, protegida, diminuta frente a un vasto paisaje que parece engullirla. Los acertijos a desentrañar la invaden y la empujan a salir a la superficie, a sumergirse en el mundo, a buscar salidas y respuestas donde, a menudo, existe además la confrontación, el peligro y una amenaza latente de destrucción, que pone en riesgo su labor.

Se exige un ejercicio de cordura y valentía para emprender el siempre difícil camino de la vida, cuando se posee el ímpetu de hallar las verdades que se ocultan tras las apariencias.

Max Ernst con su trabajo en Flores nos empuja a introducirnos de lleno en nuestro paisaje interior, para buscar respuestas.

Sánchez Kelly describe al hombre desbordado por un paisaje circundante que lo supera, cuando se identifica solo con el personaje que representa.

Obras

Max Ernst. “Flores”. Oleo sobre lienzo. 1928

Snachez Kelly. “Arriba y Abajo”. Óleo sobre tela. 70x83 cm. 1973

Homenaje a Sánchez Kelly en los 80 años de su natalicio

Tue, 02 Aug 2022 11:27:32 GMT

Cada artista representa una parte de la realidad, según su particular visión. Un gran artista trasciende su individualidad y es capaz de reflejar verdades profundas, a través de sus representaciones. A cada paso, por medio de su óptica singular, entrega una especie de conclusión que se va plasmando en sus obras, para otorgar a quienes las contemplan, las certezas necesarias para seguir avanzando como humanidad.

Sánchez Kelly nos solo fue un creador sin límites ni restricciones, sino que supo profundizar en ese mensaje universal que todos poseemos bien guardado en nuestro interior, pero que, muchas veces, por diversas circunstancias, somos incapaces de llegar a él.

Sánchez Kelly es portador, con su grandeza, de un mensaje global, capaz de elevar nuestra conciencia y hacernos vibrar en paraísos verdaderos, construidos con la belleza del alma que nos alberga y que albergamos.

En ese camino, a veces poco entendido, creció y nos legó su especial estandarte, para que seamos capaces de seguir caminando, por una senda cada vez más clara.

Quien observa sus creaciones y profundiza dentro de sí a través de ellas, puede captar el mensaje.

Hoy se cumplen 80 años de tu nacimiento y queremos recordarte muy especialmente, no solo por tu labor artística sino también por la docente. Más de 40 años de tu vida , los dedicaste con valor y entusiasmo, al no siempre fácil camino de la enseñanza. Formaste a generaciones de artistas y dejaste una huella imborrable en todos los que tuvimos el privilegio de llamarte Maestro.

GEORGES BRAQUE-SÁNCHEZ KELLY. LA BÚSQUEDA DE CERTEZAS EN LA EXISTENCIA ANTEPONIENDO LA VERDAD A INTERESES PARTICULARES.

Sat, 30 Jul 2022 15:21:23 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly, visitamos La Exposición organizada por el Museo Guggenheim de Bilbao y el Musée d`Art Moderne de Paris “Del fauvismo al surrealismo obras maestras del Musée d’Art Moderne de Paris” que tuvo lugar entre el 11 de febrero y el 22 de mayo de 2022. En este artículo comentaremos la obra “Bodegón con sonata” (1921) de Georges Braque pintor y escultor francés (1882-1962).

El predominio del gris nos habla de una búsqueda de respuestas por parte del artista, especialmente a través del camino escogido: las artes plásticas. Algunas cuestiones materiales irrumpen en su camino, muy posiblemente en relación con la supervivencia, llamándole la atención, a fin de impulsarle a incorporarse a alguna corriente donde otros como él, están buscando certezas acerca de la existencia.

El mundo que le rodea, no le resulta excesivamente interesante, por lo que se refugia en su interior como un modo de evasión, a veces, o como refugio y consuelo, cuando el sentimiento de desorientación le invade.

Nos hallamos frente a una composición que refleja sensaciones y vivencias poco gratas, que su autor nos muestra como testimonio vivo y claro de la época en la que le tocó vivir, donde los ideales plasmados y la necesidad de certidumbres, se aglutinaban dando lugar a la formación de movimientos como el cubismo, del cual Braque fue uno de sus principales exponentes.

Sánchez Kelly no se prodigó en bodegones; más bien es excepcional en su obra este recurso gráfico. Para el diálogo con Georges Braque traemos a colación su acrílico sobre papel titulado Naturaleza Muerta de 1986, donde podemos observar diversos planos que se superponen, dejando entrever el paso del tiempo y una urgencia por estabilizarse en un mundo cambiante y a menudo hostil, que persigue reformas, muchas veces estériles, enmascarando verdaderos ataques a la libertad de pensar o sentir y a la propia individualidad.

Sánchez Kelly era un alma libre que expresó sin cortapisas el abanico de certezas que albergó, a pesar de las corrientes contrapuestas que frecuentemente surgieron para cortarle el paso.

Atesoró en su memoria y en su corazón, el lento transitar del paso del tiempo y, en cada momento, supo anteponer a sus intereses particulares, su sentido del deber como artista: ser portavoz del mensaje que escuchaba desde su interior profundo, para plasmarlo con acierto y sabiduría en sus lienzos, y dejar así una huella imborrable para las generaciones venideras.

Georges Braque nos desdibujaba la realidad para que obviemos los detalles que tantas veces nos distraen de lo esencial.

Sánchez Kelly observó de forma incansable la realidad para rescatar pequeños mensajes que fue incorporando en sus trabajaos a través de formas y colores, en ocasiones sin orden aparente, para tocarnos el subconsciente que a menudo bloquea nuestra conexión con la verdad.

Obras

Georges Braque. Bodegón con sonata. Óleo sobre lienzo. Año 1921

Sánchez Kelly. Naturaleza muerta. Acrílico s/papel.75x55cm. Año1986

Gustav Klimt- Sánchez Kelly. El viaje virtual. La experiencia inmersiva.

Sat, 30 Jul 2022 09:20:46 GMT

Madrid Artes Digitales (Mad) nos ofrece la exposición “Klimt la experiencia Inmersiva”. Se trata de acercarnos a la obra de Gustav Klimt a través de proyecciones de gran formato, experiencia con gafas de realidad virtual y diversas herramientas interactivas; se podrá visitar hasta el mes de septiembre de 2022 en la nave 16 de Matadero Madrid (Centro de creación contemporánea del área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid).

La propuesta acerca al espectador a la obra de este excepcional artista, desde la óptica inmersiva, trasladándole a los edificios que decoró y a la simbología que empleó, a través de un viaje virtual asombroso.

El beso, uno de sus cuadros más famosos, se puede ver, representado en la exhibición, en tres dimensiones.

Un artista que sobresale del resto, abre un camino antes no explorado. Su idioma particular transmite claridad y certezas a quienes contemplan sus trabajos. Nada está puesto al azar en una composición que marca estilo o es el sello de una época.

El Beso, lleno de sensualidad, pone en primer plano a la mujer como protagonista, no tanto por su belleza como por su importancia en la sociedad, a menudo dominada por los hombres.

Klimt nos recuerda en la escena, la necesidad de dar paso a lo femenino en igualdad de condiciones que a lo masculino y en ese sentido, se trata de una propuesta valiente a la vez que profundamente vital. El ser humano no puede evolucionar, anulando a una parte de su propia naturaleza, que es la mujer.

Sánchez Kelly aborda el tema de la igualdad entre hombres y mujeres en este óleo sin título de 1970.

Ambas figuras representadas a la misma altura, pero con roles diferenciados, delatan tensión, separación, desagrado vital (ambas figuras exhiben los brazos —izquierdo ella, derecho él— en posición de enfrentamiento, girados sobre sí mismos). La ausencia de comprensión o de aceptación, por parte de muchos hombres, de la igualdad entre ambos sexos (el brazo derecho del hombre llega a ocupar parte del fondo rosa de la mujer) conduce a desestabilizar el equilibrio y la paz que debe reinar en la convivencia, con el fin de comprender en profundidad el sentido de su necesaria unión, más allá de los roles que cada cual desempeña.

Klimt, a principios del siglo XX persigue con El Beso romper con el esquema impuesto por una sociedad que aísla y quita valor a las mujeres

Sánchez Kelly, más de 60 años después, vuelve a recordarnos la necesidad de acabar con una división (Hombre- Mujer) que, al margen de generar profundas injusticias, provoca un retraso en la búsqueda del sentido profundo de la existencia, a la que ineludiblemente está abocada la humanidad.

Frida Kahlo - Sánchez Kelly. Artistas que encuentra en su arte su propio refugio.

Sat, 16 Jul 2022 14:14:12 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, auspiciado por Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez para la promoción del futuro Museo Sánchez Kelly , visitamos La Fundación Casa de México en España y asistimos a la exposición “Frida Kahlo. Alas para volar”, donde pudimos ver una selección de 31 obras originales que estarán expuestas hasta el 30 de noviembre de 2022. En este articulo comentaremos la obra Autorretrato con Changuito de 1945.

Los autorretratos fueron constantes a lo largo de la carrera artística de Frida Kahlo. Poseía una capacidad innata para captar, a través de miradas y gestos propios, parte del laberíntico mundo interior que esconde el ser humano. Su inspiración para pintar fue ella misma y en ella halló claves esenciales que retratan, en gran medida, al individuo y sus profundas contradicciones, miedos, decepciones, frustraciones y enigmas varios a los que se enfrenta, a lo largo de una existencia.

Los colores que resaltan en esta obra, nos hablan de sensaciones ocultas y dormidas que impulsan y llaman pero que no pueden ser identificadas con claridad. A veces, anteponemos a la realidad circundante, esquemas de vida que no sirven y que lastiman el alma y el corazón, a cambio de sobrevivir en un ambiente inhóspito que no aporta paz. Ella misma vivió encerrada en sus propias incógnitas y desengaños que en gran medida determinaron su desenlace vital. La claridad no siempre llegó a tiempo, para evitar que sucumbiera a escenarios de desencanto que la hundían en la desesperanza.

Fue una observadora incansable que deambuló, en innumerables momentos, por el paisaje frío de la carne, de los despojos, de la poca dicha, sin embargo, encontró en su quehacer su propio refugio y consuelo. Penetró en los ambientes más minúsculos de su particular terror interno y supo sacar destellos de luz, detrás de los fantasmas que la atenazaban. Vivió rica en hallazgos que le permitieron dejar tras de sí una huella imborrable.

Sánchez Kelly nos regala en 1991 este autorretrato pintado sobre madera con técnica mixta. A diferencia de Kahlo, el autorretrato no era un recurso muy utilizado por él, hasta el punto de que actualmente esta pieza es la única registrada.

Sánchez Kelly no empleaba como fuente de inspiración su figura, sino que entraba en contacto con su interior a través de sus pensamientos o sentimientos y ese canal, que dominaba a la perfección, lo transportaba plácidamente hacia estados meditativos desde los que podía explorar y pintar otros campos de conciencia más sutiles, albergados dentro del ser humano, pero de los que no se tiene mucha conciencia.

En este retrato podemos advertir un dominio extraordinario de la técnica a la vez que delata parte de la personalidad del retratado. Resalta, sobre todo, una mirada furtiva hacia elementos no directamente relacionados con el presente, muy posiblemente del pasado, hacia el que Sánchez Kelly se dirigía, a veces, para inspirarse. Era poseedor de una gran memoria donde almacenaba los recuerdos que le permitían realizar sus viajes de autoexploración, frecuentemente.

Frida Kahlo reflejaba estados internos en sus trabajaos para transmitir, a través de ellos esas palabras no dichas, esos silencios obligados en los que la sumía, a menudo, su ámbito cotidiano.

Sánchez Kelly percibía detrás de la realidad aparente, los misterios de la creación. Para ello se abstraía de sus propias contradicciones, para adentrarse en las profundidades que trasladan a lo esencial.

Claudia G. Sánchez

Obras

Frida Kahlo. Autorretrato con Changuito. 1954. 41,5x56cm.

Sánchez Kelly. Autorretrato. Técnica mixta sobre madera. 1991. Diámetro 23 cm.

Brueghel el viejo-Rubens- Sánchez Kelly. El aroma del arte. Su esencia a través del olfato

Sat, 09 Jul 2022 19:40:20 GMT

En el marco del proyecto “ Diálogo entre artistas. El hilo de oro”, visitamos el Museo Nacional del Prado y asistimos a la exposición “ La esencia de un cuadro. Una exposición olfativa ”, comisariada por Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuela del Norte del Museo Nacional del Prado, que se inauguró el 4 de abril y estará abierta hasta el 17 de Julio de 2022.

El Olfato de Brueghel el viejo y Rubens (óleo sobre tela de 1617) es el cuadro seleccionado por el Museo del Prado para protagonizar una exposición sin igual, donde dar rienda suelta al olfato, a través de un estudio realizado por el perfumista Gregorio Sola , centra la atención de la visita.

Situado en un ambiente especial, el espectador se expone a oler, a través de un dispositivo singular, una selección de 10 fragancias entre las que destacan las de rosas, jazmines, lirios o naranjos.

Adentrarnos en el paisaje pintado en el cuadro- el jardín perteneciente a la infanta Isabel Clara Eugenia y su marido el archiduque Alberto de Austria en Amberes-, a través del aroma, nos sumerge en una experiencia novedosa a la vez que llena de matices, que impulsan a profundizar no solo en la obra de estos maestros sino también en la época que retratan.

Las plantas- más de 80 contabilizadas- atrapan la visión del espectador, incitándolo a perderse en un paisaje que parece detenido en el tiempo.

Las diversas sensaciones que podemos experimentar a la hora de observar un cuadro, tradicionalmente han ocurrido a través de la imaginación. Actualmente, existe una tendencia a introducirnos más profundamente en las obras de arte, a través de lo que se denomina experiencia inmersiva. Se trata de propuestas expositivas que utilizan técnicas novedosas para complementar el proceso de observación, de tal modo que el espectador parece introducido dentro de la obra contemplada.

Un precedente podemos encontrarlo en las casas museos. Visitar los talleres donde los artistas han creado sus obras, pasear por sus estancias, tocar sus pinceles o incluso oler sus óleos, han sido recursos utilizados para adentrarnos en el universo particular de los creadores. Un ejemplo claro es la casa museo de Juan Salvador Dalí en Cadaqués - Girona (España).

Actualmente la Familia del artista plástico de origen argentino, Oscar Sánchez Kelly , se halla abocada en la creación del Museo Sánchez Kelly en su ciudad natal, Resistencia-Chaco- República Argentina.

El Gobierno provincial, a través de su representante el Excmo. Sr. gobernador Jorge Capitanich , ha elegido destinar a tal fin, el edifico que fuera sede de la primera casa de gobierno de la provincia, la histórica casa Gabardini .

Este recinto-de concretarse- albergaría la donación de 250 obras del artista, acompañadas de elementos de trabajo que le pertenecieron y de los libros sobre su obra, editados por Eternity Ediciones . Este esquema servirá no solo para conservar su patrimonio artístico, sino también para comprender su legado y ayudar al espectador a entrar en contacto con su dimensión humana.

Es destacable que la familia de Sánchez Kelly cuenta con el apoyo del importante arquitecto español Carlos Rubio Carvajal , actualmente ganador junto a Norman Foster, del concurso para la remodelación del Salón de Reinos del Museo del Prado , para colaborar en la restauración del antiguo edificio Gabardini.

Manuel Millares- Sánchez Kelly. El espíritu de confusión aviva la inestabilidad

Sat, 02 Jul 2022 12:16:05 GMT

En el marco del Proyecto de Divulgación " Diálogo entre Artistas. El hilo de Oro", visitamos el Museo de Arte Abstracto de Cuenca. En este artículo hablaremos sobre Manuel Millares.

Manuel Millares (1926-1972) pintor y grabador español, integrante del grupo El Paso. Su obra de estilo abstracto se impone al espectador de forma contundente. Espacios aparentemente destruidos, carentes de una base sólida donde asentarse, constituyen un esquema que el artista repite a lo largo del tiempo, en sus trabajos. Buen ejemplo de ello es Cuadro número 102, donde observamos en el centro una imagen que representa el espíritu de la confusión mezclado con dosis de inestabilidad, resaltado por el fondo rasgado, que rompe cualquier deseo de continuidad. Esa interrupción súbita de la tela, nos habla de la necesidad de terminar con un ciclo de barbarie que ahoga y mata.

Sánchez Kelly en su obra Hombre de 1971 nos retrata la situación del hombre influido por el medio que le rodea, y cómo esa influencia va marcando y modelando los aspectos internos que deberán ser desarrollados. Existen en el interior de cada uno, acertijos a desentrañar. Lo externo impulsa a lo interno, a veces de modo inconsciente. Lo inmediato, ha de ser tenido en cuenta en primer término, si no queremos perder el hilo principal que orienta nuestra vida y le otorga sentido.

Millares se adentra en los pormenores de la realidad exterior que ocultan la verdad y hace hincapié en la importancia ineludible de sacar a la luz lo oculto.

Sánchez Kelly se centra en el hombre y su entorno, resaltando el poder trascendente que tiene el paisaje circundante, cuando el individuo logra encauzarse hacia estados más profundos.

Obras

Manuel Millares. Cuadro número 102 (Homúnculo) 1960. Pintura y arpillera cosida

Sánchez Kelly. Hombre. 1971. Óleo s/ madera.76x76cm.

Rafael Canogar- Sánchez Kelly. En un mundo aparentemente hostil, la verdad está reservada a unos pocos..

Sat, 25 Jun 2022 18:48:15 GMT

En el marco del Proyecto de Divulgación " Diálogo entre Artistas. El hilo de Oro", visitamos el Museo de Arte Abstracto de Cuenca. En este artículo hablaremos sobre Rafael Canogar.

Pintor y escultor español nacido en Toledo en 1935. En 1957 integra el grupo El Paso junto a Feito, Millares o Saura entre otros. En la obra Toledo de 1960 podemos observar a través de los contrastes, la necesidad de sacar a la luz lo oculto en un mundo aparentemente hostil, donde la verdad está reservada a unos pocos. Existe a su vez un ambiente confuso, que procura tapar los desencuentros para realizar el camino propuesto, sin tantos obstáculos.

Denunciar los atropellos, a través de una pintura transgresora que utiliza el color para expresar abiertamente lo que no puede decirse con palabras, es lo más acentuado de la obra de este artista, comprometido con el tiempo que le tocó vivir.

Ávido de encontrar respuestas, halla en la abstracción un camino idóneo para rescatar los valores eternos que se hallan custodiados a fuego en el interior de cada ser humano, como un recordatorio de que pase lo que pase, ese reducto a veces casi olvidado, nunca podrá ser aniquilado.

Sánchez Kelly en su obra Abstracto 10 del año 2009 perteneciente a su última etapa creativa, nos habla de la necesidad de ser en toda la amplitud de la palabra. Ser, existir, dejar huella y procurar percibir detrás de lo aparente, ese reducto blanco y puro, nuestra esencia, es la síntesis de la existencia que nos pinta magistralmente en esta estampa el artista.

Todo debe ser tenido en cuenta, si deseamos realmente entender el verdadero sentido que siempre está oculto, detrás de lo aparente.

Canogar resalta la importancia de existir sin tapujos y Sánchez Kelly nos recuerda que la existencia sin introspección, carece de sentido. Solo viviendo y percibiendo en los dos campos, el externo y el interno, podremos entender nuestra presencia en el mundo.

Obras

Rafael Canogar. Toledo 1960. Óleo y acrílico sobre lienzo.

Sánchez Kelly. Abstracto 10. 2009. Acrílico sobre papel. 54x70cm.

Fernando Zóbel -Sánchez Kelly. Atemperar el ruido externo y buscar el equilibrio detrás de las apariencias.

Sun, 19 Jun 2022 10:13:35 GMT

En el marco del Proyecto de Divulgación " Diálogo entre Artistas. El hilo de Oro", visitamos el Museo de Arte Abstracto de Cuenca. En este artículo hablaremos sobre Fernando Zóbel.

Fernando Zóbel (Manila, Filipinas 1924-Roma, Italia 1984) comenzó a pintar hacia 1940, pero no es hasta la década del 60 cuando su pintura comienza un giro hacia lo abstracto.

En 1966 funda el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca, junto a otros artistas como Luis Feito, Sempere, Saura, Millares, Chirino, Torner etc.

Posee un estilo propio donde predominan los claroscuros, delatando una sensibilidad especial, que no se deja ver fácilmente. Los difuminados prolongan la presencia del color en el espacio, formando capas que desdibujan la imagen retratada, produciendo una sensación de libertad, de atemperar los ruidos externos, para potenciar la introspección.

S us creaciones poseen tintes solemnes a la vez que sombríos, como un intento de abrirse y a la vez de escaparse. Nada parece estar por casualidad en sus pinceladas, dejando entrevar una personalidad inquieta, que persigue afianzarse en su camino y potenciar, al mismo tiempo, la búsqueda de nuevos significados.

Torbellinos de colores se aglutinan en torno a una idea central, que va desgranando poco a poco. Estamos ante un buscador de espacios, silencioso y hábil, que busca el equilibrio detrás de las apariencias.

Sánchez Kelly nos habla en “Infinito II” de lo esencial, del infinito, representado por el círculo a la derecha del cuadro como final de un proceso; las formas, apenas perceptibles, van marcando sutilmente ese camino. Pero, no es lo que sobresale en esta representación, sino que el artista parece dar más importancia al color, con tonalidades más claras y más oscuras, que impregnan la obra de un aire misterioso, a la vez que van conduciendo a estados de contemplación.

Zóbel desde El Patio III resalta los aspectos sensibles que todos albergamos, haciendo hincapié en la importancia de seguir su huella, paso indispensable para conocernos en profundidad.

Sánchez Kelly nos transmite con Infinito II un mensaje de perfección, de paz, de síntesis existencial.

Obras

Fernando Zóbel. El patio III (calle Vírgenes). Óleo y pastel sobre lienzo. Año 1980

Sánchez Kelly. Infinito II. Acrílico sobre papel.30x20cms. Año 2000

Antonio Saura -Sánchez Kelly. Precipicios de silencios capaces de transformar realidades y provocar éxtasis.

Sun, 12 Jun 2022 15:22:05 GMT

En el marco del Proyecto de Divulgación " Diálogo entre Artistas. El hilo de Oro", visitamos el Museo de Arte Abstracto de Cuenca. En este artículo hablaremos sobre Antonio Saura.

Antonio Saura (España 1930 – 1998) fue uno de los fundadores del Grupo El Paso junto a Millares, Canogar o Feito entre otros en 1957. Su obra cargada de expresión y con intención de romper las convenciones del momento que le tocó vivir, no deja a nadie impasible.

Se percibe en ella una búsqueda incesante de un modelo de desarrollo diferente, donde las creencias en las que se basa la sociedad son puestas en entredicho. Sus representaciones permiten al espectador dejarse arrastrar por un túnel de emociones, a veces inconfesables, que están atrapadas dentro de cada persona, pero que frecuentemente no se perciben con suficiente claridad. Denuncia lo oculto y persigue una justicia igualitaria que desemboque en un entorno más justo.

Torbellinos de sentimientos abordan al observador que se expone ante una categoría de expresión que se sale del marco de lo controlable, para situarlo en un margen sin tiempo ni identidad conocida, sumergiéndolo en un mar de incesante búsqueda de equilibrio, dentro de un ambiente aparentemente desordenado, que pretende esparcirse, recrearse y transportarlo a nuevos desafíos.

Utiliza colores contundentes incluso prepotentes que nos empujan hacia precipicios de silencios que son necesarios experimentar, cuando se deben abordar cambios importantes.

Nos hallamos frente a una figura sinigual del arte español, que nos incita a sumergirnos en debates internos capaces de transformar realidades y provocar éxtasis, que conduzcan al individuo a conocer más acerca de su naturaleza.

Sánchez Kelly nos habla en Sequía de dos realidades, de dos estados perfectamente experimentables por cualquier ser humano.

Tomar conciencia, hacerse frente a uno mismo implica hacer frente a toda realidad que se expresa desde distintos ángulos. El ser humano integrado es alguien que se busca, se experimenta, se acepta y desde esa perspectiva escribe su vida, realiza acciones, construye.

Es necesario habitar en dos sintonías aparentemente distintas cuando percibimos el mundo: una más llamativa o circunstancial y otra más llena, pero menos tangible. Desde esas dos ópticas es preciso percibir y percibirse. Lograr el equilibrio entre ambas, entraña grandes espacios de silencio. A menudo, el ámbito hostil en el que se vive lo dificulta. No es imposible sino al contrario imprescindible para lograr comprender los matices sutiles que conforman al individuo.

Saura nos empuja a hacernos frente, a mirar. Sánchez Kelly nos convence de que es necesario abrirse por entero para atravesar las barreras que dificultan el sendero de lo intangible, que es el único válido que llena y da sentido.

Sánchez Kelly. Sequía. Acrílico sobre madera. 91x110 Cm. 2002

Saura. Brigitte Bardot. 1959. Óleo sobre lienzo.

El Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. Aires de libertad y renacimiento.

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 04 Jun 2022 17:08:14 GMT

En el marco del Proyecto: “Diálogo entre artistas. El hilo de Oro”, visitamos el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, situado en la ciudad del mismo nombre. Hoy presentamos una breve introducción y, en las siguientes publicaciones, Claudia Sánchez ofrecerá los comentarios de los artistas más destacados del fondo permanente del Museo.

El interés por el arte abstracto en España surgió tardíamente, debido especialmente a dos factores socio-políticos: en el orden externo, el aislamiento internacional al que estuvo sometido el régimen franquista, y en el orden interno cultural, a la falta de libertad que caracterizó esa etapa.

Adoptar el arte abstracto en España a - finales de los años cincuenta- significó para las vanguardias una actitud política arriesgada; para el régimen -la abstracción tenía carácter subversivo y provocador-, la libertad de formas y contenidos provocó rechazo y desprecio por parte de los críticos; en esa etapa, se exaltaban los valores nacionales y el arte academicista.

La mayoría de los artistas que adoptaron este lenguaje y, cuyas obras integran los fondos del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, vivían fuera de España -Paris y Roma los acogieron- pero ansiaban trabajar en España -sin sufrir escarnios por ello-.

A pesar de las influencias “extranjerizantes” – vocablo del régimen- las vanguardias participaron de algunas particularidades del expresionismo abstracto americano, de la abstracción lírica francesa, y el constructivismo pero, lograron imprimir en sus obras el sello español, con su propia sobriedad, fisonomía y más allá de tópicos y tendencias. Desde la distancia y perspectiva del tiempo, la cultura debe a estos artistas la apertura -con sus aires de renovada creatividad y libertad- que la caracterizó.

No se podría comprender el arte abstracto español -década de los cincuenta y sesenta- sin conocer los grupos o colectivos de artistas que surgieron en las principales provincias, cada uno con su estilo e identidad propia.

En esa etapa destacan cinco grupos principales: DAU AL SET en Barcelona; EL PASO en Madrid, PARPALLÓ en Valencia; GAUR en Vitoria, y el grupo fundador del Museo de Arte Abstracto español en Cuenca.

DAU AL SET (1948 -1953) en el grupo destacan: Antoni Tápies y Modest Cuisar;, surgen a partir del automatismo surrealista y llegaron a la abstracción matérica .

EL PASO (1957-1960) lo integraron Manuel Millares, Antonio Saura, Luis Feito, Manuel Rivera, Rafael Canogar y Martín Chirino. Conformaron un lenguaje abstracto informalista, la pintura “comprometida” de los años 50-60.

PARPALLÓ (1956-1961) compuesto entre otros artistas valencianos por Amadeo Gabino y Eusebio Sempere, quienes desarrollaron un arte abstracto apoyado en cualidades formales de las vanguardias constructivistas .

GAUR (1966-1970) integrado por Jorge Oteiza, Néstor Basterretxea y Eduardo Chillida; el grupo vasco desarrolló el arte abstracto informalista y en las esculturas adoptaron el sentido constructivista y geométrico.

Museo Arte Abstracto Español nace a impulso del artista y coleccionista de origen filipino residente en España Fernando Zobe,- con el que colaboran principalmente los artistas Gustavo Torner y Gerardo Rueda, quienes juntos a otros artistas crearon el Museo de Arte Abstracto Español, en la ciudad de Cuenca.

Fernando Zöbel estudió en la Universidad de Harvard; conoció y experimentó el expresionismo abstracto americano y el informalismo europeo. Adquiere -como coleccionista- obras de artistas abstractos españoles y, asistido por Torner y Rueda, logran que el Ayuntamiento de Cuenca les ceda parte de las Casas Colgadas -como sede del Museo- que se inaugura en el año 1966 .

A partir de entonces empezaron a instalarse artistas en la Ciudad Alta de Cuenca, además de Zobel, Torner y Rueda, otros artistas como Saura, Millares, Antonio Lorenzo, Sempere, José Serrano, Teixidor y José María Iturralde, gracias a los cuales se recuperó un conjunto urbano decadente, prácticamente abandonado, convirtiéndose el Museo de Arte Abstracto Español en impulsor de su desarrollo urbanístico y social.

El Museo es un espacio concebido, creado y sostenido por un grupo de artistas, al margen de la política cultural oficial6; es una experiencia museística pionera en España y de inmediato se convierte en un referente museístico nacional e internacional, no solo por la calidad de las obras seleccionadas - pinturas y esculturas de las décadas de los cincuenta y setenta- sino por el edificio histórico del Siglo XV que las aloja, casas colgadas sobre la hoz del río Huécar.

En 1980 el Museo alcanza prestigio y notoriedad internacional y, en España se produce un fuerte movimiento museístico que adquiere connotaciones relevantes y exigencias profesionales, motivos que impulsan a Fernando Zobel a donar su colección de pinturas, esculturas y obras gráficas, así como su biblioteca personal a la Fundación Juan March para su gestión, que la incrementa con sus propios fondos y nuevas adquisiciones .

El Museo de arte Abstracto de Cuenca cuenta hoy con un fondo importante y representativo de la abstracción -no solo de España-; destaca por su valor artístico, coherencia histórica y logros estéticos que la convierten en una institución trascendente en la museística internacional.

Vincent Van Gogh - Sánchez Kelly. Arte Inmersivo. ¿Revolución o Tendencia?

Sat, 28 May 2022 09:17:52 GMT

En el marco del Proyecto de Divulgación " Diálogo entre Artistas. El hilo de Oro", visitamos la exposición Meet Vincent Van, perteneciente al Museo Van Gogh de Ámsterdam que tuvo lugar en Madrid desde el 30 de septiembre de 2021 al 9 de enero de 2022 en el Espacio Ibercaja Delicias.

Se trata de una propuesta interactiva e inmersiva que introduce al visitante en la vida y obra de este genial artista de origen holandés y uno de los exponentes más importantes del postimpresionismo, a través de una serie de escenarios que representan fragmentos de sus cuadros o momentos importantes de su vida.

La luz, el color y el movimiento son los protagonistas principales en la obra de Van Gogh. Parece como si quisiera apresar el tiempo en sus lienzos, describiendo de forma excelente el ambiente seleccionado para liberar, a través de las pinceladas, toda su carga emocional y transmitirnos su síntesis de vida, en cada detalle.

Estamos asistiendo en los últimos tiempos, a propuestas expositivas que persiguen que el asistente sienta que se halla dentro de las obras o del universo vital del artista, utilizando diversos métodos como sonidos, escenarios o grandes paneles donde se proyectan imágenes, entre otros; una clara apuesta por llegar a los espectadores desde una vertiente que les dote de mayores instrumentos de percepción, de tal modo que puedan acercarse de una forma más profunda a la creación propuesta.

Sánchez Kelly realizó en el año 1986 dos murales denominados Chaco y Algodón en las instalaciones de la empresa textil Mides, situada en la provincia del Chaco - República Argentina. Los murales están pintados sobre dos paredes de la fábrica, de tal forma que se insertan en el ambiente de trabajo, conformando junto a las máquinas y a los trabajadores, un espacio imponente y sin igual- no en vano fueron los murales más grandes pintados hasta la fecha en el país-. La temática escogida representa principalmente a la tierra y al algodón, materia prima que utilizará la fábrica y uno de los principales cultivos de la provincia.

¿Qué pretende Sánchez Kelly en esta ocasión? ¿De algún modo podemos ver en estos murales un precedente de las propuestas inmersivas actuales?

Hasta ahora los museos han cumplido a la perfección su función de conservar y permitir que el público acuda a visitar los trabajos expuestos. El arte inmersivo, en auge actualmente, está dando un paso más, cuando procura que las obras no solo sean observadas sino de algún modo vividas, desde una nueva perspectiva. ¿Nos hallamos ante un novedoso modo de sentir y vivir el arte? ¿Entrañan estas experiencias, realmente, una revolución o son simples modas?

Hilma Af Klint- Sánchez Kelly. Espacio sin opuestos ni tiempo. La visión Integradora

Sat, 21 May 2022 17:00:43 GMT

En el marco del Proyecto de Divulgación " Diálogo entre Artistas. El hilo de Oro", visitamos la exposición Mujeres de la abstracción, que ha tenido lugar en el Museo Guggenheim de Bilbao – España, entre los meses de octubre de 2021 a febrero de 2022. En este artículo hablaremos sobre Hilma Af Klint

Aunque las formas, aparentemente, están dispuestas en el horizonte para que centren nuestra atención, en la obra de Hilma Af Klint “El Cisne”, se intuye una composición que realmente nos induce a la meditación. Cuando observamos el punto central de su composición, si permanecemos atentos, podremos comprobar cómo las figuras centrales nos permiten una concentración diferente, de tal modo que nos apartan de lo temporal, del espacio tiempo, para trasladarnos a un estado sin tiempo, donde podemos conectar con capas más sutiles que también nos conforman.

En este óleo de 1915 podemos percibir además cómo, a través de los diferentes cromatismos y de los dos planos en apariencia contrapuestos, la autora persigue poner de relieve la visión dual de la realidad, donde estamos situados actualmente la mayoría de los seres humanos, donde existimos en permanente observación de los opuestos como un modo de ayudarnos e impulsarnos hacia una visión integradora de la existencia, en la que los opuestos ya no existen.

Buscadora incansable, supo ser fiel a su especial visión del mundo y procuró plasmarla con fidelidad en sus trabajos, para que las generaciones venideras tengan testimonios gráficos de los paisajes interiores verdaderos a los que han de aspirar, si desean comprender el material del que está fabricada la creación.

En la Década de 1970 Sánchez Kelly nos entrega una Serie de pinturas y dibujos en las que hace hincapié en la visión trascendente de la realidad al que ser humano está abocado, si realmente quiere entender la creación.

En “Universo” de 1975 el artista trata de sintetizar el lenguaje sutil al que debemos acceder, si deseamos continuar la exploración que nos lleve a conocer los misterios que se esconden detrás de las apariencias. Esta imagen nos habla sobre la necesidad de retornar al centro, de vivir desde nuestra autenticidad que es clave para comprender el material del que estamos hechos y poder continuar así, nuestro viaje de indagación en busca del sentido de la existencia.

La comunicación y la interrelación con el entorno y con los allegados son otros matices que advertimos a través de la figura central; estar en relación nos ayudará en el proceso de reencuentro con nosotros, de reconocimiento imprescindible para descubrir nuestra verdadera identidad. Las apariencias con frecuencia pueden enturbiar este camino al que estamos abocados como seres humanos. Cada uno debe despertar y ser consciente de que lleva en su sello, esa necesidad de despertar a espacios cada vez más profundos, que permitan a las generaciones siguientes abrir las puertas que hoy separan lo material de lo esencial.

Ambos autores, en tiempos distintos, nos impulsan en la misma dirección de recordarnos cuál es la dirección a seguir y nos empujan, de algún modo, a crecer en lo verdadero y a no dejarnos apabullar por lo efímero o circunstancial que, con su resplandor, confunde y ciega.

Obras

Hilma af Klint (1862-1944) Suecia. El cisne nº 13 grupo IX/SUW 1915. Óleo sobre lienzo 148,5x151cm.

Oscar Sanchez Kelly Universo. Año 1975. Oleo sobre madera.37x39cm

APY Art Centre Collective- Sánchez Kelly - Los Valores y Todo ha de ser puesto en entredicho sino seguiremos siendo Pasajeros Inhóspitos

Sat, 21 May 2022 16:47:30 GMT

Estamos ante una imponente composición realizada por artistas de diversas comunidades aborígenes de Australia, que se aglutinan en torno a APY Art Centre Colective.

“La ley de las mujeres está viva en nuestras tierras”, título de este acrílico sobre lienzo de 2018, nos transmite una visión esquemática de la naturaleza, de la tierra como ente acogedor que dibuja las bases sobre las que se asienta la vida. Nos ofrece una particular visión de la tierra y su papel protagonista en la esfera humana, a veces estéril, a veces fría e inhóspita, a veces domesticable, siempre bella y majestuosa, con una capacidad viva que otorga al hombre la herramienta principal para su supervivencia. Una tierra que no está suficientemente valorada ni respetada y que impone su fuerza cuando las circunstancias lo requieren. Una tierra dañada e incluso olvidada por un ser humano hostil a sí mismo, que no entiende ni da valor a la importancia que ella tiene en su existencia. Un espectáculo de tonalidades vivas que persigue realizar un homenaje a la naturaleza, viene de la mano de este singular grupo de artistas que una vez al año se reúnen para crear una gran pintura colectiva.

Los valores sobre los que está asentada la humanidad han de ponerse en entredicho; todo ha de ser puesto en revisión, nos dice Sánchez Kelly en este trabajo del año 2003 titulado Últimos Signos Azul.

El color negro de los trazos más sobresalientes del cuadro, nos impone su presencia y llama nuestra atención en primer término, cuando observamos el lienzo. Esta caligrafía especial utilizada por el autor para centrar la mirada del espectador, es un testimonio gráfico que emplea para conducirnos de la mano hacia una importante reflexión.

El negro está presente en esta representación de Sánchez Kelly, a veces para denunciar lo oculto y otras para atraernos y señalarnos lo trascendental. El círculo es un símbolo muy utilizado para representar la totalidad, lo infinito y a veces para delimitar o sintetizar algo; en esta plasmación el autor lo usa para representar al ser humano desde el punto de vista de lo infinito que habita en él.

El color azul de fondo nos habla de lo sustancial de la comunicación, base fundamental para la convivencia. Es una especie de canto a la Unidad que, ligado al círculo central, nos induce a concentrarnos en lo esencial como camino válido, como testimonio de lo que somos.

El resto de tonos que apenas se perciben entrelazados con los dos principales, completan el paseo visual al que nos invita el pintor, que nos recuerda que nada está colocado al azar en el firmamento vital, sino que todo forma parte de un entramado perfecto, cuyo enigma nos corresponde descifrar a los seres humanos.

La composición nos invita a un paseo por los campos efímeros que nos conforman, para recolectar de su manantial inagotable de certezas, las que más se acomoden a nuestro entendimiento actual, de tal modo que ese reducto nos impulse en la dirección acertada y nos coloque, sin duda, en el pedestal adecuado al que pertenecemos como humanidad.

La obra perteneciente a APY nos sumerge en la tierra como elemento que simboliza al hombre y su estancia transitoria por lo material. Sánchez Kelly nos impulsa a decidir si deseamos seguir siendo pasajeros inhóspitos de la vida o hallar la llave maestra que nos conduzca a nuestra verdadera esencia.

Obras

APY Art Centre Collective (obra colectiva) Australia. La ley de las mujeres está viva en nuestras tierras. Acrílico sobre lienzo de lino. 290x547cm. Año 2018

Sánchez Kelly. Últimos Signos Azul. Acrílico sobre tela. 200x200cm. Año 2003

Wook Kyung Choi - Sánchez Kelly. Ningún cambio se produce con medias verdades

Sat, 14 May 2022 08:46:50 GMT

Wook Kyung Choi nació en Corea en 1940. Con 23 años se traslada a EEUU donde se forma como artista. Su trabajo, influido por el expresionismo abstracto americano, toma un sendero propio que procura desdibujar la realidad que la circunda, para producir una síntesis que provoque cambios en el espectador.

Choi nos invita, a través de su pintura, a transitar por todos los senderos que deseemos, sin vergüenzas ni atropellos, pero con un sentido claro transgresor. Ningún cambio puede ser producido con medias verdades. Toda revolución debe venir marcada por la descomposición de lo anterior. Solo rompiendo lazos con lo previamente establecido se puede recomponer la realidad con tintes verdaderos.

Su obra no deja a nadie impasible. Los choques frontales que provocan sus formas, acechan al observador y lo empujan a tomar decisiones y posturas. Una visión transformadora acompaña a esta artista carismática y a la vez sensible.

Sánchez Kelly resalta en esta obra titulada G del año 2005 la importancia de la claridad para lo cual utiliza el color blanco símbolo de pureza, de nuevo comienzo, de búsqueda de la verdad por encima de lo oscuro. representado por el color negro y de la confusión plasmada hábilmente con el color marrón rojizo del fondo.

Las expresiones del hombre las deja sentir con suaves pincelades amarillas, naranjas y sobre todo a través del triángulo, recurso habitual en la etapa abstracta de este singular creador. El mensaje sutil que nos traslada con este conjunto de colores y formas hace referencia a que es necesario buscar siempre la redefinición de la realidad, a través de la expresión propia y personal, como un modo de no perder el centro ni la identidad, paso necesario para introducirnos en nuestro interior y poder interrogarnos.

Solo a través de ese diálogo o auto-interrogatorio, el ser humano será capaz de comprender el sentido de su existencia.

Sánchez Kelly repite hasta la saciedad esta tesis, sobre todo en la última etapa de su creación artística, apelando a los recursos de los que dispone, para que no olvidemos lo esencial.

Wook Kyung Choi parece buscar a través de las apariencias un reducto que nos regale el sentido a seguir. Sánchez Kelly recuerda al hombre su cometido fundamental: ser y hallarse.

Obras

Wook-Kyung Choi (1940- 1985) Sin título. Óleo sobre lienzo. 185x121cm. Año 1966

Oscar Sánchez Kelly (1942-2011) G. Acrílico s/cartón. 24x31cm. Año 2005

Arpita Singh- Sánchez Kelly. La verdadera estirpe de un creador

Sat, 07 May 2022 11:41:52 GMT

.En el marco del Proyecto de Divulgación " Diálogo entre Artistas. El hilo de Oro", visitamos la exposición Mujeres de la abstracción, que ha tenido lugar en el Museo Guggenheim de Bilbao – España, entre los meses de octubre de 2021 a febrero de 2022. En este artículo hablaremos sobre Arpita Singh.

Líneas furtivas que escapan formando conglomerados de estructuras que parecen querer recomponer una realidad descompuesta, hallamos en esta obra sin título de 1980 de Arpita Singh. Sus trazos esquemáticos pero firmes y claros nos hablan de una artista comprometida con su entorno y con sus ideales, que intenta proclamar su verdad por encima de las estructuras sociales que le tocan vivir.

El arma de todo artista es su pincel; cuando se une arte y compromiso personal la fuerza de la creación es desbordante. En esta sencilla conjunción de líneas y puntos podemos apreciar la verdadera estirpe de un creador.

Arpita Singh, nacida en India en 1937, nos ofrece a través de su expresión, su especial visión de la realidad, haciendo hincapié en la necesidad de resaltar los valores personales que la llevan a expresarse más allá de las formas.

Se inicia en el arte no figurativo en la década de 1970. Aunque retorna a la figuración en los ochenta, sigue manteniendo sutiles elementos abstractos en sus composiciones, como un recordatorio de la belleza sin forma que es preciso descubrir, de instante en instante.

Lo exterior refleja el interior del hombre, nos dice Sánchez Kelly en su obra titulada Visión en el cielo. A través de ese exterior, él puede comprender sus engranajes ocultos. Todo lo de fuera es manifestación de lo interno que atraviesa las formas y se plasma con fuerza a través de la materia. Cada detalle que vemos en el mundo que nos rodea, es el resultado de esa manifestación. Por eso es necesario buscar los significados propios a través de dicha plasmación para, de ese modo,, descubrir la magia de la creación.

En este sencillo gráfico de 2009, Sánchez Kelly vuelve a recordarnos la necesidad de regresar a la fuente creadora, observando lo creado por ella. Esa observación es imprescindible para poder continuar, de lo contrario el hombre se estanca y entretiene su tiempo.

Arpita Singh, de modo esquemático, nos impulsa a reflexionar acerca del sentido de una realidad en constante movimiento, que si no estamos atentos nos aísla y expulsa. Sanchez Kelly ,desde una óptica universal, nos habla de la importancia de la observación como único camino válido para hallar certezas que nos permitan avanzar.

Obras

Arpita Singh 1937 India. Sin título. Gouache sobre papel 88,7x55,2. Año 1980

Sánchez Kelly. Visión en el cielo. Tinta y acuarela sobre papel. 16x22cm. Año 2009

ATSUKO TANAKA – SÁNCHEZ KELLY El destino individual y colectivo del ser humano ¿Dónde está situado y hacia dónde se dirige?

Sat, 07 May 2022 11:36:45 GMT

La confusión reina en un mundo que solo pone atención en el paisaje exterior como un entorno separado del individuo que observa. Si la realidad solo se ve desde una óptica aislada del observador, carece de sentido. Solo cobra sentido desde el prisma del que observa. Tanaka, representante de la vanguardia japonesa, incorporó en su obra su interés por la energía de los materiales industriales ampliando la obra de arte con sonido tiempo y espacio.

Las cuestiones existenciales se entretejen en esta representación Sin título de 1958 donde, de modo irreversible, su autora se cuestiona acerca del destino individual y colectivo del ser humano, haciendo hincapié en las crisis que rodean permanentemente a la convivencia, poniendo de manifiesto siempre un escenario visual cargado de sentido que, sin alterar la composición, gira al espectador hacia una reflexión profunda acerca de dónde está situado y hacia dónde se dirige.

En Situaciones, acrílico sobre lienzo de 1998, Sánchez Kelly nos habla sobre los significados grandiosos contenidos en los enclaves cotidianos donde nos desenvolvemos y que cada cual ha de aprender a desentrañar para comprender el sentido de su creación. Cada vida encierra, a través de las experiencias que se suceden, enigmas trascendentales únicos que van conformando el verdadero camino que nos conducirá, más tarde o más temprano, a nuestra esencia.

En este lienzo Sánchez Kelly expone con total soltura y de forma sintética cómo las circunstancias vitales se van entretejiendo conformando un entramado con absoluto sentido, siempre que el individuo se centre en adivinar los pormenores que de sí mismo se esconden detrás de las apariencias.

Todo tiene sentido; solo es necesario encontrar las llaves que abren las puertas del camino real que es preciso recorrer para hallarlo.

Sánchez Kelly y Tanaka advierten que la realidad, tal cual estamos acostumbrados a observarla, no nos sitúa en la posición adecuada para encontrar la verdad.

Tanaka se esfuerza por enfrentarse al medio en el que vive, desmontando lo convencional en un intento desesperado por llamar la atención del espectador

Sanchez Kelly ya de un modo sosegado y pausado se halla instalado en una realidad sin tiempo desde la que dibuja su verdad, transmitiéndola serenamente.

Obras

Sanchez Kelly. Situaciones 1998. Acrílico sobre lienzo. 92x84cm

Atsuko Tanaka 1932 2005 Japón. Sin título 1958. Pintura vinílica sobre lienzo. 91x74

JOAN MITCHELL- SÁNCHEZ KELLY. La llave maestra para encontrar la salida

Mon, 25 Apr 2022 21:21:07 GMT

La búsqueda de respuestas genera, a veces, argumentos inciertos. No saber en verdad cuál es el siguiente paso a seguir o dónde están las salidas válidas, a menudo proviene de una mente desordenada que no está en silencio. Solo el silencio permite oír las señales acerca de la existencia y su sentido verdadero; solo él nos proporciona claridad. El barullo mental conduce al caos y a la destrucción, no ayuda a construir en óptimas condiciones, sino que genera que transitemos a trompicones.

Estas líneas trazadas por Joan Mitchel en su obra Mefistófeles retratan la falta de claridad. Líneas que chocan entre sí, colores que se enfrentan y se mezclan de manera caótica impidiendo ver un diagrama organizado, frecuentemente hablan de la mente, del ruido mental, de la ausencia de silencio y claridad. La mente caótica, además, aísla del entorno, produce enfrentamiento, no permite la armonía ni la fluidez, no permite la integración ni oír el mensaje real que se esconde detrás de las apariencias.

Pintora estadounidense enmarcada en el expresionismo abstracto, fue hábil en la utilización del color como un modo de expresar el ruido interno que está presente cuando hay ausencia de un dialogo profundo y real en el hombre. La civilización actual ofrece cada vez más, escapatorias fáciles hacia el exterior, llenas de estructuras diseñadas para el entretenimiento y la evasión. En este escenario las pinturas de Mitchel encuentran eco para resaltar los valores efímeros a los que se adhiere un ser humano carente de contenido profundo.

Exaltadora de paisajes internos de poca claridad, ha sabido abanderar un movimiento pictórico de denuncia y puesta en escena.

En la obra Sin número de 1991 Sánchez Kelly nos exhorta a parar; parar para encontrar la llave maestra, una salida válida que nos impulse y nos aporte la claridad que nos falta a los seres humanos, en muchos momentos.

Existen matices por desentrañar en un mundo lleno de opciones que entran en juego en momentos diferentes, pero que acechan al hombre y lo fuerzan a una toma de postura para la que muchas veces no está maduro.

El hombre vive atenazado por necesidades que alberga en su interior, que abarcan gran cantidad de interrogantes para los que no tiene respuestas ni tiempo suficiente para buscarlas.

Los interrogantes son necesarios, pero hallar respuestas también. Solo se pueden hallar cuando el barullo mental cesa. Por eso es preciso, cada vez más, alejarse del ruido interno y externo y profundizar a través de un dialogo sosegado con uno mismo. Ese diálogo debe estar presidido por la sinceridad y nunca por el juzgamiento.

Mitchel a través de Mefistófeles nos indica el valor del silencio como única meta real y válida que permite hallar las certezas necesarias para continuar a través del camino vital con sentido. Sánchez Kelly con su oleo sin número de 1991 también resalta el valor del silencio y la necesidad de parar para escuchar, más allá de los argumentos mentales, una certeza clara acerca del sentido de la vida.

Obras: Joan Mitchell 1925-1992. EEUU Mefistófeles 1958 óleo sobre lienzo 182x165cm. Sánchez Kelly 1942-2011. Sin número. Óleo sobre madera. 1991 15x11,5cm.

JANET SOBEL - SÁNCHEZ KELLY. Nada puede derribar la verdad. Exposición Mujeres de la Abstracción Lo auténtico resiste los embates del tiempo.

Sat, 09 Apr 2022 10:26:58 GMT

En este artículo hablaremos sobre Jante Sobel, artista nacida en Ucrania en 1893 que se trasladó a vivir a EEUU en 1908. Su carrera como pintora fue tardía; comenzó a pintar cuando ya superaba los 40 años.

Existe en su obra una inspiración incandescente que la lleva a buscar en su interior claves que no entiende en un primer momento, pero que la acercan a un sentimiento que la acecha. No busca poseer el don de la palabra con su arte, no busca sorprender, solo se busca a ella misma y a una voz que la persigue, infundiendo a su expresión un aire solemne, a la vez que misterioso.

Sobel no pretende acercarnos a su arte sino mostrarnos cómo investigando dentro de ella misma y expresando con sencillez y sinceridad lo que alberga en su interior, puede al fin aterrizar en tierra firme, despojándose de lo que ha aprendido en pos de llevar la voz cantante, entonando su canción propia y única.

Fue una buscadora incansable de los impulsos escondidos que poseía y que la guiaban. En un mundo aparentemente contrario a lo que ella percibía, no le resultará fácil destacar, sin embargo, todo lo que es verdadero tarde o temprano resistirá los embates del tiempo y sobrevolará al fin por el cielo infinito que nos cubre, para rodearnos y envolvernos con su tenue pero veraz mensaje.

Este simbolismo que esconde su pintura puede y es capaz de transmitir serenidad, silencio y respeto porque, cuando procuramos encontrar el sentido que nos lleva a confluir en lo material, los seres humanos debemos embarcarnos en un barco que no admite la mentira ni el engaño, que no admite las poses gráficas, si no solo lo auténtico.

Sánchez Kelly nos habla en su obra “Horizonte Rosado” del tiempo, del espacio, de la situación del mundo, del color, de la luz. Las verdades afloran en el ser humano cuando es libre para explorar, cuando no está atado por las formas. Para llegar a ese punto, ha de atravesar por diversos estadios hasta desembarazarse de su envoltura carnal y volar. No es fácil construir a partir de la nada. No es fácil vivir el instante. En esta obra cumbre Sánchez Kelly simboliza lo que el hombre puede construir a partir de su nacimiento a un estadio nuevo y distinto, donde lo conocido previamente no tiene lugar, donde todo nace y renace a cada instante, para crear de la nada el todo.

El ser humano, cuando vive desde el instante creador, suma, no resta. Cuando vive desde el instante creador es capaz de sobrevolar por las adversidades sin tropiezos, porque todo es efímero y circunstancial, pero la huella que está creando a partir de esa nada, es lo verdadero que dejará tras de sí, y solo lo verdadero permanece, aun cuando todo decae. Nada puede derribar la verdad.

Sobel no persigue con su obra obligarnos a permanecer donde no queramos, sino que nos invita, pausadamente, a realizar con ella un recorrido sin tiempo por lo intangible e incuestionable, para ayudarnos a conectar con lo simple, con lo puro que albergamos, cada cual, en nuestro interior.

Sánchez Kelly explora como nadie los símbolos y nos ayuda a interpretarnos a través de ellos para que nada quede sin investigar, para que todo lo que somos quede plasmado en nuestra realidad aparente, para que al final, solo la huella marcada desde la verdad siga indicando el camino a las generaciones venideras.

Janet Sobel. Obra Sin título 1946-1948. Técnica mixta sobre cartón.

Oscar Sánchez Kelly. Obra Horizonte Rosado. Acrílico sobre papel. 98x66. Año 2001

Georgina Houghton - Sánchez Kelly. El cambio cronológico de la historia del arte. Exposición Mujeres de la abstracción. Misterios detrás de las apariencias

Sun, 03 Apr 2022 10:19:45 GMT

En el marco del proyecto “Diálogo entre Artistas. El hilo de oro”, damos comienzo a la serie de artículos que publicaremos sobre la exposición Mujeres de la abstracción, que ha tenido lugar en el Museo Guggenheim de Bilbao – España, entre los meses de octubre de 2021 a febrero de 2022 con Georgina Houghton (1814-1884), pintora espiritista que llegó a la abstracción mucho antes de 1912, fecha marcada en la historia del arte, como el inicio de la misma.

En la obra titulada La corona espiritual de Annie Mary Howitt Watts (1867- acuarela y gouache sobre papel) destacamos la presencia repetida de círculos repartidos a lo largo y ancho de la estampa, que junto a multitud de líneas dan como resultado un conglomerado de formas de difícil definición. Los colores suaves no interrumpen el paisaje dibujado y, al contrario, ayudan a percibir con mayor profundidad el dibujo.

A simple vista, puede parecer un sencillo conjunto de círculos que se mezclan entre sí de manera desordenada, sin embargo, cuando contemplamos el grafico con mayor detenimiento, podemos percibir una especie de lenguaje subliminal que nos va conduciendo, de a poco, a una especie de conclusión, acerca de los misterios que se esconden detrás de las apariencias.

Una contemplación sosegada de sus obras puede llevarnos de la mano hacia estados de meditación, cada vez más profundos, donde las fronteras entre lo aparente y lo trascedente se van desdibujando, para situarnos cada vez más en una especie de estado de hipnosis, que nos permite o facilita la comunicación interior. Sus gráficos conducen a estados profundos de ensimismamiento, orientados a establecer una comunicación clara con nuestra esencia. Los trazos y líneas que utiliza Houghton desdibujan la realidad, para que podamos atravesar la línea de lo aparente y nos situemos en lo intangible, paso indispensable para alcanzar un conocimiento superior acerca de nosotros y de la realidad.

Oscar Sanchez Kelly nos presenta su obra Nº 11, acrílico sobre papel de 1990, donde expone con matices, el barullo existente dentro del ser humano y fuera en lo externo o social, que impide el acercamiento certero a lo esencial. Esa confusión reinante, ese barullo o ruido imperante, fruto del desespero o cultivo de la mente, impide al ser humano el rescate para poder situarse más allá, en un estadio más profundo que lo aparente o circunstancial que lo arrastra a la locura, al descontrol, a las luchas sin cuartel por ocupar, cada vez más, altas cotas de poder.

Ese escenario virtual, pintado por OSK en este gráfico, nos empuja a comprender la realidad sin tiempo, para abrazarnos, cada vez más fuertemente, a nosotros, en un intento por rescatarnos del colapso al que conduce una sociedad encapsulada, corrompida, nada edificante, que desliza sus aterradoras hipocresías por el sendero más rápido y fácil del sutil desencanto al que lleva vivir aferrado a la nada, a lo terreno o material.

El hombre, alejado hoy de su esencia, pide a gritos el regreso, pero no puede oír los misterios del universo que esconde, porque se halla perdido en la inmensidad de matices exteriores que lo enganchan.

Sánchez Kelly describe, con colores oscuros o poco deslumbrantes, este horizonte actual, que conduce a un hombre desgajado de su esencia.

Ambos autores, en tiempos distintos, nos anuncian, desde diferentes ópticas, aspectos del ser humano que es necesario hacer consciente: Houghton desde la percepción extrasensorial nos acerca a lo sublime y Sánchez Kelly desde lo anecdótico o circunstancial, nos recuerda dónde no está la salida real.

MUJERES DE LA ABSTRACCIÓN Museo Guggenheim (Bilbao- España) Centro POMPIDOU (Paris) LA ABSTRACCIÓN BAJO EL PRISMA FEMENINO Introducción

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 19 Mar 2022 19:48:37 GMT

En el marco del Proyecto “Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro”, iniciamos hoy la publicación de artículos correspondientes a la Serie “Mujeres de la Abstracción”, resultado del estudio de las obras expuestas –con el mismo nombre- en el Museo Guggenheim de Bilbao (22-10-21 al 27-2-22), con la colaboración del Centro Pompidou de Paris, bajo el prisma de Claudia Sánchez.

Se trata de una muestra compuesta por más de cuatrocientas obras, trabajo de un centenar de mujeres artistas en diversos campos de la creación y ámbitos geográficos distintos, resultado de un largo proceso de investigación, en el que colaboran varios museos internacionales y prestadores de obras. La exposición es comisariada por Christine Macel y Lekha H.Waitoller y exhibida en el Centro Pompidou (Paris-) de Mayo a Agosto de 2021, trasladándose posteriormente a España durante los meses de Octubre 2021 a Febrero 2022 en el Museo Guggenheim de Bilbao.

La exposición cuestiona esencialmente el “canon occidental” establecido hasta hoy por la historia para definir la evolución del arte abstracto - iniciado en la modernidad- y amplía la cronología y los ámbitos geográficos de sus representantes, incluyendo corrientes modernas de América Latina, Oriente Medio y Asia. Se trata de una representación sin precedentes de la historia de la abstracción.

El concepto de abstracción no es pacífico entre los expertos. “Abstraer” es reducir algo a su mínima esencia. Nuestra visión en esta Serie, se adhiere al concepto formulado por Eric de Shassey y George Roque para quienes la abstracción ”no es un estilo ni un género, sino un modo o método de creación… ( 1) una forma del lenguaje creativo a partir de signos plásticos… sin que signifique necesariamente arte no figurativo” ( 2) .

En gran parte de la creación de Sánchez Kelly -en sus diversos enfoques y etapas- la abstracción está presente en su alternancia con formas figurativas y geométricas. Se trata de un proceso meditativo e introspectivo de búsqueda y encuentro con la esencialidad, a través de la forma y el color. La contemplación de su obra nos transporta más allá de la temporalidad, nos sumerge en estados más sutiles de la consciencia y nos comunica un mensaje de contenido trascendente y universal.

La muestra “Mujeres de la Abstracción” en el Museo Guggenheim (Bilbao - España) supone la reescritura de la historia del arte y una “reinterpretación sin precedentes” que la sitúa en las raíces y evolución de la abstracción ( 3) .

Recientes investigaciones revelan el vacío que existió en la cronología de la historia del arte, respecto a la participación de la mujer artista en el lenguaje abstracto. Según Lucy Lippard (4) “El arte no tiene sexo, los artistas sí”; en esta misma línea Jean Arp (5) sostiene que los artistas que abrazan el lenguaje de las “formas inobjetivas, no se unen entre ellos por un problema común” ni por el género, sino por el arte, ampliando sus horizontes.

El enfoque de la exposición -cronológico y temático- marca puntos de inflexión en el desarrollo del tema; se cuestionan los parámetros establecidos para definir la evolución del arte abstracto y, aunque se lo reconoce como una corriente fundamentalmente pictórica” ( 6) , se pone de manifiesto y se exhiben los numerosos campos de creación en los que destaca el trabajo de la mujer como la danza, artesanía, fotografía, cine, diseño de moda y arquitectura. En este escenario, se señala el papel determinante que representa el contexto socioeconómico, político, educativo o ideológico en el que se desenvuelve la mujer - no solo en el ámbito del arte- a la hora de favorecer, contribuir o coartar su formación y desarrollo.

La cronología histórica de Mujeres de la abstracción se remonta a la década de 1860 para señalar esta fecha como la del “nacimiento de esta orientación estética” (7) , y no las primeras décadas del siglo XX, como la sitúa la historia tradicional. Se señala como una de las precursora a Georgina Houghton, artista cuyo quehacer no solo modifica la cronología conocida sino su génesis, al incorporar conceptualmente “la consideración de las raíces espirituales, ornamentales y performativas; rescata experimentos pioneros y amplía el ámbito geográfico de esta manifestación, incorporando autoras de América del Sur, Asia, Australia y Oriente próximo, incluyendo memorias aborígenes, afroamericanas y latinoamericanas” (8) .

En la muestra se manifiestan todas las tendencias y los diversos matices que caracterizan a este lenguaje artístico, pero no se circunscribe solo a recordar, señalar y descubrir el papel pionero de las artistas mujeres en la evolución del lenguaje artístico, sino “en lo que se convierte la historia del arte de la abstracción bajo el prisma de lo femenino”, (9 ) en el que se eliminan las diferencias entre los géneros, y el arte adquiere un concepto pluridisciplinar (10) .

En la exposición, el concepto de la abstracción abarca un sentido amplio y un significado variable según la época; se realiza “una relectura crítica de la abstracción establecida por la historia del arte del siglo XX, teniendo en cuenta sus raíces espiritualistas, decorativas y científicas”, tres aspectos específicos que se dan en cualquier artista. (11) .

En la década de 1910, los artistas de vanguardia como Vasily Kandinsky - considerado padre de la abstracción-, junto a Kupka, Robert Dilaunay y Kasimir Malevich, invocaban para definirlo un “principio de necesidad interna” (12) . Pero, es sobre todo en la década de 1930 cuando se establecen las definiciones y terminologías de la abstracción; en Paris, destacan los conceptos y oposición entre arte no figurativo y figurativo o arte no objetivista, centrándose el debate posterior entre abstracción geométrica y abstracción lírica. En el mismo período en EEUU -1936-, en ocasión de organizarse en el MOMA de Nueva York una gran exposición sobre el Cubismo, su Director Alfred H. Barr vuelve a definir un “canon que perduró y en el que distinguía entre abstracción aproximativa y abstracción pura, entre arte no figurativo y arte no objetivo” (13) . En ambos continentes cobra auge el expresionismo abstracto.

En la década de 1960-1970 se produce un giro conceptual con la publicación de los historiadores del arte finlandés Otto Steelzer y de Sisten Ringbom ( 14) , y, a partir de la década de 1980, con la exposición en el LACMA de los Ángeles surgen nuevas relecturas “ en las que se redescubre a KLINT y se analiza un nuevo planteamiento de la abstracción entendida como “simbolismo sagrado”(Exposición The Spiritual in Art: Abstract Painting ) ( 15) , formado esencialmente por artistas mujeres que desalojan, a partir de entonces, las discusiones acerca de la participación de la mujer en la modernidad. En la década de 1990, surge un nuevo planteamiento de la historia del arte y de la abstracción femenina gracias al aporte de Griselda Pollock con su crítica postmoderna, marxista y psicoanalítica ( 16) . En 2001 se revisa el concepto de lo decorativo, “se acepta como fuente legítima de la abstracción y se reexamina las obras de artistas mujeres, que por razones sociológicas presentan estrecho vínculo con las artes decorativas”( 17) .

La exposición de “Mujeres de la Abstracción” fue presentada por primera vez en 2009-2011 con la expresión “Elles Font l’abstraction” (ellas hacen la abstracción) en la que se intenta mostrar una verdad ocultada -no solo por la historia del arte- y, aunque no se llegó a acuerdos sobre su alcance y significación, hombres y mujeres -indistintamente- crearon el arte moderno y, participaron en todos sus fases y ciclos históricos, porque su exclusión sólo fue histórica, no real ( 18) .

Finalmente compartimos con Griselda Pollock en que lo esencial de una obra de arte “es no poder separar su materialidad de las ideas, las percepciones, las emociones, la conciencia, el significado cultural, etc. y que su destino, en el seno de la cultura consiste en que se la interprete y se la reinterprete” (19) . Este es el objetivo que nos hemos propuesto con Claudia Sánchez en todos los emprendimientos vinculados a la obra de Sánchez Kelly y - en estos momentos- lo hacemos palpable en el Proyecto “Diálogo entre Artistas. El Hilo de Oro” que motivan estas publicaciones.

1 Eric de Shassey. 2George Roque citados por Christine Macel. pág. 19 Catálogo exposición, Ensayo “Ellas hacen”pág.18 y stes.

3 Carlos Torres Vila Presidente de la Fundación BBVA. Catálogo exposición pág.13.

4 Lucy Lippard, citada por Christine Macel en Catálogo exposición pág. 18 y siguientes.

5 Jean Arp y El Lissitz. Los ismos delArte.1925.pág. 9 Catálogo exposición. Christine Macel ob.cit.

6- 7-8 Juan Ignacio Vidarte Director General del Museo Guggenheim. Catálogo exposición. pág.12.

9 Serge Lasvignes, Presidente del Centro Pompidou de París. Catálogo exposición pág.14.

10 –al 17-Christine Macel. Bernard Blisténe Director del Museo de Arte Moderno. Centro de Creación Industrial París. Catálogo exposición pág.18 y siguientes.

18-19 Griselda Pollock. Catálogo exposición pág.25 y siguientes “Abstracción? ¿Cocreación?

JOSEPH BEUYS – SÁNCHEZ KELLY SOMBRAS Y LUCES EN EL ENIGMA VITAL

Sat, 12 Mar 2022 13:54:49 GMT

Spur I (Huella I) 1974 Litografía sobre papel Museo de Bellas Artes de Bilbao no habla del miedo que invade y a veces tiñe de color el firmamento incierto que es la vida. El miedo tapa, vela la visión, interrumpe el paisaje vital. Es preciso sumergirse en él, no huir. El miedo es atemporal está más allá de las circunstancias, anclado en el interior del hombre, un interior totalmente desconocido que él alberga bajo su apariencia. Mas allá, los escenarios vitales son teñidos por esa visión de miedo que a veces desdibuja o aleja al hombre de una visión real, lo aleja impidiéndole vislumbrar la plenitud.

Esta obra inacabada Beuys deja a la intemperie al ser humano y sus realidades, cuando todo él está imbuido de sabiduría y aceptación, y es capaz de llegar la cúspide de si, pasando por alto los obstáculos que el miedo puede poner a sus pies.

El autor capta de algún modo la atención del espectador, para inducirlo a esa perspectiva que lo hará interrumpir sus hábitos banales y zambullirse de lleno en ella.

Estamos ante un trabajo aparentemente inacabado, pero que encierra un enigma vital importante acerca de la realidad y el hombre que forma parte de ella.

Sánchez Kelly, por medio de esta representación sin título fechada en la década del 2000 sugiere movimiento, lo efímero del tiempo, tal vez una necesidad de atrapar momentos, de situar la mirada en el instante como modo de aquietar la mente, de comprender la existencia que pasa delante de nuestros ojos, sin apenas darnos tiempo a meditar acerca de los pormenores que ella nos refleja. Tres figuras resaltan en esta imagen como si flotaran en el espacio sin aparente conexión entre ellas, separadas por estructuras ligeramente dibujadas pero unidas por hilos invisibles que denotan la unión esencial.

¿Dejar pasar? ¿Detenerse y vibrar con el instante? Esta es la incógnita real para millones de seres humanos insertos en una dinámica que encierra y empuja a la vez. ¿Qué elegir? Vivir, ser, existir en autenticidad. No hace falta elección sino estar presentes, vivir en el instante sublime que a cada cual se le presenta importante. No huir, no salir corriendo, conectar.

De nuevo Sánchez Kelly nos permite reflexionar acerca de lo material y lo inmaterial en esta representación llena de matices, sombras y luces que perviven dentro de cada uno.

Beuys a través del miedo y Sánchez Kelly con su insistencia en que vivamos el presente nos conectan con realidades triviales, a menudo, pesadas de sobrellevar, dejándonos un mensaje aleccionador.

MARC CHAGALL- SÁNCHEZ KELLY. LO ESENCIAL Y LO TRIVIAL

Sun, 06 Mar 2022 23:22:50 GMT

En el marco del proyecto diálogo entre artistas. El hilo de oro y la exposición Non Finito El Arte de lo Inacabado del Museo Nacional de Escultura de Valladolid-España, presentamos el comentario de las obras El hombre del sombrero (tinta china y pluma sobre papel de 1940) de Marc Chagall (1887-1985) y Retrato sin Nombre (Técnica mixta sobre papel) fechada en la década de los años setenta de Sánchez Kelly.

Chagall resalta en el Hombre del Sombrero, sobre todo, el gesto a través de una mirada, mezcla de sorpresa e ilusión del protagonista frente a un animal o mascota. Se pueden observar trazos limpios, sencillos y claros que nos devuelven un gráfico abierto, sin grandes detalles, con manchas oscuras para reflejar cierta profundidad, sin apenas dejar paso a la imaginación. El color negro de la tinta recalca, más si cabe, una personalidad contundente, segura, que no da mucho margen a error, con apreciaciones terminantes que denotan dominio de la técnica mezclada con una crítica soterrada al mundo que lo rodea, a lo establecido, a las modas imperantes. Espíritu crítico que no se percibe con facilidad y burla soterrada hacia los opuestos. Una composición que expresa a veces aburrimiento, a veces falta de inspiración, mezclada con espíritu crítico.

De la mano de Sánchez Kelly contemplamos en su Retrato Sin Nombre, a través de pinceladas sencillas, ciertas estructuras corpóreas, destacando determinados puntos de conexión donde es preciso centrar la atención. En el rostro, Sánchez Kelly subraya la mirada a través de ojos penetrantes que incitan a la observación. ¿Hacia dónde mira la figura? ¿Qué busca?

La observación es el punto determinante en el autoconocimiento como vía imprescindible para comenzar un diálogo abierto y sincero con nosotros. Si no observamos, no podemos comprender. En este dibujo, la mirada es la clave y de algún modo el autor nos va introduciendo paulatinamente en la necesidad de una meditación cada vez más profunda, como único camino válido para comprender el sentido de la vida, búsqueda incesante en el esquema pictórico de este singular creador que impregna toda su creación.

Chagall y Sánchez Kelly, dos visiones, dos puntos de vista separados no tanto por el tiempo como por la búsqueda que cada artista persigue comunicar en sus plasmaciones. Con Chagall estamos manteniendo un diálogo en el que lo soterrado ocupa el primer plano, abasteciendo a una sociedad quizá desequilibrada carente de espíritu crítico. Sánchez Kelly, sin embargo, trasciende las pautas triviales y nos habla del paraíso terrenal, de la búsqueda interior como único camino válido para llegar a la sabiduría, a la paz, a lo esencial que alimenta lo material.

Pablo Picasso - Sánchez Kelly. La Insatisfacción en el esquema vital

Sun, 27 Feb 2022 00:19:00 GMT

En el marco del proyecto diálogo entre artistas. El hilo de oro y la exposición Non Finito El Arte de lo Inacabado del Museo Nacional de Escultura de Valladolid-España, presentamos el comentario de las obras Los saltimbanquis (1904 Gouache, acuarela, pluma y tinta negra sobre papel. Colección Abello) de Pablo Picasso (1881-1973) y Sin título (Década 1990 - Técnica mixta) de Sánchez Kelly (1942-2011)

Las penurias, las carencias materiales, la insatisfacción y sobre todo la falta de comprensión están presentes en este retrato familiar titulado los Saltimbanquis, donde Picasso pone de relieve la pobreza y la desigualdad social en una composición que a nadie deja impasible. Jugando con claroscuros nos invita a una reflexión profunda acerca de las limitaciones, el paso del tiempo y la tolerancia frente a las injusticias sociales, a menudo incitadas por las clases pudientes que no persiguen más que la propia satisfacción de los sentidos.

En la obra de Sánchez Kelly Sin título, la figura central se halla retratada en medio de dudas y dificultades expresadas por medio de tonalidades rojizas. La actitud de defensa que denota la efigie, refleja necesidad de protección frente a la adversidad. Soledad, duda, vacío atenazan incansablemente en muchos momentos al ser humano y Sánchez Kelly lo recuerda en esta estampa sencilla pero contundente.

Ambos trabajos relatan, a través de trazos simples y colores intensos, las diversas vicisitudes por las que atraviesa el ser humano en su esquema vital, carente de guías o soluciones claras que a menudo pueden conducir a la destrucción.

Los dos artistas Picasso y Sánchez Kelly resumen de forma magistral y esquemática los desajustes provocados en el interior del hombre, cuando lo vivido resulta difícil de entender en un primer vistazo y es necesario sumergirse profundamente en una visión más trascendente, si en verdad se desea sortear con éxito los obstáculos materiales que se presentan.

Edgar Degas- Sanchez Kelly. La vida desde lo anecdótico

Sat, 19 Feb 2022 15:05:47 GMT

En el marco del proyecto diálogo entre artistas. El hilo de oro y la exposición Non Finito El Arte de lo Inacabado del Museo Nacional de Escultura de Valladolid-España, presentamos el comentario de las obras Mujer Peinándose nº 28 (pastel sobre monotipo sobre pape.1887-189) de Edgar Degas (1834-1917) y Sin título( lápiz sobre papel) fechada en la década de 1980 de Sánchez Kelly.

En Mujer Peinándose nº 2 Degas resalta el cuerpo femenino y el movimiento. Se percibe cierta curiosidad por retratar a la figura en una actitud cotidiana, pacifica, haciendo abstracción del tiempo y del espacio. Un leve colorido atenúa la escala de grises, lo que dulcifica el ambiente, haciéndolo menos frío.

Una estampa que nos acerca a las costumbres de la época y a los temas recurrentes en la obra de Degas: la luz, el movimiento y el cuerpo físico. Lo inacabado se hace presente de forma tímida, otorgando a este retrato un aire sutil y misterioso.

Oscar Sánchez Kelly nos regala en su dibujo Sin título figuras humanas y un interés por el movimiento y la perspectiva que transmiten una necesidad de sacar a la luz hallazgos propios que aún no han sido descifrados, como si a través de los rostros retratados quisiera recordarnos el paso del tiempo y los misterios que encierra la vida, vivida desde lo anecdótico.

Fuera del escenario central, llama la atención una figura lejana que indica un camino a seguir, recordándonos, Sanchez Kelly, nuevamente, la urgencia de centrar la mirada, de hacer balance, de reconducir los gestos, las palabras y las acciones para poder seguir en la búsqueda de respuestas, tónica dominante en su creación.

Degas y Sánchez Kelly abordan el movimiento desde distintos ángulos de visión. El primero para dar a conocer lo trivial y resaltar las costumbres de su época, haciendo hincapié en lo simple; el segundo como un llamado de atención acerca de lo importante, de lo esencial, en un mundo ahogado aún por las convenciones.

LO PERFECTO EN LO IMPERFECTO Museo Nacional de Escultura (Valladolid-España)

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 12 Feb 2022 12:48:05 GMT

En el marco del Proyecto “Diálogo entre Artistas. El hilo de Oro” que venimos desarrollando*, ofrecemos una lectura renovada y presente de las artes visuales que se exponen hoy en España y reinterpretamos, desde distintos ángulos de percepción, el trabajo de SÁNCHEZ KELLY.

Toda obra, por su destino, naturaleza y esencia requiere de relecturas que ahonden más allá de su materialidad y sustrato, en su contenido, simbolismo y trascendencia. Todo artista busca, no solo que se contemple su plasmación artística, sino que se estudie, se investigue, se discuta y se interprete.

Desde esta perspectiva, iniciamos la Serie NON FINITO, resultado de la visita a la exposición:”Non finito. El arte inacabado”, que se llevó a cabo en el Museo de la Escultura (Valladolid- España del 23-9-21 al 9-1-22), en el que Claudia Sánchez analiza algunas de las estampas expuestas y seleccionadas y, realiza una comparativa con la obra de SÁNCHEZ KELLY.

La exposición “Non finito. El Arte de lo Inacabado” está comisariada por la directora del Museo D. María Bolaños, y presenta ochenta y cinco piezas de grandes maestros, pertenecientes a colecciones públicas y privadas de cuarenta museos de tres países: Reino Unido, Francia y España. Se exhiben -por primera vez juntas- piezas inacabadas de dibujos, pinturas, esculturas, maquetas, fotografías y películas, sin que tengan entre si lazos de referencias históricas. Es una muestra que mira a lo imperfecto o interrumpido como joyas dignas de ser contempladas.

Este centenar de objetos tienen un amplio recorrido histórico. Se trata de creaciones fechadas entre el 2050 A.C. (periodo del antiguo Egipto, procedentes del British Museum), y el 2013. Este amplio abanico, comprende épocas, estilos y autores representativos de varias disciplinas, en las que los artistas han intimado con lo trascedente e infinito, privilegio reservado a pocos seres humanos.

En la exposición se contemplan creaciones de Vasari, Rembrandt, El Greco, Sorolla, Degas, Picasso, Tatlin, Schwitters, Fellini, Oteiza, Chillida, Sugimoto, Sam Francis, Fontcuberta o Aballí. Joseph Beuys. David Hockney, Antonio López, Ingres, Antoni Gaudí, Mac Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall, Brassai, Berruguete, y otros.

La muestra trata de piezas que han quedado relegadas por la historia, que, sin embargo, constituyen testimonios de gran valía y belleza, que hoy salen a la luz, gracias a los promotores del evento para goce y disfrute del espectador, acostumbrado a la fragmentariedad de lo contemporáneo y unidas todas entre sí por una envoltura común: el non finito.

Antes del siglo XVI cuando una creación quedaba sin terminar, por hechos o circunstancias extrañas al autor, el hecho se entendía como una frustración o fracaso. En todos los tiempos existieron trabajos inacabados, pero fue en el Renacimiento cuando se descubrió su potencial estético y, en los siglos XIX y XX alcanzan su plena autonomía y valor3.

El concepto de non finito se atribuye a Miguel Ángel 1, trabajador incansable del modelo ideal, que junto a Leonardo da Vinci y Tiziano hicieron de él una categoría singular y valiosa. En otro orden, se considera a Buonarrotti2 padre de la noción de lo non finito, en el que las formas incompletas albergan la esencia misma de la creación, y su creador accede a la perfección en la imperfección. Surge en esta exposición una referencia directa al mito de la torre de Babel, no sólo como expresión de un edificio caído, sino como una aportación teórica al concepto del non finito.

El arte de lo non finito fue ganando terreno y alcanza su plena apreciación entre los románticos; ellos lo situaron en una plataforma autónoma. Se trataba de no terminar el objeto artístico, de quedarse en la indefinición, pero, es con las vanguardias cuando se borran definitivamente las barreras, y surgen los talleres, lugares secretos donde el artista se encuentra consigo mismo, avanza a tientas, ensaya, improvisa, y donde las expresiones se presentan en su desnudez, solo con trazos, colores o formas indefinidas o geométricas, momento impredecible, donde la obra aún no es.

Lo inacabado no solo ha recuperado su lugar en la historia del arte, sino que exige al espectador un cambio de visión, de percepción y de reconocimiento; el artista a su modo, obliga al espectador a respetar su expresión, a dejarse sorprender por él, a aceptar el fragmento como cualidad atractiva, a no poner en tela de juicio una inspiración interrumpida y a encontrar en ella autenticidad, belleza y trascendencia.

*Proyecto de Claudia Sánchez y Perla Guggiana

1, 2,3 másdearte.com Noticias.

Fotografía: Claudia G. Sánchez. Obra: Construccción de la torre de Babel. Óleo sobre tabla. Museo Nacional del Prado- Pieter Brueghel el Joven( 1564-1637)

Pablo Palazuelo- Sánchez Kelly. El gran dilema

Thu, 23 Dec 2021 11:41:55 GMT

En el marco del Proyecto de Divulgación " Diálogo entre Artistas. El hilo de Oro", visitamos la 29ª Edición de la Feria de Arte Contemporáneo Estampa, que tuvo lugar en Madrid durante el mes de octubre de 2021.

Hoy hablaremos de Pablo Palazuelo -pintor, escultor y grabador español (1915-2007), Premio Kandinsky 1952 y Premio Velázquez 2004,- que es uno de los representantes españoles más importantes del arte abstracto.

En esta ocasión comentamos su obra Afiche A.L Paris (Litografía 1955 75x45cm) en la que expresa cómo la estructura mental diseña formas y esquemas a través de las cuales observa la realidad. Los esquemas permiten, a través de enlaces, observar y relacionarse con el mundo que rodea sin palabras, con gestos claros y contundentes y un aire de solemnidad que ha de presidir los acuerdos con los que se convive.

Formalismo, exigencias con ciertos interrogantes ocultos acerca de la realidad no expresados con contundencia y claridad en el exterior, nos ponen delante de una obra que en cierta medida encierra enigmas y cuestionamientos no reconocidos. Cierto ocultamiento nos coloca ante el dilema de ser o no ser.

Sánchez Kelly en su obra Desprendimiento (grafito sobre papel 22x17cm 1974) trata el tema de la totalidad expresado a través del círculo protagonista de esta estampa, donde a la vez se observa un núcleo o centro del que emana todo. En la base se aprecia una multitud de puntos y formas difusas, conformando una especie de entramado que representa algo indeterminado. Todo el conjunto se resuelve con tintes amarillos y grises, que auguran un paisaje falto de vida.

Los círculos, recursos muy utilizados por Sánchez Kelly, nos hablan de lo infinito, de lo permanente o inmutable, de la esencia que alienta el proceso creador, que está representado en la base del cuadro.

Lo creado y el creador constituyen una sola expresión, aunque separada para plasmar esa línea a la que Sánchez Kelly nos tiene acostumbrados, cuando persigue situar al individuo en lo esencial, dejando a un lado lo superfluo, ayudándolo de este modo a colocarse en la visión adecuada acerca de la realidad y de sí mismo.

Los colores utilizados nos recuerdan la necesaria indagación a la que nos vemos abocados, si no queremos perder el sentido de la creación.

Palazuelo y Sánchez Kelly utilizan las formas geométricas para conducir al espectador a un diálogo interno cada vez más profundo acerca de la realidad que lo contiene. Palazuelo ronda ese devenir sincero que es preciso cultivar para el bien común y los hallazgos necesarios que debe perseguir el hombre para llegar a una recreación efectiva de sí mismo. Sánchez Kelly aborda el tema, recurrente en su obra, de lo esencial, haciendo hincapié en que nada ocurre que sea ajeno a la luz del creador, partícipe de todos los procesos creados. Lo creado es emanación del creador. Nada está separado.

JOSÉ GUERRERO - SÁNCHEZ KELLY. FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID. De las incógnitas ciegas al corazón con luz

Sat, 11 Dec 2021 11:38:51 GMT

Hoy presentamos a JOSÉ GUERRERO, pintor y grabador español (Granada1914-Barcelona 1991), cuyas obras se exponen, entre otros, en el Museo Guggenheim de Nueva york o en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

En “Composición (óleo sobre lienzo. Año 1959. 127x152cm), enmarcada dentro del expresionismo abstracto (movimiento pictórico abstracto surgido después de la segunda guerra mundial), encontramos una severa preocupación por la existencia y una confusión acerca de los roles, acerca de lo bueno o lo malo. Una mirada interior llena de sombras o claroscuros, de miedos que acechan y corrompen, que no dejan paz, que no dejan ver claridad.

Se respira una lucha entre el mundo interior y el mundo exterior, en cuyas estancias su autor no encaja del todo; cierta huida o evasión indican que el paso del tiempo es el aliado perfecto o la excusa para no ver.

Escapismo, soledad y un aire de melancolía encierran a esta obra, cuyo centro da testimonio claro de lo que significa el paso del tiempo y las tomas de posturas que inevitablemente tocan hacer pero que, en muchos momentos, no se alcanzan a comprender con exactitud.

Cierta inmadurez existencial impregna el lienzo que sume al espectador en una preocupación por establecer cuanto antes, reglas estrictas a las que asirse cuando debe estar a la altura de las etapas vitales por las que ha de atravesar.

En Abstracto 53 (Acrílico sobre papel. 54x39cm. 1990) Sánchez Kelly nos enseña su particular visión del mundo: el mundo ahoga o acosa-nos dice- y por ello es preciso hacer abstracción de lo externo, si deseamos hallar sentido a la existencia.

En el interior de cada individuo existen muchos claroscuros, que evidencian cierta ignorancia acerca de la naturaleza que nos contiene como seres humanos. También existe un reducto capaz de dar sentido. Ese reducto se halla olvidado, anclado en el corazón, en lo único que tiene luz detrás de las incógnitas vitales que ciegan. Dentro de esa perspectiva, es preciso dar rienda suelta a la autenticidad como único medio de conexión con lo intangible que todos poseemos, donde radica la clave que nos permitirá seguir avanzando como raza. El conocimiento, que es preciso desvelar, exige un comportamiento limpio y claro. Solo desde la limpieza se puede alcanzar la esencia.

Este trabajo de Sánchez Kelly se halla enmarcado dentro de la tercera etapa en la que hemos dividido su obra, donde encontramos un giro radical hacia la abstracción como medio eficaz para enseñarnos que toda búsqueda valida se halla en el interior y a través de colores y formas geométricas, nos ira situando en la observación adecuada.

Guerrero y Sánchez Kelly abordan el color desde distintas dimensiones; Guerrero para calificar, para interrogar, para conducir hacia una reflexión profunda; Sánchez Kelly para informar acerca de sus hallazgos internos y mostrarnos a su modo de ver el único camino válido para hallar la sabiduría: nuestro corazón sincero.

JUANA FRANCÉS - SÁNCHEZ KELLY. Feria de Arte Contemporáneo de Madrid EL SER HUMANO Y SUS INTERROGANTES VITALES

Sun, 05 Dec 2021 13:59:02 GMT

En este artículo hablaremos de Juana Francés (1924-1990), considerada una de las representantes más importantes del vanguardismo español. De fama internacional, cofundadora del grupo El Paso en 1957, sus obras se han expuesto en importantes museos como la Tate Gallery de Londres o el Guggenheim de Nueva York.

En referencia al trabajo expuesto, nos encontramos con una obra donde la artista resalta la aridez, lo incierto o la destrucción frente a lo nuevo que nace. Un canto a la vida hallamos en Juana Francés, que utiliza estos contrastes para hablarnos sobre la naturaleza humana. Plasmadora de la realidad en su más absoluta simpleza, nos recuerda el inexorable paso del tiempo y la dureza de la existencia que nos conduce irremediablemente al fin.

Los colores oscuros abundan en sus creaciones de esta etapa, delatando cierta insatisfacción o carencia afectiva, a la vez que expresan los misterios sin descifrar que acompañan al proceso creativo, o que son utilizados por Juana como detonantes que servirán de impulso introspectivo a los espectadores que inocentes, acuden a ver sus lienzos.

A mediados de los 70, Sánchez Kelly pintor, grabador y muralista argentino, nacido en Resistencia-Chaco, nos regala una serie con obras realizadas al óleo sobre tela, de las cuales extraemos la titulada “Universo”. En ella aborda un tema recurrente en su pintura: el hombre y sus interrogantes vitales, que lo envuelven haciendo que se sienta extraño o enfrentado al mundo que lo rodea. En la medida en que existe esa división, esa falta de cohesión entre él y su entorno, entre él y su mundo, esa separación lo sume en una especie de sinsentido. Desde la razón no puede comprender y se encierra.

Juana Francés y Oscar Sánchez Kelly, dialogan sobre la existencia en estas dos obras seleccionadas. Francés hace hincapié en la muerte, en el fin y en la urgencia que existe de cara a encontrar un sentido, sugiriendo al espectador que busque dentro de sí. Sánchez Kelly, encauza esa urgencia y de algún modo canaliza la búsqueda, señala que lo interno tiene relación con el mundo exterior, aunque desde lo racional no se puedan encajar las piezas clave; deja abierto el interrogante, pero confirma que es dentro de sí donde el hombre ha de hallar las respuestas, aunque parezca a simple vista que él y su entorno no tengan conexión.

Obras comentadas

“Nº 9” Juana Francés. Técnica Mixta sobre lienzo. 1958

“Universo” Sanchez Kelly. Óleo sobre lienzo. 47x58cm. 1976

Manolo Valdés -Sánchez Kelly. Feria de Arte Contemporáneo de Madrid.

Sun, 28 Nov 2021 00:14:14 GMT

Hoy nos centramos en obras del pintor y escultor español Manolo Valdés, que cuenta con varios premios importantes como el Premio Nacional de Bellas Artes de España y cuyas obras han sido expuestas en innumerables escenarios entre los que destacan el Museo Guggenheim de Bilbao.

Los retratos expuestos lucen algo destartalados, induciendo al espectador hacia una visión en la que resaltan los despojos, lo roto, lo viejo. Sus figuras parecen reflejar el paso del tiempo y las huellas que la experiencia va dejando en el ser humano. Una mezcla de alegría y tristeza, de sombras y luces, de claroscuros nos invade, cada vez que estamos delante de algunas de sus estampas.

Aire sombrío mezclado con tintes de melancolía y un mensaje poco esperanzador acerca de la vida, es la tendencia que dejan traslucir las obras presentadas.

En 1978 Sánchez Kelly, pintor, dibujante, grabador y muralista argentino, nacido en Resistencia-Chaco, inicia una serie de retratos entre los que destacamos el titulado “Retrato de Esposa” (pastel sobre papel. 54x36 cm. 1978). Se trata de una serie en la que el artista dibuja rostros donde resaltan las miradas, llenas de incertidumbre o duda, sentimientos que tienen lugar cuando el ser humano se halla frente a situaciones inesperadas o ante las que no tiene respuestas. El color marrón utilizado acrecienta más si cabe, esa sensación de poca claridad que se experimenta en momentos de cambios o crisis.

La falta de certeza que invade al hombre cuando ha de enfrentarse a dificultades, parece ser la tónica de estos dibujos de finales de los 70 que nos regala Sánchez Kelly, en los que pone de manifiesto los miedos, la soledad o el vacío que pueden acompañan en la lucha por la supervivencia.

Este trabajo se halla enmarcada dentro de la primera etapa de creación del artista (años 60 y 70), caracterizada principalmente por representaciones donde el hombre es el protagonista y lo describe en sus diferentes estatus internos y externos.

Valdés y Sánchez Kelly se unen en la misma temática vista desde ángulos distintos: el primero resalta las huellas que el paso del tiempo y las experiencias van dejando en cada uno, mientras que el segundo nos acerca a estados de soledad o duda que empujan a una constante búsqueda de sentido.

Fotografía Obra Manolo Valdés “Odalisca” 2006 Técnica Mixta arpillera.100x140cm.

Bonifacio - Sánchez Kelly. Feria de Arte Contemporáneo de Madrid. Lucidez para enfrentar la existencia.

Sat, 20 Nov 2021 15:19:16 GMT

En el marco del Proyecto de Divulgación "Diálogo entre artistas. El hilo de oro ", visitamos la 29ª Edición de la Feria de arte contemporáneo Estampa, que tuvo lugar en Madrid durante el mes de Octubre de 2021.

Comenzamos la serie comentando un trabajo perteneciente a Bonifacio Alfonso, pintor y grabador español (1933-2011), Premio Nacional de Grabado (1993) y Premio de la Artes de la Comunidad de Madrid (2005), cuyas obras se encuentran en colecciones de Museos como el Reina Sofía de Madrid, el de Bellas Artes de Bilbao o el Británico de Londres, entre otros.

Una mezcla de formas, sin aparente coherencia, conviven en este cuadro titulado “De un fresco Pompeyano” (1988 Óleo sobre lienzo. 114x148cm), donde el desorden parece arrastrarnos hacia la confusión. El desajuste de actitudes y gestos, una especie de sinsentido crónico-que su autor quiere mostrarnos-, en el que está cayendo la sociedad, no lleva a sus miembros a la estabilidad, sino más bien a una lucha permanente, que a menudo enloquece o no deja tiempo para la reflexión. Una sociedad sin orden está desquiciada, y ese desquicie puede ser el terreno idóneo para la dominación.

Los colores oscuros nos impulsan a una observación donde el aceleramiento nos da la mano, tal vez para aturdirnos más, si cabe, y transmitirnos el mensaje de imperiosa necesidad de toma de conciencia.

Estamos frente a una composición que nos apura a reflexionar sobre el tiempo en permanente crisis, que todos hemos creado, en la lucha por la supervivencia.

Siguiendo con la comparativa que estamos realizando entre exposiciones actuales llevadas a cabo en España y la obra Sánchez Kelly, traemos a colación “Drama de Inundación”, un trabajo confeccionado en 1996, donde Sánchez Kelly nos habla sobre las crisis que convulsionan al hombre, invadiéndolo para hacerlo reflexionar, observar en detalle lo que ocurre y mirarse más en profundidad. Todo acontecimiento que cala hondo, mueve cimientos que necesitan agitarse, para provocar el cambio. Solo en las crisis se ponen en tela de juicio los valores sobre los que estamos asentados, y aquellos que no son verdaderos se van. En este lienzo aborda el tema de lo material, haciendo hincapié en que todo lo exterior tiene un final, y que solo lo interno tiene la llave maestra que nos puede conducir a percibir la realidad desde la verdad, desde la esencia. El color blanco que rodea la figura central, totalmente dividida en compartimentos, simboliza la destrucción, la nada y el todo, la fuerza de la vida y el hombre desmenuzado frente a ella, que puede verse reflejado en su autenticidad, para reconstruirse y volver a empezar, cuando nada queda en pie.

Ambos creadores nos recuerdan la importancia de mantener la lucidez como modo de afrontar con la mayor claridad posible la existencia, cuando todo parece derrumbarse o la confusión reinante contribuye al deterioro individual. Sanchez Kelly, sobre todo, pone de relieve la necesidad de centrarse en el interior, como único camino válido de salvación.

Claudia G. Sánchez

El Bosco “Jardín de las Delicias”. Sánchez Kelly “El hombre del Espacio”. Cinco siglos, una verdad.

Sat, 13 Nov 2021 16:02:13 GMT

Actualmente y hasta el 27 de febrero de 2022, se exhibe en Matadero Madrid la exposición “El Jardín de las Delicias, una mirada a la obra maestra de El Bosco desde la creación contemporánea”. Se trata de una propuesta en la que artistas de distintas procedencias (Mario Klingemann, Miao Xiaochun, Cassie McQuater, Filip Custic, Lusesita, La Fura dels Baus- Carlus Padrissa, Mu Pan, Dan Hernández, Cool 3D World, Sholim, Dustin Yellin, Enrique del Castillo, Dave Cooper y Davor Gromilovic) utilizan medios diversos -arte sonoro, inteligencia artificial, animación digital, pintura, escultura, instalación-para realizar reinterpretaciones de esta singular obra de El Bosco, desde una visión contemporánea.

El original del Jardín de las Delicias, ubicado en el Museo del Prado, retrata la confusión que reina cuando el ser humano se olvida de su esencia y se entrega a la búsqueda de los placeres, ciegamente; esta actitud atasca las virtudes, que forman parte del compromiso fiel con el que entra en el mundo o nace a la vida. El fatal desenlace, al que conduce el desprecio de los valores superiores, implicará su destrucción.

Podemos decir que el mensaje que encierra El Jardín de las Delicias no ha perdido vigencia desde su creación en el Renacimiento (siglo XVI), y que esta puesta en escena de Matadero, no hace más que corroborar la tesis de que el status vital presente, desprovisto de sentido profundo, está causando estragos en la sociedad global y en el medio ambiente; las rivalidades, el todo vale y la búsqueda de placeres sin medida, está empujando al individuo, poco a poco, a la realidad descrita en la tabla derecha del tríptico, diseñada hace cinco siglos.

En 1979 Sánchez Kelly realiza Hombre del Espacio, una obra donde, en la figura dibujada, se advierten multitud de “espacios” dentro del cuerpo, en forma de esferas principalmente, que se asemejan a dimensiones o rincones necesitados de información o desarrollo, sin los cuales el hombre no puede continuar el viaje de autoexploración o conocimiento de la naturaleza que lo contiene. A esta información, solo puede acceder desvinculándose de lo exterior que, muchas veces, distrae su atención de lo fundamental. Lo externo visto con ojos materiales simplemente, carece de sentido. Solo viviendo desde el interior y profundizando en el conocimiento que llega desde el fondo, puede continuar su camino de evolución.

Sánchez Kelly nos recuerda en este trabajo que la vida vivida solo desde la forma, no es vida; aniquila, no conduce a la verdad. Es necesario un esfuerzo cotidiano de renuncia a la voluntad y a la búsqueda de los placeres mundanos como objetivo primordial, si realmente se quiere escapar de la destrucción asociada a lo material, desgajado de lo esencial.

El Bosco desde su Jardín de las Delicias y Sánchez Kelly desde El Hombre del Espacio, nos acercan a dos versiones del mismo mensaje: el ser humano no ha nacido para olvidarse de su naturaleza. El mundo no es un regalo para desordenar sino para hallar el sentido y la magia que se esconde detrás de las apariencias; entraña un viaje hacia lo desconocido cuya recompensa es la plenitud; mientras la existencia se desarrolle alejada de la verdad, el ser humano no encontrará su camino y caerá en el sufrimiento, en el dolor y en la destrucción.

Claudia G. Sánchez

Gerardo Lizarraga- Sánchez Kelly. EL TORMENTO Y LA VERDAD

Sat, 06 Nov 2021 14:31:12 GMT

EL TORMENTO Y LA VERDAD- DEJAR DE SER MARIONETAS

LIZARRAGA (España) - SÁNCHEZ KELLY (Argentina)

Asistimos a una exposición en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid, de Gerardo LIZARRAGA, artista español nacido en Navarra y exiliado en México, que recoge los dibujos que realizó durante su estancia en los campos de concentración de Argèles Sur- Mer, Agde y Clermont Ferrand (Francia), entre los años 1939 a 1941. Esta exposición, comisariada por Blanca Oria y organizada por el Instituto Navarro de la Memoria y el Museo Lázaro Galdiano, tiene como fin poner en valor la obra del artista y, a través de él, contar la historia de miles de personas que tuvieron que abandonar España tras la guerra civil de 1939.

Entre las estampas de estilo surrealista, podemos advertir el miedo expresado en trazos oscuros que delatan el panorama vital que rodea el momento de la creación. Transmiten una sensación de falta de aire, como si todo fuera efímero y no existieran certezas a las que aferrarse. En cada una de las ilustraciones se hace palpable el ambiente pesado o poco esperanzador donde el tiempo parece detenerse y la ausencia de futuro, hunde al autor en una especie de pesimismo existencial, que no deja lugar a las palabras. Una necesidad imperiosa de expresarse-intuimos- hizo posible que Lizarraga albergase estas expresiones visuales que atrapan al espectador, transportándolo hasta el límite entre su realidad actual y la posibilidad de poder retroceder en el tiempo y en el espacio, para pisar los campos donde estuvo retenido.

SÁNCHEZ KELLY (Argentina 1942-2011) pintó en la década de los 80 una Serie denominada “Marionetas”, caracterizada por figuras-marionetas que se encontraban en diferentes escenarios, mediante los cuales el pintor nos señalaba determinados aspectos con los que deseaba hacernos llegar un mensaje concreto.

De la serie, destacamos en este artículo la obra titulada “Marioneta Escenario”, donde Sánchez Kelly retrata de manera contundente a la mente y su influencia, muchas veces negativa sobre el ser humano. En este retrato podemos observar a la marioneta, con aspecto cadavérico, mirando la realidad enfrente, dándonos a entender que la mente aislada de conexión con la esencia, imagina, desea, proyecta, ata, y, en la medida en que no tomemos conciencia de su verdadera naturaleza, seremos víctimas inocentes de nuestras propias creencias o deseos que aíslan, no permitiéndonos despertar del sueño de lo irreal, que se presenta a nuestros ojos como real. Es decir, mientras no despertemos de la creencia acerca de la realidad aparente o circunstancial, seremos como marionetas flotando en un espacio tiempo, sin identidad real que nos llene. Vivir en la creencia es morir a lo real.

A modo de conclusión, podemos resaltar que Lizarraga retrata, en su más contundente versión, a la mente que ata, a la mente que imagina o sueña, pero que no deja paso a la esperanza, que no aporta salidas reales, cuando las circunstancias son duras o crueles.

Sánchez Kelly aborda el tema de la mente desde la perspectiva de que debemos integrarla dentro del estado esencial que todos albergamos, para que ella sea el medio a través del cual podamos vislumbrar el paisaje esencial que nos conforma, y solo podremos lograrlo cuando dejemos de ser marionetas.

Claudia G. Sánchez

Picasso- Sánchez Kelly. El Guernica-El mural Tempo. La verdad. La naturaleza humana y el tiempo

Sat, 30 Oct 2021 14:13:36 GMT

Guernica. Pablo Picasso. 1937. Óleo sobre lienzo. Museo Reina Sofía. Madrid

Estamos ante una obra que encierra muchos enigmas que requieren ser descifrados. Las traiciones y deslealtades propias que se traducen en traiciones externas; las guerras y conflictos internos que se traducen en conflictos externos; se aprecia un momento culminante de crisis, donde se pone en tela de juicio el modo de vida. Picasso nos habla del final de un ciclo, y todo final entraña la muerte del ciclo anterior, para nacer a lo nuevo. En ese entramado, algunos desaparecerán y otros pervivirán.

La simbología nos habla de traiciones, desencuentros, tormentos internos, necesidad de dejar de ocultar los sentimientos profundos que acechan, confusión acerca de la identidad propia, nacimiento de una nueva realidad que surge de injusticias calladas y ocultas.

En el escenario se hace presente la justicia, necesaria por años de injusticias. Los antepasados concurren para empujar el logro de dicha justicia, alumbrando los corazones de los afligidos. Las injusticias que se describen proceden de luchas de clases y luchas de poder, que es necesario que salgan a la luz y se encaucen hacia un nuevo destino colectivo, donde los viejos recuerdos cesen para el bien común.

El cuadro nos dibuja la necesidad de que voces nuevas se alcen y limpien el panorama actual que se retrata, lleno de medias verdades o verdades solapadas, que aíslan y no permiten claridad individual ni colectiva.

El paso del tiempo marca las pautas y somete irremediablemente al fin. La muerte es necesaria; no hay vida sin muerte, no hay muerte sin vida. Todo es efímero. Los aconteceres tienen un propósito y un sentido que es preciso entender y, si se debe grabar a fuego se grabará, porque nada ocurre por causalidad.

El autor nos recuerda que deben dejarse las mentiras a un lado, para que nazca la verdad que marcará un nuevo sendero y regirá un nuevo destino que, tal vez no será el ideal, pero es el paso siguiente.

En la representación percibimos a muchos involucrados en un destino común. Existen distintos grados de afectación de la problemática retratada, según es la categoría que cada cual posee en el reparto de papales que le ha tocado interpretar en la trama. Están los protagonistas y los actores secundarios. No todos tienen la misma importancia.

Los colores blancos, negros y grises que hallamos en la estampa, expresan verdad, contundencia, seguridad, sentencia.

Toda la composición es un grito, una reivindicación, una verdad que no puede ser callada ni debe ocultarse. Es un llamado de atención, para el presente y generaciones sucesivas. Entraña un recordatorio claro, contundente y firme que no debemos olvidar.

Mural Tempo. Oscar Sánchez Kelly. 1993. Universidad Nacional del Nordeste. Argentina

Oscar Sánchez Kelly nos habla del inexorable paso del tiempo en su Mural Tempo. En la parte central, el plano amarillo nos transmite que todo es posible en el universo particular y global; hay “algo” que no está escrito. Existen pocas certezas y nos advierte de que las contradicciones internas, muchas veces, albergan verdades que aún no han salido a la luz. Nada es un error, pero es preciso seguir buscando.

En la base se hace presente el miedo que está asentado en el corazón del hombre, sin embargo, el diálogo consigo mismo es el elemento indispensable para comprender lo oscuro que se encuentra en la base del miedo: lo desconocido o la falta de saber.

Estamos alumbrando, de a poco, el porvenir; con nuestras pequeñas acciones, conformamos lo que vendrá. Somos herederos de algo que no sabemos. Es importante que demos valor a lo que no se ve, pero que se siente. En nuestras manos están las decisiones que nos irán guiando hacia las certezas que nos faltan.

El tiempo es limitado y en cada fracción existen certidumbres por desentrañar. No todo está dicho y cada cual posee un parte de la verdad que debe ser alcanzada, para pasar el testigo a las generaciones siguientes. No podemos perdernos en lo superfluo. Recordemos que dentro de la naturaleza humana están las claves.

Nos encontramos ante una representación donde Sánchez Kelly retrata, muy sintéticamente, un mensaje claro de universalidad, de hermandad, a la vez que nos recuerda la responsabilidad que cada ser humano tiene en el concierto global, haciendo hincapié en la necesidad de explorar el interior desconocido que nos conforma, donde se hallan guardadas las respuestas que nos faltan, para comprender el sentido de la creación y de nuestra presencia en el tiempo.

El artista deja en este testamento pictórico su mensaje claro y contundente de que debemos mirar en profundidad nuestra existencia y a nosotros mismos, que no nos debemos dejar arrastrar por las apariencias y bucear en lo intangible que se aloja detrás. Nos recuerda, a través del paso del tiempo, que no podemos quedarnos dormidos en una vida placentera, porque existen importantes enigmas a descubrir por cada uno.

Guernica y Tempo dos obras colosales que provocan impacto en el espectador. Ambas representaciones encierran mensajes esclarecedores acerca de la naturaleza humana que no nos pueden dejar impasibles. Ambos autores, en momentos históricos distintos, utilizan su paleta para pintar de colores el mensaje universal que nos mantiene unidos y atados al tiempo: “el escenario vital en el que se encuentra cada uno, ha de servir para derrumbar las divisiones que nos impiden alcanzar el estatus de paz suficiente, imprescindible para vislumbrar la incógnita que nos contiene y liberarnos así de las ataduras de la materia.

Claudia G. Sánchez

Vivien Suter. Oscar Sánchez Kelly. Dos mundos, dos caminos, una sola respuesta

Sat, 23 Oct 2021 20:20:39 GMT

La especial disposición de las telas en la sala, hace difícil poder observar con la suficiente distancia y claridad las obras de Vivian Suter. Esa composición dificulta al espectador entrar en contacto real con cada lienzo de forma unitaria, como si en ese ocultamiento debiéramos permanecer todos agazapados, agachados, sin poder hablar o levantar nuestras voces. Las paredes laterales están llenas de estampas donde podemos apreciar mucho barullo, asombro y, en multitud de ellas, una mezcla de estados de ánimo, que en su totalidad no nos muestran un mensaje claro, más que el de: “nada permanece, todo es cambiante, no podemos aferrarnos a nada, no hay claridad”.

En una visión de conjunto podemos apreciar como la autora busca lo intangible, a pesar de lo tangible. Se advierte cierta lucha imperceptible por hallar sentido a lo construido, a lo que se puede tocar y la investigación hacia una identidad o lenguaje propio. A veces, confusión y cierto desarraigo, con toques de responsabilidad. Añoranza de un sendero claro, de respuestas que den certezas, en un mundo donde no encuentra una que la albergue, serena. Dudas, desencuentros, necesidad de irse para respirar. Respiramos cortes abruptos con el entorno, búsqueda de silencio y de aires nuevos y creados por sí misma. Algunos lienzos expresan cierto encierro mental y tendencia al aislamiento como modo de luchar contra el barullo imperante en una sociedad en crisis o en continuo movimiento, que impide ver con tanta velocidad, dónde se hallan sus raíces.

Miedos, dudas, camino incierto por donde pisar, miradas efímeras hacia una realidad inhóspita que no entiende, se desprende de muchas de sus expresiones; vaivenes emocionales y confusión respecto a su presencia en el mundo, anhelo de encontrar en la naturaleza un refugio donde poder descansar, pero hemos de decir que el aire real está en todas partes y que no podemos huir de nosotros mismos.

Una exposición muy colorista, donde el espectador puede perderse ante el laberinto central, que transmite la necesidad de respirar aire puro, una vez que atravesamos la puerta de salida, buscando la naturaleza del parque del Retiro; esto nos revela el sentir de su autora, carente en su obra de un mensaje claro que transmitir al visitante, acerca de las dudas que la atenazan.

Existe una verdad oculta detrás de las apariencias, nos dice Sánchez Kelly a través de sus gruesos trazos negros; esa verdad es como un camino o sendero que es preciso recorrer y cada uno posee claves para hacerlo, aunque existe una comunicación con lo sagrado que ayuda. Esa comunicación llega, muchas veces, a través de adversidades que tocan el corazón y que sacan al hombre de la costumbre de la mente y lo empujan a salir de esa mirada anclada en el espacio tiempo. Es necesario que exista una alianza clara entre lo exterior y lo interior como un diálogo que no puede existir el uno sin el otro; lo podemos apreciar en obras donde aparecen composiciones enfrentadas. Ambos mundos son complementarios y no pueden separarse. Si se separan existen situaciones de conflicto que llegan súbitamente para arrastrarnos de nuevo al diálogo interior y a dar importancia a lo que cada uno siente. Poder verse en el espejo creado es importante, pero es necesario saber reconocerse. No todo lo que apreciamos está en sintonía con lo que hemos creado realmente. A veces, existe cierta confusión, pero también un hilo argumental que está implícito en la vida de cada cual que va conduciendo a través de vivencias para poder llegar a conclusiones claras acerca de los enigmas particulares. Esos enigmas, a veces, están disfrazados y no se pueden ver a simple vista. Cuanto más profundo se esconden, más se hace necesario pulirse y esforzarse por salir de lo convencional, de la primera visión, para indagarse a uno mismo y llegar a conclusiones válidas. Siempre que existan dudas, no hemos alcanzado nuestra conclusión, la que nos sirve para el paso siguiente. Es necesario seguir ahondando.

Estamos ante un conjunto de obras que nos hablan sobre el sentido que debe recorrer el hombre, para alcanzar un estatus de luz, de equilibrio y de sabiduría. Cada cual las hallará en su camino de vida sabiendo leer en las circunstancias y en él mismo

Sánchez Kelly nos lleva de la mano para recordarnos que no debemos perdernos de la vida propia, de la que cada cual tiene en sus manos, y a través de esa vida que es experiencia directa, nos dice, hallaremos claves que nos ayudarán a comprender el sentido de nuestra creación.

Dos artistas, dos visiones, la búsqueda del equilibrio y de respuestas en uno, el afán por señalarnos el camino en otro.

Exposición Vivian Suter en el Palacio de Velázquez, sede del Museo Reina Sofía en el Parque del Retiro. Madrid, hasta el 2 de mayo de 2022.

Oscar Sánchez Kelly, un camino hacia lo esencial. Obras pertenecientes a la década del 2000

Claudia G. Sánchez

Emeric Jacob - Sánchez Kelly. Las formas Circulares en "Arte Restos" de dos artistas

Sat, 23 Oct 2021 14:40:30 GMT

Las figuras hechas con materiales reciclados recogidas en la playa por Emeric Jacob para su exposición “Emergences” , nos evocan dolor y muerte, el fin y el comienzo, que todo da vueltas sobre lo mismo. Parece que no hay salidas, no hay renovación, no nos queda más que recoger los restos para volver a contar las mismas historias, una y otra vez, y tratar de hallar sentido.

Algo parece escaparse de la comprensión, como si ese algo no estuviera resuelto. Las formas circulares simulan buscar el interrogante principal del ser humano, que aún no está escrito. Las texturas nos recuerdan que es preciso concentrarnos en lo que tocamos, en lo que tenemos en las manos, en lo que podemos tocar y sentir con ellas, porque en ese punto se nos escapa información, y por ello necesitamos volver a revivir lo vivido, a recoger estos desechos, para que en las huellas que hemos dejado atrás, hallemos enigmas que debemos resolver sobre la creación y nuestra presencia en ella.

Las esculturas nos hablan con sus formas esférica de que debemos reencontrarnos a nosotros mismos, a fin de poder descubrir el significado real de la existencia y salir del peso de la materia, que lejos de dejarnos volar, tiende a enraizarnos y a que nos quedemos atrapados en situaciones que aisladas no entendemos. Tienen coherencia en la medida en que no se observan unitariamente, sino formando parte de un todo.

En las estampas, cada objeto ocupa un lugar; ese lugar es único, síntoma de que debemos recomponer las piezas de nuestro puzle vital para hallar el sendero real.

El artista busca con este ensamblaje de objetos, que todos encajen de algún modo, para que juntos nos permitan ver el mensaje completo. Nos recuerda, a través de su particular creación, que existe algo oculto a desentrañar, pero que es precio juntar las partes, juntarnos, no separarnos, unir los trozos del pasado, agruparnos los seres humanos, unificar lo que pensamos y sentimos, porque todo es importante, todo forma parte de la pieza principal, nada debe ser desechado, sino tenido en cuenta para ver a qué sección de ese rompecabezas pertenece y así encontrar juntos el sentido a la vida y a esta creación. En el aislamiento o separando las piezas, nunca hallaremos la verdad. En las diferencias, en los matices, no debemos ver separación sino unión de las partes, que cada una es imprescindible.

El artista repite y repite el mismo mensaje desde distintas posturas.

En la década del 2000 Oscar Sánchez Kelly nos regala trabajos realizados sobre materiales reciclados encontrados en la calle, como tapas de ciertos recipientes en diferentes estados de conservación. Eligió formas circulares, preferentemente, porque el círculo es un motivo que se repite en su obra, sobre todo en la última etapa de su actividad creativa. El círculo simboliza en sus creaciones lo infinito o lo eterno, el estado donde no hay principio ni fin.

En esto materiales reutilizados, OSK nos habla acerca de que no debemos olvidar lo pasado, de que es imprescindible rever posturas, tener presente lo que ya fue, como un modo de sentar bases solidas y firmes. Cuando olvidamos lo pasado o lo obviamos, estamos perdiendo información necesaria para continuar.

Sobre estas bases nos pinta colores, aparentemente, sin un orden preciso. Sin embargo, siempre mira hacia el centro en sus pinceladas, insinuándonos que debemos partir desde ese punto. Siempre debemos centrarnos, ese centro es el principio, marca un punto de inflexión (el centro somos nosotros, cada uno) No estamos solos, formamos parte de la vida, de los demás, aunque no queramos. La clave no es entender a los otros, sino que, a través de los otros, nos entendamos nosotros.

El lenguaje pictórico de OSK siempre nos transmite la necesidad de vivir desde nuestra identidad clara hacia los demás, manteniendo plena conciencia del uno, de lo individual como paso indispensable para avanzar en los descubrimientos acerca del gran enigma de la existencia.

Ambos artistas, desde tiempos y latitudes distintas, enriquecen nuestra visión dándonos la oportunidad de recrearnos en sus trabajos, ofreciéndonos un mensaje similar: es necesario aprender de lo que ya fue, recoger los trozos para partir de bases sólidas hacia la búsqueda de la verdad, sin olvidarnos de que todos formamos parte de todos y de todo.

Exposición de Emeric Jacob “Emergences” en Barcelona Octubre de 2021. Esculturas de materiales encontrados en la playa. Expo Recicla Drap-Art.

Oscar Sánchez Kelly. Tondos. República Argentina- Provincia del Chaco. Década del 2000.

Claudia G. Sánchez

EN SU OBRA ¿HACIA DONDE? SÁNCHEZ KELLY APORTA CLAVES FRENTE A LAS CRISIS

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 05 Jun 2021 11:27:33 GMT

Toda crisis conlleva cambios profundos y, a pesar de las contingencias, es imprescindible mantenerse firme y no perderse de uno mismo. Así simplifica Sánchez Kelly la situación del ser humano que vive volcado al exterior, que edifica su vida sobre cimientos de barro, que no busca la verdad y que, en situaciones comprometidas, se siente perdido en una maraña de acontecimientos externos, ideas contrapuestas y sin herramientas válidas a las que aferrarse.

Nos toca vivir tiempos de una transformación acelerada. Los valores que funcionaban como puntales de la sociedad se han derrumbado. Esta situación provoca en la sociedad una sensación de abismo, de inseguridad, de falta de claridad que, por un lado, promueve cierta angustia y, por otro, nos abre a nuevas y diversas oportunidades que surgen en distintos ámbitos, con vistas al futuro.

En la obra ¿Hacia dónde? de 1983, Sánchez Kelly nos introduce en estados, emociones y pensamientos contradictorios del individuo, debido a sus luchas internas por encontrar sentido a su vida y por encajar en la sociedad. Esta necesidad remueve sus cimientos. El miedo y la incertidumbre acobardan al individuo; lo establecido lo asfixia, pero romper con lo tradicional y encaminarse solo, en un nuevo sendero, no es fácil.

Frente a la crisis estructural y de dimensión global que se vive, la energía de la vida nos envuelve con su inteligencia, pero, para poder descubrirla, debemos estar atentos y abiertos a recibir el mensaje que nos trae.

Cada situación nueva conlleva un aprendizaje sin excepción - nos dice Sánchez Kelly- porque detrás de cada hecho hay un aprendizaje oculto a desentrañar, aunque, depende de cada uno saber leer e interpretar adecuadamente. En principio, constituye un llamado de atención y debemos tener presente que “nada real se destruye”; lo que se va son las ideas erróneas y las visiones caducas; la esencia del aprendizaje queda intacto y, hay que seguir caminando, porque en el tránsito vital, “nada cae en saco roto”.

Cuando ocurren hechos que trastocan los cimientos sobre los que estamos asentados, surge la necesidad de cambio a todos los niveles: individuales, sociales, políticos, económicos. En todos los casos, ante el miedo, tumulto y confusión que aflora en situaciones inéditas -como las que estamos viviendo- es necesario observar conscientemente, estar despiertos, atentos. Esta actitud nos aportará la calma para no dejarnos arrastrar por el pesimismo, la desesperanza, la consternación y la tristeza. La mente racional se pierde ante lo que no puede prever. Es preciso profundizar más y atravesar esa primera barrera.

Los artistas y pensadores -a través de sus obras y palabras- tienen como fin provocar nuestra reflexión profunda y señalarnos un camino, para que atravesemos con bien nuestras propias crisis y los hechos que se nos presentan con las herramientas adecuadas. “Esas herramientas” están dentro de cada uno - esperando ser halladas- para llevarnos de la mano, a una transformación. Lo verdad irá aflorando en cada individuo, a veces lentamente, pero tarde o temprano se abre la puerta hacia el paso siguiente, que no siempre es el que esperamos, pero es necesario confiar en que estamos siendo conducidos por la misma energía que provocó el cambio, y hay que dejarla entrar para que nos guíe.

Sánchez Kelly nos dice en este trabajo que aprovechemos situaciones de crisis- como la que estamos viviendo- para detenernos y volver a nosotros, para meditar, hacer balance y empezar de nuevo sobre bases sólidas. La verdad y la fuerza habitan en el interior de cada uno, pero buscar la verdad y hallarla, supone efectuar una andadura ardua que pocos quiere emprender.

El artista recorrió ese camino a través de su arte y de su existencia; fue un hombre sin dobleces, auténtico, que supo encajar con honradez los roles que le tocaron. Su mayor legado está en el mensaje -que a través de su creación nos dejó. En ella fue pintando y revelando los avatares y adversidades que se atraviesan en la vida, con el fin de ayudarnos y marcarnos un sendero.

EL ARTE CONCEPTUAL

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 05 Jun 2021 11:14:30 GMT

En el arte conceptual la “idea” es esencial. Resulta irrelevante el soporte en el que se manifiesta; lo que interesa es el “concepto”, la intención del artista, la selección y la elección. Un ejemplo de arte conceptual son los ready-mades de Duchamp, en los que la obra surge de la idea de “elección” o “selección” del objeto. Existe una escala de valores en la que el primer lugar se asigna a “la idea” - que se antepone a la forma- y todo lo demás, es secundario.

La materia sobre la que se expresará la idea creativa es “solo un pretexto o incluso, un pre-texto”1. Una de las características más sobresaliente de este paradigma es que la obra puede ser creada por el artista o por otras personas- el quién es irrelevante- o se puede llegar al extremo de que la obra no llegue a realizarse, como dice Nadia Walravens, citada por Nathalie Heinich: “el concepto de la obra es la obra”, en la que la idea es considerada la obra y puede ser reivindicada por el artista2 y llegar a ejercer el derecho de propiedad intelectual3.

En el arte contemporáneo, hasta el derecho se ve comprometido y no dudamos de que acabará reconociendo estas singularidades. Es decir, “la obra es la idea”; si se llega a materializar o no es irrelevante. “La ausencia en el arte conceptual de la expresión personal de la interioridad del artista, no es obstáculo para calificar una propuesta como obra intelectual”3

Un ejemplo muy ilustrativo es el que ofreció Joseph Kosuth quién expuso los tres modos de existencia de un objeto: una silla real, su fotografía y su definición en el diccionario4. Se da otra paradoja, el objeto puede materializarse o no, pueden estar hechos por el artista o no, lo que no se puede obviar son “los argumentos”, las presentaciones, “las explicaciones”, las declaraciones o las instrucciones dadas por el artista. Estas instrucciones son las que dan vida a la obra, son las huellas del arte, son las que al final se pueden exponer, vender y reivindicar sus derechos.

De lo que se trata es de la “inmaterialidad del objeto”, su interpretación final queda librada al espectador. Por eso Duchamp daba tanta importancia al espectador, al que consideraba el auténtico creador.

Artistas contemporáneos como Sánchez Kelly, también dan importancia al espectador, al que consideran co-creador. En más de una oportunidad manifestó que: “una obra moderna reclama la participación activa del espectador para sentirse completa”.

Ante este escenario, creemos que reducir al ser humano y a su expresión -el arte- a ideas, es ignorar que estamos dotados de una identidad última que nos contiene, más allá del yo personal y egoico, nuestra verdadera esencia, identidad que pocos pueden hallar y hallarse en ella, pero que sin embargo, hemos de hacer un esfuerzo por alcanzarla, está en juego nuestra propia supervivencia como seres humanos.

Aunque me repita, citaré a Willigis Jäger, porque él resume con autoridad nuestra situación como seres humanos: “Hoy en día el ser humano se encuentra en el umbral del siguiente nivel de consciencia, y tanto su bienestar personal como la continuación de la raza humana, dependen mucho de que logremos traspasar este umbral”. Los artistas, como exponentes de su tiempo y sociedad, no son ajenos a esta responsabilidad.

SÁNCHEZ KELLY UNA OBRA CON SENTIDO PROFUNDO( Décimo Aniversario 2011-2021)

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 05 Jun 2021 11:07:39 GMT

Nada está colocado al azar en una obra de SK, pero a la vez, si escogemos solo una parte de la misma, es suficiente para hallar mensajes profundos que nos transportan. Para experimentar esta interpretación es necesario tener delante uno de sus trabajos: cualquiera de ellos nos permitirá constatar que existen multitud de fragmentos con la capacidad de transmitir por sí mismos el mensaje completo que su autor persigue mostrar con todo el conjunto.

¿Por qué ocurre esto? Simplemente porque estamos delante de obras con sentido profundo.

¿Qué es una obra con sentido profundo? Se trata de plasmaciones que solo pueden ser albergadas cuando el hombre se aparta de sus pensamientos y entra en contacto con estados de honda meditación donde lo determinado o limitado deja paso a la inmensidad, donde todo forma parte de todo, donde lo imposible se hace posible.

Es necesario el olvido del sí mismo para dejar paso a la inmensidad del estado creador. Esa capacidad innata la tenía Oscar Sánchez Kelly y esa capacidad la tiene todo artista que deja a un lado la personalidad para entrar en contacto con espacios sutiles, espacios donde la verdad, la esencia espera pacientemente como un amigo fiel para darnos su calor, su color, su mensaje.

Son pocos los creadores que pueden dejar a un lado su mente para dejar pasar a lo esencial y que lo esencial dibuje los paisajes necesarios, en cada momento, para transportarnos, para hacernos vibrar.

Un artista se convierte entonces en transmisor de un mensaje sublime cuya presencia se hace imprescindible para que podamos seguir navegando hacia la dirección que precisamos y que muchas veces los argumentos mentales obstaculizan.

A veces, un maestro puede parecer un aliado, otras veces un enemigo, sin embargo, cuando dejamos a un lado la mente que juzga y nos enfrentamos con la observación silenciosa, podemos llegar a hermanarnos, sin ninguna duda, con el sentido verdadero de la enseñanza que no pasa por entender a la persona, sino por comprender el significado de lo que el trabajo de ese maestro nos está legando.

He pasado toda mi vida contemplando lienzos de mi padre colgados en las paredes de mi casa. Diferentes épocas y estilos fueron pasando delante de mis ojos durante décadas. Las abundantes muestras de su trabajo, retenidas algunas en mi memoria para siempre, me permiten hoy escudriñar más si cabe en sus espacios de creación y asegurar que estamos delante de una obra completa que relata como pocas, el camino hacia nuestra esencia, pasando por las diferentes capas que atravesamos los seres humanos en nuestro camino de despertar, a estados cada vez más intangibles que se encuentran albergados en nuestro interior y que es preciso que se hagan conscientes, hoy más que nunca. Como pocos sus estampas estimulan cada día mi camino y actualizan de modo mágico mi vivir, porque se hallan llenas de vida, llenas de respuestas, de información valiosa para meditar, para redescubrir, para inspirar.

Cuando estamos frente a una obra de Sánchez Kelly, lo primero que apreciamos es precisión, destreza, seguridad, trazo elegante y decidido, colores perfectamente colocados en lugares estratégicos, que casi parecen hablar por sí mismos.

Cuando profundizamos en la observación, comenzaremos a darnos cuenta de que cada detalle de sus composiciones nos coloca en una perspectiva distinta, y ella nos permite percibir aspectos diferentes y a la vez completos en sí mismos. Es decir, cada obra posee destellos que nos dirigen a captar diagramas completos, nos impulsan a entrar en contacto con paisajes enteros.

Animo a quienes tengan la oportunidad de ver una de sus creaciones a que indaguen más a través de ellas, a que no se detengan en una mirada rápida, a que se sumerjan en los detalles casi imperceptibles que poseen y que observen y observen hasta el cansancio, como yo lo he hecho. Solo así se puede llegar a descubrir las maravillas que encierran.

Mente y Tiempo en la obra de Sánchez Kelly

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 05 Jun 2021 10:57:07 GMT

MENTE Y TIEMPO en la obra DE SÁNCHEZ KELLY

CICLO DE ORO DEL DIBUJO 1979-1980

“EN DESARROLLO”

La obra “En Desarrollo” la hemos publicado en estas páginas anteriormente, pero no hemos explicado hasta hoy su contenido, análisis e interpretación de Claudia Sánchez, estudiosa de la obra de su padre.

Esta obra se enmarca en la creación de Sánchez Kelly de mediados de los años 70, cuando comienza a manifestarse en el artista un cambio de visión hacia lo trascendente de la existencia.

En el libro “Sánchez Kelly. Dibujo”( pág. 53), Claudia Sánchez se refiere al pensamiento en la significación de la obra del artista y, lo expresa así: “Los pensamientos, cuando se convierten en guía, a menudo nublan la visión real e incluso impiden que conectemos adecuadamente con nuestro propio cuerpo. Dificultan el fluir de la energía vital causando enfermedad y destrucción. Es urgente que seamos conscientes de esta realidad para ayudarnos a salir de la limitación autoimpuesta por nuestra propia ceguera. Es necesario meditar.”

La obra “En desarrollo”, Claudia Sánchez nos dice que: “es una obra magistral de Sánchez Kelly que simboliza la mente y el tiempo. La mente limita, pero también está dentro de nuestra naturaleza. La clave radica en simbolizarnos con ella, no en excluirla. Ese es el punto donde se halla encerrado el ser humano en la actualidad”.

“Existe una evolución de la mente hasta límites insospechados, pero tampoco hemos de olvidar que la inteligencia solo es una parte, no lo único.”

“La mente nos aísla de nuestro centro. El centro representado en la base del cuadro, está conectada con la mente, el dibujo central, en cuyo interior podemos observar un cubo, que simboliza dicho mensaje: estamos aislados si vivimos en la mente o dentro de ella. En el interior del cubo se aprecia una diminuta imagen que puede representar al ser humano.

Para poder descubrir el sentido de la existencia, debemos separarnos de la mente, hacer abstracción de ella. La existencia tiene un sentido oculto, que hemos de aprender a desentrañar al margen de pensamientos, emociones, sentimientos y convencimientos.

No podemos apresar la realidad ni manejarnos con convenciones o certezas. Debemos vaciarnos, aislarnos para situarnos en la visión acertada.”

“En esta obra también hace referencia al tiempo. Si miramos desde otra perspectiva esta realidad representada en grafito, podemos observar una figura que se asemeja a un gran reloj de arena. El tiempo, elemento importantísimo en la dinámica de actuación del ser humano, nos recuerda que todo nace y muere en un instante- el instante está representado por el fino hilo que conecta con el recipiente inferior.

“Los pensamientos encierran cuando se convierten en directores de nuestra recreación material. La mente desconectada del sentir ahoga, encierra y perjudica la percepción del sentido verdadero.”

“Es importante ser consciente de los pensamientos, pero no dejarse arrastrar por ellos. Forman parte de la naturaleza, pero su función no es sustituir a nuestro sentir, sino ordenarlo para hacerlo palpable en el mundo material. Dejarse arrastrar por la mente ahoga, no aporta luz y claridad.” Texto de Claudia Guggiana del libro “Ciclo de Oro del Dibujo de Sánchez Kelly”(en edición).

CUERPO, MENTE Y ESPIRITU EN LA EXPRESIÓN ARTISTICA DE SÁNCHEZ KELLY

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 06 Mar 2021 13:28:59 GMT

SÁNCHEZ KELLY abordó y plasmó a lo largo de su vida en sus obras, los tres niveles evolutivos del arte: naturaleza-cuerpo; mente y espíritu, a través del dibujo, la pintura y la estampación investigó, experimentó y vivió estos estadios.

En líneas generales y en una primera etapa, el perfil de su obra alterna entre la representación de objetos de la realidad exterior, a objetos del pensamiento y la realidad interior, no tanto lo que “veía” en el mundo exterior, sino lo que pensaba y sentía. Los temas objetos de su interés fueron diversos: el cuerpo del hombre y especialmente de la mujer, ocuparon su atención en diversas etapas y ángulos de percepciones distintos.

En los retratos, supo reflejar con maestría el paisaje de las emociones y sentimientos comunes al ser humano.; aspectos de la vida cotidiana también fueron objetos de su arte, en el que dio riendas sueltas a las formas metafísicas -de la realidad observada a la realidad intuida- y, a través de la caligrafía de lo simbólico, alcanzo la abstracción pura.

Pero -desde el principio- el dilema de la existencia acosó su vida e inundó su creación, la búsqueda de la verdad y del sentido de la vida le condujo a penetrar en las profundidades del psiquismo, en su intento de dar expresión artística a su excepcional búsqueda.

En el periodo comprendido entre los años 70-79 - en el ámbito del dibujo- Sánchez Kelly da un salto cualitativo importante y surge un cambio trascedente, en la que el artista empieza a representar el mundo de lo abstracto y trascendente -el mundo del espíritu- salto que en la pintura, se manifiesta en los años 90 a partir de la obra “El Grito”.

Desde entonces y hasta el final en 2011, el artista intenta – sin dejar de prestar atención al mundo externo- expresar la pureza de la realidad esencial, excluyendo los “accidentes y anécdotas visuales” e intentando captar los aspectos atemporales e inmutables, con todas las fuerzas de su talento y creatividad. Ese, es el valor intrínseco de la obra de Sánchez Kelly, el supo representar un contenido trascendente a su expresión artística y marcarnos a través de ella – sin palabras- el camino a nuestra verdadera Esencia.

Muchos de los pioneros del arte moderno como Kandinsky, Mondrian, Malevich, Klee, y Brancusi entre otros, trascendieron su mente y su cuerpo individual y descubrieron, -a través del arte- una auténtica y poderosa aproximación al Espíritu. Según Kandinsky: El artista crea misteriosamente la verdadera obra de arte por vía mística”.1

Según estos maestros: “el arte verdadero y genuino, el arte superior, implica un proceso que incluye dos aspectos: el desarrollo y evolución del artista hasta alcanzar la trascendencia del yo -ego individual- requisito necesario sin el cual no es posible lograr la unión con el nivel trascedente -Espíritu universal- y, la capacidad de representar, a través de la expresión artística la dimensión espiritual, de tal forma que evoque similares intuiciones espirituales en los observadores. 2 El arte nos brinda hoy, como siempre, el impulso y la oportunidad de dar ese salto evolutivo que la humanidad nos demanda.

Desde esta perspectiva, el arte, se convierte en un camino de crecimiento y de desarrollo evolutivo y espiritual, no sólo para los artistas, sino para los espectadores que contemplen obras que alcanzan ese nivel evolutivo.

Una vez más traemos a colación las palabras siempre actuales de Willigis Jäger: “Hoy en día el ser humano se encuentra en el umbral del siguiente nivel de consciencia, y tanto su bienestar personal como la continuación de la raza humana, dependen mucho de que logremos traspasar este umbral”.

Nota: En breve saldrá a la luz los cinco libros que conforman la Colección de Pequeñas Figuras. El Arte de Sánchez Kelly. Dibujo. Pintura y Grabado, editados por Eternity Ediciones. Madrid.

1-2 Ken Wilber Los tres ojos del conocimiento. La búsqueda de un nuevo paradigma. Kairós. 8va. Edición 2019.

El despertar de la consciencia

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 06 Mar 2021 13:24:52 GMT

SANCHEZ KELLY NOS DIBUJÓ EL TRÁNSITO HACE 50 AÑOS

Al período comprendido entre los años 1970 y 1980 lo denominamos el Ciclo de oro de Sánchez Kelly en el ámbito del dibujo. Es una época en la que predominan dibujos de gran simbolismo y de contenido trascendente en los que el artista describe el proceso —sin palabras— del despertar de la consciencia del ser humano; despertar que, a comienzos del siglo XX, presintió una figura relevante de la escena artística e intelectual: W Kandinsky, él describió con lucidez la simbiosis entre arte y espiritualidad. Pocos artistas como Sánchez Kelly, han podido narrar este proceso a través de una caligrafía personal. Ese es su gran legado.

El ciclo de oro de Sánchez Kelly marca un antes y un después en la historia del arte. Nos presenta el proceso de despliegue -universal y atemporal -de la consciencia y nos señala el Camino a la Esencia.

La humanidad está despertando lentamente a estados más sutiles. Es un proceso interior y un salto evolutivo, lento e infinito, al que se encamina (tiene principio pero no tiene fin). Sánchez Kelly nos dibujó este camino desde el principio - en los años 70 -cuando aún no había cumplido treinta años.

Destacamos aquí los siguientes trabajos: “El despertar”, “En Desarrollo”, “Surgente” y “Universos”, cuya simbología ha sido interpretada por Claudia G. Sánchez, experta en símbolos y en la obra de su padre:

El Despertar. La observación es importante, constituye el inicio del proceso del despertar de la consciencia. Es como un llamado de atención que despierta sensibilidad y produce movimientos internos. Implica mantener encendida una luz que conforma el habitáculo necesario para producir el cambio interior.

Universos: En esta estampa nos habla del pensamiento. Cada gesto responde a los universos que se encuentran albergados en el interior del ser humano. Los impulsos que toman forma en el exterior, tienen su origen en una fuente profunda más allá de los pensamientos o intenciones. El hombre posee internamente extensas dimensiones que paulatinamente se despiertan y se ponen de manifiesto cuando llega la madurez.

Surgente: En esta representación nos revela que el proceso evolutivo de la mente alcanza niveles insospechados, pero sin olvidar que es solo una parte, no lo único. Es preciso integrar los pensamientos, comprender su presencia sin perderse en su laberinto. El individuo, en gran medida, está perdido en la mente, en el tiempo, atesora recuerdos y vive de prejuicios. Ese conglomerado, muchas veces, confunde; las creencias nublan la visión real. Es necesario buscar un reducto más allá, desde donde se puede percibir una realidad mayor que la albergada desde el tiempo y la mente: nuestra consciencia.

La existencia tiene un sentido oculto, que hemos de aprender a desentrañar al margen de pensamientos, emociones, sentimientos y convenciones. No podemos apresar la realidad ni manejarnos con convenciones o certezas. Debemos vaciarnos, hacer silencio, observar, para poder situarnos en la visión acertada.

En Desarrollo es una obra magistral que simboliza la mente y el tiempo. En esta creación afirma que la mente limita, pero también está dentro de nuestra naturaleza. La clave radica en unificarnos con ella, no en excluirla. Ese es el punto donde se halla encerrado el hombre en la actualidad. El tiempo es un elemento importante en la dinámica de actuación del ser humano: nos recuerda que todo nace y todo muere en un instante.

Desde sus comienzos, Sánchez Kelly nos fue conduciendo, a través de su quehacer, a una nueva visión y dinámica de actuación, donde el individuo es el centro de todas las respuestas, pero para hallarlas se hace necesario que mire minuciosamente hacia lo que lo conforma en su integridad. Esa perspectiva lo conducirá, poco a poco, a crear un nuevo vínculo consigo mismo, con la vida y con el mundo. En este ciclo, Sánchez Kelly comienza a reflejar su preocupación – que fue permanente hasta el final de sus días- por encontrar la verdad y el sentido de la existencia. De la mano de su creación podemos vislumbrar nuestra esencia, crecer y volar.

El tercer salto evolutivo del arte

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 06 Mar 2021 13:19:59 GMT

El arte no es solo una manera de hacer, sino una manera de aprehender la realidad. La realidad entendida no como la forma exterior, sino la esencia de las cosas. Cualquier paradigma o visión del mundo globalizado, además de la ciencia y la tecnología, ha de comprender al arte.

La creación artística ha sufrido una profunda renovación, superó con creces la mera habilidad técnica, ha dejado incluso de ser solo creatividad para encaminarse a dar el tercer salto evolutivo: la emergencia en el arte -no solo del cuerpo y la mente- sino del espíritu y su correlato pictórico la representación trascendente.1

El mundo del arte evolucionó desde la materia al cuerpo (reino empírico de los sentidos), desde el cuerpo a la mente (reino racional de la mente) pero, está en sus comienzos el asomarse desde la mente al reino del Espíritu. El gran triunfo del arte moderno ha sido: atravesar los dos niveles evolutivos -cuerpo-mente- pero, afirmarse en el tercer nivel -el espíritu- ha sido-según Ken Wilber- pobre. Mucho de los pioneros del arte moderno como Kandinsky, Mondrian, Malevich, Paul Klee y Brancusi -entre otros- trascendieron el nivel de la mente racional e intuyeron directamente al Espíritu pero, no lograron estabilizar la intuición ni consumarla artísticamente - según K Wilber- por no haber utilizado las herramientas y técnicas que proporcionan las disciplinas meditativas-contemplativas.2

El crecimiento y desarrollo espiritual del artista le conducen a percepciones, emociones y experiencias cada vez más sutiles, las que les impulsan a asumir -como compromiso personal- representar esas experiencias – trascendidas- evocarlas y darles vida para el espectador.3 El verdadero artista pretende despertar emociones y conocimientos -aún innominados-, de modo que la complejidad y sutileza que animará a su obra, despierten en el espectador percepciones sutiles más allá de ellas.

El artista que avanza hacia lo trascendente, penetra en el estado de unión entre lo “humano y lo divino”, lo describe así Consuelo Martín: “el arte es auténtico cuando viene de la dimensión trascendente, acompañado de un mensaje cifrado en símbolos formales, esculpidos en la temporalidad.”4 Esta definición enmarca y define el origen y contenido de gran parte de las obras de Sánchez Kelly -desde su inicio hasta el final- y cualquiera sea su enfoque y periodo artístico.

Estudios recientes -realizados por Claudia G. Sánchez- de la “Serie Grafito” (1970 y 1979) le condujeron a hallazgos sorprendentes, los que revelan que - Sánchez Kelly- en el acto creativo, trascendió el plano egoico de la personalidad y experimentó la trascendencia -desde temprana edad- y – desde ese nivel y sin palabras- describió el proceso del despertar de la consciencia. Testimonian este proceso dibujos de su primera etapa como: “En Desarrollo”; “Mundos”; “Por Dentro”; “Dos mundos”; “Partícula interior” y otros de la serie. El artista experimentó un proceso o “salto evolutivo” que le permitió acceder a estados más sutiles que también somos y, que teóricos de la consciencia como Ken Wilber, Eliade y otros, lo explican.

Esta característica de su obra la describió -en los años 90- la historiadora de Arte Profesora Miriam Romagnoli; -en el año 2000- el artista bonaerense Marino Santa María; y posteriormente a su fallecimiento -en el año 2011- su hija Claudia, experta en su obra y en simbología. El mismo artista lo definió así: “El arte no es solo una forma de expresión interior y mística, sino además, de comunión con nosotros mismos y con el mundo”.

La calidad de la obra de un artista que alcanza la trascendencia - no dependen del tema- sino del origen o nivel de consciencia desde donde se produce el acto creativo, fundamentalmente de dos factores: la profundidad de la -conciencia no-dual- y su particular talento, ambas cualidades le permitieron expresar estéticamente lo universal. Profundidad y talento, son los sellos de identidad que han distinguido a Sánchez Kelly.

El proceso de la excelencia del artista se consuma cuando logra desidentificarse del ego individual, trascenderlo y alcanzar el nivel superior, la no dualidad o la mística, permitiendo que fluya a través de él la percepción y se exprese en forma de obra de arte. Muchas de las obras de SK consiguieron encarnar plásticamente la trascendencia. ¿Qué nivel de trascendencia alcanzó su obra? Lo ignoramos, pero si sabemos que utilizó símbolos artísticos inequívocos de esa dimensión.

1 2 3 Ken Wilber. Los tres ojos del conocimiento. La búsqueda de un nuevo paradigma, Editorial Kairós. España Mayo 2019.

4 Consuelo Martín. La vida como inspiración. Un camino trazado sobre la libertad atemporal. Ediciones Obelisco. España 1997.

Sanchez Kelly Dibujante

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Thu, 08 Oct 2020 21:05:36 GMT

SÁNCHEZ KELLY DIBUJANTE Y MAESTRO

Enseñó el camino interior a través del arte

Cualquiera que sea el medio o soporte utilizado, para Sánchez Kelly el dibujo formaba parte esencial de él. El dibujo es una de las formas más inmediatas y accesible de expresión artística, a través de la cual se puede crear y plasmar no solo una idea o una inspiración, sino capturar toda la atmosfera visible y sutil que impregna el instante. Hay algunos rasgos distintivos que caracterizan sus dibujos; en el enfoque figurativo imprimió a las figuras expresiones de carácter y de sentir- más internas que externas- que evocan el proceso de transformación en la dimensión del arte.

En no pocas oportunidades, manifestó que se inició y nutrió del arte clásico - romano y griego- arte en el que destacan la expresión del carácter y de la vida de los personajes representados en esas culturas, aspecto que llamo su atención, cultivó y ahondó a lo largo de su vida. En el Medioevo, los artistas destacaban en los semblantes de sus protagonistas sus vicios y virtudes, en el Renacimiento sus temperamentos. El estudio de la expresión entra en la modernidad con Leonardo da Vinci, quién escribió en su “Tratado de Pintura” un texto muy ilustrativo sobre el tema, que fue tomado en consideración por Sánchez Kelly: “…Realiza las figuras de tal modo que, con solo mostrarlas, expresas lo que el personaje tiene en el alma, de lo contrario tu arte no será loable”.

Como maestro, Sánchez Kelly daba mucha importancia al proceso creativo interior que todos poseen, su labor docente trascendió el arte, y se centró en enseñar a través de él cómo adentrarse en el interior, extraer el potencial que cada uno posee y conectar con esa esencia oculta -donde todo es posible- y, desde esa conexión decidir ser, lo que realmente se quiera.

No pretendía que sus discípulos alcanzaran la excelencia, sino hacer hincapié en que logren expresar lo que llevan dentro con libertad y soltura. Creyó y experimentó la espontaneidad y creatividad que se aloja dentro de cada uno. Enseñar el camino hacia el interior -a través del arte- ha sido su obra más importante, por eso permaneció, al margen de su carrera como artista, más de cuarenta años enseñando en el Taller de Artes Visuales de la UNNE. Más que enseñar a dibujar o a pintar, enseñó a conectar con uno mismo y a observar lo que se tenía delante.

Pretender encerrar sus enseñanzas simplemente poniendo atención en la técnica, sería como dibujar en el aire, faltaría el soporte sin el cual, la plasmación se desdibuja y se pierde. Así era el Maestro Sánchez KELLY, entrega, atención- intención, acciones metódicas, transparencia, creatividad, seriedad, firmeza y constancia, sin exigencias, con paciencia y agrado, sin condenar ni juzgar, dejando actuar a la libertad que todos poseen y a la que se tiene derecho, para que ella haga su labor y guie.

EL PREMIO DE ARTE FRANCÉS “MARCEL DUCHAMP” El Proceso de selección, jurado, premio.

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Fri, 02 Oct 2020 21:11:53 GMT

En el año 2000 es creado el Premio de Arte MARCEL DUCHAMP por ADIAF, Asociación Para la Difusión Internacional del Arte Francés, integrada por unos doscientos cincuenta coleccionistas de arte contemporáneo.

Sus miembros, nominan cada año a artistas previamente seleccionados de entre los más destacados del momento, que en principio reúnen los requisitos. El Secretariado de la Asociación elige de entre los seleccionados a cuatro finalistas por cada convocatoria. Los postulantes al premio deben presentar una obra, la que es expuesta en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Francia, de donde surgirá el galardonado.

Cada artista elige un ponente, que tendrá a su cargo la defensa de su propuesta o proyecto, estos ponentes lo integran críticos de arte, historiadores de arte, comisarios, etc. La selección por parte del jurado se lleva a cabo en una de las Salas del Centro George Pompidou, en sesión abierta únicamente a los miembros de ADIAF. El momento culminante es la sesión en la que el trabajo del candidato es presentado al jurado.

A modo de ejemplo y, glosando a Nathalie Heinich testigo del Premio Duchamp 2012 los miembros del jurado que participaron en el evento, estaban integrados en número de siete, por los siguientes: el Director del MNAM (Museo Nacional de Arte Moderno, en Paris) el Presidente de ADIAF, un representante de la familia de Duchamp, el director de un Museo de Japón, el director de una Kunsthalle (Centro de arte suizo), un coleccionista de Bélgica y otro de Londres.

La sala donde se realiza la presentación de los candidatos consta de un escenario dotado de un atril y micrófono, para que el ponente realice su exposición, y una pantalla en la que se proyecta la imagen de la obra a concursar. El orador que representa al postulante o candidato, glosa toda la obra del artista y ubica la propuesta en la historia del arte, el jurado efectúa preguntas diversas, las que versan por sobre todo, sobre la carrera del artista y algunos detalles de la obra. Se establece un tiempo promedio de treinta minutos para cada orador, al final de las exposiciones, se clausura la sesión, el jurado deliberará y, la entrega del premio, dotado de 35.000€, tiene lugar al día siguiente, en un acto breve con la presencia de los artistas, jurados, invitados y Ministro de Cultura de Francia. En esta edición del Premio se contempló además, l exposición de la obra durante tres meses en el Centro Pompidou, en el otoño de 2013.

Destacamos en este evento unos aspectos que lo identifican y singularizan: “la importancia de los discursos(descripción, narración, interpretación de la obra) a cargo de los especialistas o intermediarios ,entre la obra y el público; desaparición del cuadro enmarcado y de la escultura sobre base o pedestal; desaparición de criterios de belleza, la existencia de vínculos estrechos entre los actores del mercado privado( galeristas, coleccionistas) y los de las instituciones públicas( conservadores de museos, comisarios de exposiciones, directores de centros de arte); internacionalización de los intercambios”1, y todo el proceso que sigue: transporte, conservación, peregrinaje por ferias, bienales y colecciones privadas o públicas, todo lo que constituyen los círculos de “reconocimiento” y estructuras del paradigma del arte contemporáneo, con perfiles definidos y límites muy determinados.

La narración de esta experiencia singular, reservada a unos pocos privilegiados, ha sido el testimonio de la socióloga de arte de origen francés, Nathalie Heinich, presente en los eventos descritos. Ella afirma que se trata de un evento “con característica propia del arte contemporáneo, que configuran un mundo sumamente coherente, pero radicalmente en ruptura con las formas de arte conocidas por el público en general, incluso por el público más culto y aficionado al arte”. N. Heinich, tiene el privilegio de sentarse en primera fila y construir sus descripciones desde el interior de ese mundo de círculos complejo, que conforman hoy el paradigma del arte contemporáneo, dotado de características propias y exclusivas, y que según sus seguidores, únicamente le pertenecen a él.

No es fácil clasificar y enmarcar la obra de Sánchez Kelly en el paradigma del arte contemporáneo más sobresaliente, donde el artista y la obra tradicional tienden a desaparecer y, donde se percibe también un cierto declive de la pintura o, al menos, ocupa un lugar secundario, reemplazado por otros protagonistas, objetos y formas expositivas diversas como: la instalación, el happenings, las performances o los espectáculos múltiples, presentados bajo una escenografía pensada por un curador, que es hoy el protagonista, y donde el espectador pasa de la contemplación a la deambulación, perdido y sin saber al final, cuál es el sentido de todo.

Sin embargo - la pintura- hoy como siempre, conserva su propio valor y esencia y, en palabras de Nathalie Heinich; ”… es portadora de belleza, del mérito asociado al talento y al trabajo continuado, de larga duración, la preocupación por la equidad entre “pintores” y “artistas plásticos”, el placer del espectador, la autenticidad el vínculo entre la obra y la interioridad del artista, la garantía que la obra tiene su origen en una verdadera inspiración, ajena a los cantos de sirena de la moda, la seguridad, en definitiva de que es portadora de un sentido profundo, perenne y universal.” Esta síntesis define hoy el paradigma del arte contemporáneo, en el que sin duda el artista Sánchez Kelly inscribe su obra y su legado.

Dra. Perla Guggiana

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(1)Fuente Nathalie Heinich.

EL ARTE, ES LO QUE AGUANTA LO EXPLÍCITO, LO IMPLÍCITO Y LA ESENCIA EN LA OBRA DE SÁNCHEZ KELLY

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Fri, 02 Oct 2020 20:53:02 GMT

El arte contemporáneo, desde sus inicios o desde que los historiadores dicen que se inició —no se ha establecido una delimitación precisa; algunos proponen periodizaciones a partir de 1945 y otros desde 1960, por distinciones jurídicas o por categorías estéticas, desde donde sea—, ha revolucionado no solo el arte y a los artistas sino la vida, el pensamiento y el espíritu. Como toda revolución que se precie, socaba cimientos, mueve y conmueve, y en ese revoltijo nos hemos visto envueltos. Sin embargo, como todo, en algún momento alcanza su cenit, su equilibrio, y aflora aquello que es real.

Un artículo anónimo, transcrito por Nathalie Heinich en su libro El paradigma del arte contemporáneo, que obtuvo el Premio Montyon de la Academia Francesa en el año 2015, merece una lectura y un comentario: El arte, es lo que aguanta habla de «una categoría de artistas-filósofos cuyo objetivo es la búsqueda del sentido, un sentido que se encuentra más allá de la convención. El arte es para mí lo que existe sin desfallecer a las normas de la convención, a los modelos impuestos por la moda, a los valores falsos, al dominio del dinero, al poder político y administrativo. El arte es, sobre todo, un lugar de conciencia del mundo, de denuncia y de regreso a la verdad real, más allá de las consignas, de los estereotipos políticos, de los lugares comunes, de las lecciones aprendidas o inculcadas por catecismos de derecha o de izquierda. Apelamos a la conciencia, a la innovación, a la ruptura, al compromiso creativo con la realidad, a seguir adelante y contribuir activamente a la invención de una realidad siempre en ciernes».

Como se sabe, las principales corrientes del arte contemporáneo no pretenden formular una interpretación de la realidad ni transmitir al espectador la interioridad del artista; prefieren el enfoque emocional, sensorial o social, del mundo cotidiano. En cambio, una tendencia minoritaria dentro del arte contemporáneo actual, en la que se inscribe el desconocido autor del escrito precedente y al que nos adherimos, sigue dando valor al contenido, y en esa línea la obra de Sánchez Kelly posee un significado explícito, un valor implícito y una Esencia.

Los valores culturales cambian, igual que cambia la historia, el pensamiento y los paradigmas del arte; lo único que permanece estable es la Esencia. El paradigma del arte contemporáneo, que amplió tanto los límites del arte, solo es accesible a los que logran entrar en ese círculo de fronteras definidas que lo conforman y en las que la obra ya no está en el objeto ni el artista realiza la obra: su valor estriba en la cotización del mercado. Toda esta concepción forma parte del entramado de una visión dual.

El arte de los paradigmas anteriores no residía «en la superficie, en lo externo, sino en la raíz de todas las raíces» (Kandinsky). «El arte verdadero es el que se atreve a expresar lo inexpresable, es representar lo que no tiene representación, es escuchar lo inaudible, es hacer ver lo invisible y comprender lo ininteligible» . Lo real no depende de circunstancias temporales ni espaciales, y aunque esta verdad es cultivada por una corriente minoritaria del paradigma del arte contemporáneo, pertenece a la Esencia del ser humano.

Para Sánchez Kelly, su percepción y su sentido de identidad se expandían más allá de los estrechos confines de su cuerpo-mente, hasta abarcar la totalidad del cosmos. A esta modalidad de percepción, R. M. Bucke la denominó «conciencia cósmica»; Marino Santa María y Miriam Romagnoli la llamaron «conciencia mística».

Sánchez Kelly plasmó en su obra el conocimiento particular de sentirse Uno con el universo. Esta percepción solo se da en la visión unificada de la consciencia, a la que se encamina hoy la evolución de la humanidad. «La vida verdadera y única se esconde detrás de las apariencias, detrás de la vida material, detrás de las anécdotas. Hemos de crecer desde adentro hacia afuera. Formamos parte de un todo unido. Somos Unidad. Regresemos» .

Finalmente, nos adherimos también al movimiento de artistas y expertos que trabajan por los valores y objetivos nobles del arte contemporáneo y que los afirman pese a la confusión reinante, las oposiciones, contradicciones, desencuentros, provocaciones, complejidades y desafíos de sus distintas corrientes. Es decir: «El arte, es lo que aguanta».

SÁNCHEZ KELLY DIBUJANTE Maestro y discípula, mis clases con mi padre

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Fri, 02 Oct 2020 20:44:35 GMT

Cuando era pequeña veía a mi padre manejar el lápiz con destreza y rapidez. Apenas levantaba el trazo del papel cuando, ya había creado la composición que pretendía. Rapidez, definición, claridad son matices que resaltaría a la hora de hablar de OSK dibujante. Cada vez que se proponía reflejar algo que llamaba su atención a través del dibujo, simplemente lo hacía, como si fuera lo más fácil del mundo. No parecía existir misterio ni dificultad. En instantes, atrapaba el paisaje, el gesto, la imagen que se proponía, de la nada, surgía un todo tan deprisa, que apenas podía dar tiempo a imaginar.

El dibujo, si bien lo acompañó a lo largo de su vida, no fue el método que más utilizó. Me he preguntado repetidamente, ¿por qué? ¿Por qué no se divertía? ¿Porque le resultaba demasiado fácil? o ¿Quizá porque no le brindaba el entusiasmo y la profundidad que alcanzó con la pintura o el grabado?

Es algo que me ha intrigado a lo largo de los años. Son pocos los dibujos que nos ha legado, pero los recuerdos de mi infancia y sus enseñanzas, pasan inexorablemente por el trazo simple de un lápiz o un pastel. Es así como comenzaron mis clases con él. Colocaba frente a mí una enciclopedia de historia del arte, donde se recogían dibujos de Picasso o de Leonardo, daba igual. Abría al azar una página cualquiera, y me enseñaba a observar. Después me decía: ̶ ahora, hazlo tú. Y al terminar, dejaba que yo misma experimentara el hecho de haber visto cómo, “algo” iba guiando mis manos, lentamente, hasta logar el objetivo. Ese algo, en un primer momento, lo podría definir, hoy, como la intención que, poco a poco, se va fundiendo con el objeto que queremos representar y nuestra mente da la orden a los dedos para que busquen plasmarla, del algún modo.

Mi padre daba mucha importancia a ese proceso creativo interior que todos poseemos. Más que enseñarme a dibujar o a pintar, me enseñó a conectar conmigo y a observar lo que tenía delante.

Cuando estudiamos, no es fácil aceptar que, tal vez, no todos poseemos la maestría para convertirnos en grandes artistas, pero creo que más allá del artista, su labor como maestro trascendió el arte y se centró en enseñar a través de él, cómo adentrarnos en nuestro interior para extraer el potencial que cada uno poseemos.

No pretendía, a la hora de enseñar, que todos alcanzáramos la excelencia, sino hacer hincapié en que logremos expresar lo que llevamos dentro con libertad, con soltura. Creía en esa espontaneidad, en esa creatividad que se aloja dentro de todo ser humano.

No era importante para él que fuéramos grandes artistas, sino que aprendiéramos a conectarnos como seres humanos, con esa esencia oculta donde todo es posible y desde esa conexión decidamos ser lo que realmente queramos.

Enseñar el camino hacia el interior a través del arte ha sido su obra más importante, a mi modo de ver. Por eso permaneció, al margen de su carrera como pintor, más de cuarenta años enseñando en su querido Taller de Artes Visuales de la UNNE.

Pretender encerrar sus enseñanzas simplemente poniendo atención en la técnica, sería como dibujar en el aire, nos faltaría el soporte sin el cual, la plasmación se desdibuja y se pierde. Así era él, con mucha intención, con acciones metódicas, con transparencia, creatividad, seriedad firmeza y constancia, sin exigencias, con paciencia y agrado, sin condenar ni juzgar, dejando actuar a la libertad que todos poseemos y a la que tenemos derecho, para que ella haga su labor en nosotros, y nos guie y nos cuide.

Claudia G. Sánchez

¿CÓMO REALIZABA SUS GRABADOS SANCHEZ KELLY? Las otras técnicas: COLAGRAFÍA, LINOGRAFÍA, MONOTIPO

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Fri, 02 Oct 2020 20:39:39 GMT

La colagrafía: Otro de los procesos utilizados por el artista fue la colagrafía, término que proviene de la unión de collage y grafía, que implica la relación entre el método de construcción y la posterior impresión de la imagen. Algunos grabadores escriben con “o” colografía. Existen tantas formas de crear colografía como artistas que lo practiquen. Esta palabra surge en 1950 a través del artista Glen Alps, profesor de grabado en la Universidad de Washington, Seatle. 1

El grabado, el dibujo y la pintura que Sánchez Kelly plasmó en un soporte, son solo los vehículos que transmiten un mensaje, en su obra el mensaje domina y enmarca todo, por eso en cada obra eligió cuidadosamente los instrumentos que mejor transmitían su sentir y su Ser, desafiando los límites de los medios. Su arte es una puerta que nos conduce a nosotros mismos, formando parte de la obra - no meros espectadores de ellas- y, en ese instante de contemplación, somos co-creadores con él y nos fundimos más allá del espacio y del tiempo.

La monoimpresión: Son imágenes impresas únicas, también se le ha llamado” impresión pictórica” o “pintura del impresor” o “monotipo” porque en el proceso intervienen principios de ambas prácticas. El término monotipo se usa específicamente para aquellas obras sin matrices reproducibles.

Los primeros monotipo conocidos datan de mediados del siglo XVII, realizadas por el italiano Giovanne Benedetto Castiglione (1609-1664). Degas (1834-1917) fue otro de los artistas consagrados que realizó el proceso del monotipo., Paul Gauguin (1848-1903) trabajo esta técnica y la amplió, especialmente la técnica que se conoce como “monotipo trazado”. Rembrandt (1606-1609) también utilizó el monotipo en sus obras. Las diversas pasadas del trapo sobre la plancha grabada, creaban diferencias de luz y atmósfera, a partir de una sola atmósfera.2

Tomando como base una plancha OSK desarrollaba una imagen de forma similar a una pintura o dibujo, una vez terminada la imprimía sobre papel, que fue el soporte que más utilizó. Como las marcas realizadas para crear la imagen no se fijan físicamente sobre la matriz de impresión, sólo es posible imprimir una copia de la imagen, SK disfrutaba con este tipo de proceso que le permitía “pintar” la estampa.

Sánchez Kelly en sus monotipo partía de la idea inicial de articular el grabado con la pintura y, aprovechaba la información obtenida de sus planchas, para experimentar con el coloreado a mano sobre las mismas, trabajó la acuarela, material que le permitía flexibilizar sus propuestas y trabajar con más libertad.

Linografía: Es una variante de la xilografía, en la que no se usa la madera sino una plancha de linóleo como matriz. El procedimiento para obtener la estampa es similar al del grabado en madera, se incide sobre el linóleo con gubias, de manera que las partes ahuecadas quedarán en blanco y las zonas en realce serán las que reciban la aplicación de la tinta. Al ser un material blando, el linóleo no presenta las dificultades de la veta de la madera, ni la finura del trazo que logra en la xilografía. Se utilizó por primera vez por Die Bruke entre 1905-1913 en Alemania, pero al principio, se clasificaron sus obras como xilografía.3

La técnica del grabado en linóleo fue utilizada en muchas etapas de la actividad artística y docente de Sánchez Kelly, el material le facilitaba trabajos de menor tamaño que acometía con sus alumnos del TAV UNNE, favoreciendo determinados efectos artísticos que no le proporcionaban otros materiales. Contemplar la obra de Sánchez Kelly nos permite leer su vida, su sentir, su filosofía, su proceso de madurez y crecimiento. (Fuente 1, 2,3, “El Grabado y la Impresión”. Bill Fick y Beth Grabowski. Edit. Brume 2020. Barcelona).

MENSAJES PREMONITORIOS EN TRES OBRAS DE SÁNCHEZ KELLY

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Fri, 02 Oct 2020 20:37:10 GMT

“Cuando la religión, la ciencia y la moral se ven zarandeadas y los puntales externos amenazan derrumbarse, el hombre aparta su vida del exterior y la centra en sí mismo”. V. Kandinsky.

La humanidad está viviendo momentos de confusión, dolor, zozobra, y hasta caos. ¿Dónde están las voces que indiquen un camino claro a seguir?

Las crisis anticipan cambios, en estas circunstancias de enigmas e incertidumbres cada uno busca sus propias referencias. Hoy hablaremos de una de esas referencias: las artes visuales, a través de obras de SÁNCHEZ KELLY.

En distintos momentos el artista nos habló de “crisis” y también de esperanzas, extraemos tres de esas obras, que consideramos premonitorias.

“Marioneta escenario”, pintura del año 1988, acrílico sobre madera, de 36 x 45 cm. En ella nos muestra con claridad terrorífica, como el ser humano se pierde y se destruye a sí mismo cuando se olvida de su Esencia, de la grandeza que lo contiene, y no busca la verdad más allá de los sentidos y, a pesar de perder, en apariencias las posesiones y todo lo que se da valor en el mundo material, lo imprescindible es no perderse de uno mismo.

¿Hacia dónde? Obra del año 1983, acrílico sobre tela de 30 x 50. SK, a través de los símbolos nos describe los diferentes estados que atravesamos en el camino de la vida, especialmente en momentos de gran incertidumbre como los actuales. “Aún en esta tesitura de enigma y crisis, nos impulsa a seguir caminando porque, en nuestro tránsito vital, nada cae en saco roto, y las experiencias, aunque difíciles, nos van marcando una senda, la de cada uno, que hemos de aceptar para poder seguir, manteniéndonos firmes y sin perdernos de nosotros. Es preciso hacer balance y empezar de nuevo sobre bases sólidas”.

En “Punto negro” Año 2005, pintura en acrílico sobre madera. Afirma el artista que “los conflictos traen luz”. “Según sea nuestra claridad interna, así será la claridad externa. Ante los conflictos es imprescindible no desesperar, y seguir la senda que veníamos transitando antes de que dichos conflictos nublaran nuestra visión, de esta manera podemos recomenzar desde el punto más claro, y continuar nuestro proceso vital”.

“El artista debe tener algo que decir, porque su deber no es dominar la forma, sino adecuarla a un contenido…”Kandinsky.

La obra de Sánchez Kelly tiene forma, tiene color y tiene contenido y, paradójicamente, en la unión de todas sus creaciones individuales- aparentemente desconectadas- se desvela la clave de toda su obra, como un gran puzle: la búsqueda de la verdad, del sentido de la vida, y el mensaje trascendente, intemporal que contiene y nos legó, hoy más vigente que nunca, porque fue un artista que se adelantó a su tiempo y nos señaló un camino, que hoy cobra mayor actualidad y vigencia.

La familia del artista - promotora del Proyecto Museo Sánchez Kelly- sigue con su oferta de donar colecciones del artista a la Ciudad de Resistencia, las que incrementarían, eventualmente si se concretara, el patrimonio no solo cultural de la Provincia y, se mantienen a la espera del cumplimiento por parte de las autoridades gubernamentales de su promesa de ofrecer un edificio digno que aloje tan valioso legado, porque aún en momentos difíciles como los actuales - si hay voluntad e interés real- siempre surgen oportunidades. El tiempo es finito para todos y todo.

Dra. Perla Guggiana

La técnica del COLLAGE en el Grabado de SÁNCHEZ KELLY

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Fri, 02 Oct 2020 20:31:53 GMT

El collage es un vocablo que viene del francés coller, que significa pegar. La técnica del collage fue muy utilizada por Sánchez Kelly en diversas etapas de su trayectoria artística, la misma consiste – esencialmente- en la acción de recortar, pegar distintas imágenes sobre un soporte- lienzo, papel, plástico, etc. y crear composiciones estéticas. En arte es considerado un medio de expresión eficaz, que permite al artista crear su propio código gramatical con el que generar su lenguaje y sello de identidad.

El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión, se puede aplicar a cualquier otra manifestación artística como el dibujo y el grabado. Se nutre de elementos de distinta naturaleza, cualquier elemento u objeto pueden aportar los instrumentos para la creación artística. Desde finales del Siglo XIX, y sobre todo con los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX, el collage irrumpe en la escena artística como un acontecimiento que posibilitó y estimuló el desarrollo de otras técnicas, como los “assemblages” utilizadas por Picasso o Braque. Aunque muchas referencias en la historia del arte consideran que fue Picasso quien inventó el collage en 1912, con su pintura” Naturaleza muerta” con silla de rejilla, no se sabe con exactitud si fue primero Picasso o Georges Braque. Pero, las investigaciones sitúan el origen del collage en China, manifestándose posteriormente en Japón, a través de la técnica del rasgado y pegado de papeles para decorar manuscritos. Algunos historiadores dan testimonio de encontrarse en la cubierta de libros persas del Siglo XIII. Esta actividad llega a Europa en el siglo XVII, y es acogida y desarrollada por los artesanos.

OSK vivió un tiempo y un espacio con patrones establecidos, romper con lo instaurado y proponer lo nuevo, no le fue fácil, tanto desde el collage como de las otras disciplinas artísticas que cultivó, reivindico siempre su autoridad artística, la que trasladó también al ámbito de la docencia. Una de las características que imprimió a su labor en esta disciplina, fue su falta de compromiso con los objetos que seleccionaba para crear sus composiciones, con ellos estableció y tejió una relación libre, audaz y hasta sorprendentes y, de cuya combinación, surgían estampas imprevistas, con un potencial de posibilidades infinitas, independientes de sus partes, las que cobraban vida propia y sentido. El collage ha sido para SK un estimulo para nuevas investigaciones, tanto en la praxis artística como en la teórica, hallazgos que compartía con sus alumnos del TAV UNNE. Las obras en collage le permitieron unir diferentes estilos visuales y crear una ilusión de tridimensionalidad con una estructura lógica de forma, color y belleza intrínseca, dotados con los caracteres propios de su lenguaje artístico.

Toda la obra de Sánchez Kelly se caracteriza -principalmente- “por la plasmación en ella del sentido de la vida”. “Ese sendero que recorrió nos señala el camino a nuestro interior, sin determinismos previos, que nos dificulten la búsqueda de los matices que ayuden a comprender la raíz esencial”. En sus grabados “mezcla lo negro y lo blanco”…en ese eterno enfrentamiento se halla atrapado quizás, el enigma que debemos resolver para situarnos en la visión unificada”. Claudia Guggiana.

“LA PUNTA SECA” en el GRABADO de SÁNCHEZ KELLY Y, un mensaje por su natalicio.

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Fri, 02 Oct 2020 20:28:31 GMT

Hay en la obra de Sánchez Kelly una interrelación natural entre el dibujo y la pintura por una parte, y la impresión por otra. La “punta seca” es quizás, la más sencilla de las técnicas directas del grabado pero, aunque en la impresión recurrió a los materiales y técnicas que le aportaban el dibujo y la pintura, su creación artística en esta disciplina, le proporcionaron un excelente medio de expresión, la que ejerció con autoridad y concibieron completas sus obras. Su destreza en el dibujo, y el dominio de las técnicas del grabado, le permitieron incursionar con plena autonomía en la xilografía, linografía, agua fuerte, colografía, etc.

Antes de grabar, SK elegía y preparaba con mucho cuidado los materiales, la caligrafía, la composición de sus trazos, la escala de sus elementos, y por sobre todo, preparaba con esmero la superficie de la plancha, sus herramientas bien cuidadas y afiladas, le permitían levantar la “rebaba”, la que también luego atrapaba la tinta, por eso, la línea impresa de sus estampas quedaban como si fueran aterciopeladas. El problema del grabado a punta seca, es que su vida útil es limitada, en la medida que se imprime una y otra vez, la rebaba se va aplanando y atrapa menos tinta. Sin embargo, dada la cantidad de obras que realizó SK con esta técnica, no fue ningún impedimento para lograr la calidad expresiva que se observa en ellas.

En muchos de sus grabados, los elementos figurativos no están ausentes, sus estampas insinúan identidad explícita, son obras en general meditativas, conservan ese “halo” especial que caracteriza toda su obra desde el inicio al final. Si bien cultivó la impresión en toda su extensión, su objetivo no residió nunca en el resultado “múltiple”, realizó muchas obras en “monotipo”, persiguió la esencia de la expresión y la excelencia técnica por todos los medios instrumentales a su alcance y, por sobre todo, esta disciplina le proporcionaba la oportunidad de expresarse con toda su capacidad creativa en las que incluía al dibujo y la pintura. Hay excelentes obras que destacan por su triple componente: destreza técnica (grabado); virtuosismo (dibujo); expresión con contenido y sentido, los que van más allá de la contemplación visual. En muchas oportunidades trabajó en el grabado las series, una vez que tenía clara la idea principal, generaba una imagen, a las que seguían otras con fluidez, ejemplos claro son las series: “Pasajeros” (Punta seca) “Pareja” (Aguatinta); “Espacio” (Linografía); “Cuadro de situación” (Grabado); “Fragmentos”, etc.

Merece destacar sus obras a color o a “muñeca”, como le gustaba decir, término que proviene de la voz francesa “à la poupèe”, en la que utilizaba pequeñas almohadillas de trapo para entintar la plancha con diferentes colores a la vez. El primero en aplicar esta técnica fue el impresor francés Manuel Robbe, a finales de 1890. También utilizó otro proceso similar, conocido como “chine collé”, porque durante el proceso de impresión, se añadían elementos del collage a una imagen grabada. Con la punta seca SK logró excelentes estampas, que aportaron detalles de calidad a sus imágenes. Esta técnica fue muy aplicada entre los profesionales, especialmente por los artistas contemporáneos de su generación. Oportunamente se publicarán obras inéditas del artista en esta disciplina.

Con motivo de su natalicio - el próximo día 2 de agosto- y, a sabiendas, de que artistas como Sánchez Kelly no necesitan ser recordados, su arte vive y se renueva a través de la mirada de quienes lo contemplan, traemos en su homenaje, una definición de “artista” -fuera del ámbito del arte- de la filósofa española Consuelo Martín: “El verdadero artista es aquel que regresa de los estados contemplativos de los mundos verdaderos” trascendentes “Quien ha tocado las esencias, quién contempló la belleza en su origen, puede ser su mensajero, y ese mensaje se dará en sus obras” Damos testimonio de que ese fue el proceso de este artista singular en la creación de sus obras, nos trajo y legó UN MENSAJE y, nos señaló el camino a nuestra verdadera Esencia, ese es su mayor legado. A todos los amigos que nos acompañan en este pequeño homenaje, GRACIAS. Fotografía de obra “Las miradas”, en punta seca, de la Serie “Pasajeros”.

DÍA MUNDIAL DE LOS MUSEOS

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Tue, 26 May 2020 20:22:21 GMT

Un Museo es una creación de seres humanos en su doble identidad: materia y espíritu. Hoy más que nunca la humanidad requiere y clama por un renacimiento, renacer a los valores esenciales que nos identifican como seres humano, nos marquen un sendero claro y, nos alumbren el cambio que la situación de crisis generalizada nos está demandando.

“Cuando la religión, la ciencia y la moral se ven zarandeados, y los puntales externos amenazan derrumbarse, el hombre aparta su vida del exterior, y la centra en si mismo”. Estas palabras de Kandinsky, más actuales que nunca, describen la situación y orientan una dirección.

Aunque temporalmente no podemos acceder a los Museos, ellos son uno de los escenarios aptos que nos facilitan la interiorización necesaria para hallar el equilibrio interno, sacudido hoy por esta gran crisis humanitaria, no sólo sanitaria sino económica y social.

Como ya hemos señalado en otra ocasión, y en este mismo espacio, en la medida en que se busque allanar el camino a otros, para producir el reencuentro consigo mismo, con “eso” intangible que habita en nosotros… y, produzcan cambios sustanciales que repercutan positivamente en la sociedad, es válido orientar las colecciones que se seleccionen como contenido de los Museos de arte, para que sus símbolos ayuden e impulsen en esa dirección. Ese es uno de los objetivos prioritarios del Museo SK

El Proyecto Museo Sánchez Kelly, además de poner en valor una obra y artista singular e incrementar el patrimonio cultural de la Provincia, pretende potenciar las actividades artísticas en general, promoviendo el intercambio y las ayudas dispuestas a través de la Cooperación con España.

El silencio en que cayó el Proyecto, por parte de nuestros patrocinadores -el Gobierno de la Provincia del Chaco- nos lleva a solicitar desde aquí, la renovación del impulso político y el esfuerzo económico necesario, que lejos de constituir una carga al erario público, es un camino abierto a múltiples oportunidades de desarrollo para la Provincia, hoy más necesitada que nunca de proyectos innovadores.

Fotografía del edificio de la calle Julio A. Roca 233 Resistencia. Chaco. República Argentina que albergará el futuro Museo Sánchez Kelly

EL ARTE ALIMENTO ESPIRITUAL. DE KANDINSKY A SÁNCHEZ KELLY

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Tue, 26 May 2020 20:10:27 GMT

En momentos de crisis, como el que hoy atraviesa la humanidad, hablar de arte parecería superfluo y hasta banal, porque no “ayuda” a la situación. No lo creemos así.

El ser humano como cuerpo y espíritu que es, necesita cuidar y alimentar a ambos, son interdependientes. El espíritu nos aporta la fuerza vital que nos conforma y sostiene, claridad en medio de la oscuridad. ¿De qué se alimenta nuestro espíritu? De lo intangible, de las creencias, de las religiones y de la cultura, del arte en sus diversas manifestaciones.

Ante la imposibilidad de asistir por la pandemia a los centros de arte, los museos internacionales han puesto a disposición del público sus fondos digitales, a sabiendas de que proporcionan bienestar y gozo a los visitantes. En el sector editorial, y en la misma línea, han crecido exponencialmente las demandas de libros digitales. El ser humano ha encontrado consuelo y refugio en la cultura, muchos la han redescubierto.

La contemplación de la obra de arte no es sólo una complacencia del intelecto y los sentidos, nos envuelve y sumerge temporalmente en un estado interior que nos nutre y otorga plenitud. La obra de arte, cuando está acabada cobra vida propia, independiente de su creador, por eso el espectador ocasional que se detiene frente a ella- con el corazón limpio y la mente sin preconceptos- en esa observación, la recrea, son co-creadores. Soy consciente que es una visión generalista y positiva de la obra de arte, que no siempre cumple su finalidad última – el reencuentro íntimo con nosotros mismos a través de ella.

En todos los tiempos surgen personas excepcionales que se adelantan a su época y nos ofrecen lo mejor. En esta ocasión, me refiero al maestro y artista plástico Kandinsky, quién hace más de un siglo albergó la ilusión de encontrar espectadores “co-creadores”, y en ese sentido expresó: “...Por aquél tiempo me hacía aún la ilusión de que el espectador se enfrentaba al cuadro con el alma abierta y queriendo escuchar un lenguaje congenial. Existen espectadores así (no son una ilusión) pero, son raros como granos de oro en la arena. Existen incluso espectadores que sin tener un contacto personal con el lenguaje del cuadro se entregan a él y reciben sus riquezas. Yo he encontrado personas así”. (De su libro “De lo espiritual en el arte2, págs... 7-8). Con estas palabras Kandinsky describía el sentido de su libro, él pretendía despertar en el espectador la capacidad de captar lo espiritual en las cosas materiales y abstractas, capacidad que sería necesario en el futuro, anunció con gran clarividencia. Su meta fue fomentar esta capacidad bienhechora en los seres humanos.

Salvando las distancias temporales y circunstanciales, Sánchez Kelly, como otros creadores serios, quiso legarnos sus conocimientos y experiencias vitales pintando, a través de símbolos abstractos, el camino del despertar de la consciencia, desde “la noche oscura del alma” - por la que todo caminante atraviesa- hasta alcanzar la luz. Este proceso de autodescubrimiento, lo pintó paso a paso durante más de cincuenta años. Ese es su verdadero legado, él también se adelantó a su tiempo, y como dijo el Maestro Kandinsky, este conocimiento lo necesitaremos mucho más, en un futuro próximo.

PROYECTO MUSEO SÁNCHEZ KELLY: ARTE Y MECENAZGO INSTRUMENTOS DE TRANSFORMACIÓN SOCIAL

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Wed, 13 May 2020 18:07:27 GMT

En España permanentemente surgen Programas de ayudas a proyectos artísticos, uno de ellos es el “Art For Change promovido por la Fundación “la Caixa” abierta hasta el 8 de junio de 2020. Este programa afirma, lo que a través de este espacio venimos sosteniendo: el arte y la cultura son instrumentos que inciden en el desarrollo personal y espiritual, y en la transformación y cohesión social.

Se parte de una verdad y un principio: el arte y la cultura -bien canalizados- son instrumentos poderosos de progreso social y económico, en el que destacan en primer lugar: las artes plásticas, la música, el teatro, la literatura o la danza.

El programa Art for Change ”la Caixa” tiene en cuenta los Objetivos de Desarrollo Sostenible y la Agenda 2030 de las Naciones Unidas, centran su acción principalmente en aquellos colectivos más vulnerables, con el objetivo de facilitar su desarrollo integral y promover la igualdad de oportunidades y los procesos de inclusión social. Los Objetivos de la Agenda 2030, compartidos con el programa Art for Change ”la Caixa”, persiguen promover proyectos artísticos por sus múltiples beneficios, no sólo a nivel individual, sino colectivo o social.

Experiencias e investigaciones realizadas en diversas instituciones, especialmente de Europa y EEUU, demuestran que las actividades artísticas promueven cambios personales -además de los propios de la creatividad-, aspectos como la autoconfianza, la autoestima, adquisición y desenvolvimiento de nuevas aptitudes, especialmente, el desarrollo y crecimiento personal. El cambio individual promueve el cambio social. La autoconfianza incrementa la confianza en el grupo y suscita su integración, especialmente en grupos minoritarios o en situación de vulnerabilidad, así mismo, contribuyen a mejorar la comunicación y cohesión social.

Se ha demostrado también que, la participación en proyectos artísticos promueve relaciones satisfactorias entre las personas y su entorno; ofrece espacios neutrales de relación e intercambio, mejora la convivencia, regenera el grupo, y desarrolla nuevas capacidades organizativas y de cooperación de una comunidad, barrio o grupo social, proceso que conlleva a una transformación social.

El mecenazgo- bien entendido y gestionado- como en el caso de “la Caixa” en España, contribuye a la construcción de una sociedad más justa, equitativa y solidaria, proponiendo y promoviendo nuevas circunstancias, que contribuyen a mejorar la calidad de vida y a la igualdad de oportunidades de toda la ciudadanía.

El Proyecto Museo Sánchez Kelly en la ciudad de Resistencia (Argentina), ofrece entre sus objetivos prioritarios, el apoyo a los artistas y a la generación de proyectos culturales que estimulen la creatividad, la igualdad de oportunidades, la mejora de la calidad de vida, y faciliten el acceso a becas y ayudas provenientes de la Cooperación Española. La propuesta está a la espera de que surjan iniciativas, individuales o colectivas que hagan posible el cumplimiento de dichos objetivos.

Sin el compromiso y la participación social y política activa, es muy difícil llevar a cabo iniciativas como las expuestas. La invitación está abierta; en la web www.sanchezkelly.com se habilitó un formulario de contacto. Esperamos vuestros comentarios o propuestas.

(*) La fuente de este artículo: boletín “exitmail” Art New del 13.5.2020

LA SITUACION DE LOS MUSEOS FRENTE AL COVID 19

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 09 May 2020 11:48:34 GMT

Una de las cuestiones que ha puesto de relieve la crisis del COVID 19 es el papel que ocupa la cultura en la sociedad. Durante las primeras semanas de confinamiento teníamos la sensación de que lo que más importaba a la ciudadanía, después de la salud y los bienes de primera necesidad, era poder acceder a contenidos culturales. La pregunta que surge es si esta crisis ha evidenciado una infravaloración hacia el sector cultural o por el contrario la población ha adquirido conciencia de su importancia.

El término que ha surgido últimamente es el de “nueva normalidad”. En todos los sectores, y el del arte no es ajeno, hay un claro desconcierto y en el que surgen interrogantes, especialmente vinculados al desenvolvimiento de la sociedad, a la forma de habitar los espacios públicos, y en concreto los museos.

Para conocer de primera mano la situación, la publicación Exit Express (*) ha preguntado a nueve directores de instituciones de arte Contemporáneos de España, sobre su visión de la crisis generada por el COVID 19, como gestionar la situación y como perciben el futuro. Cada uno de los Directores han respondido según su experiencia y circunstancias, pero todos han coincidido, respecto a la gestión actual, en seguir las pautas que dicten las autoridades sanitarias, pero, respecto al futuro, han expuesto puntos de vistas algo más complejos y, no siempre coincidentes, algunos han lanzado duras críticas al actual Ministerio de Cultura.

Dada la coyuntura e importancia del tema, transcribimos algunas de esas opiniones. Destaca por su dureza la del Director del Centro Galego de Arte Contemporáneo D. Santiago Olmo, quién no ha dudado en describir que la política en general “percibe a la cultura como una “maría” que ocasionalmente se convierte en apoyo ideológico e identitario, en consigna y en retórica populista”. Critica la postura del actual Ministerio de Cultura que responde “a un modelo donde la cultura y el arte no son percibidos como estratégicos o centrales, sino que se sitúan en un segundo o tercer plano, y en el que el arco parlamentario español se caracteriza por su marcado desinterés”.

Ferrán Barenblit, director del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) pone el acento en la persistencia de modelos agotados, que es preciso actualizar. ”si…somos capaces de responder a las preocupaciones y anhelos colectivos de nuestra época, los museos seguirán siendo lugares en los que los ciudadanos puedan encontrar una orientación en tiempos de desconcierto. Los museos deben estar siempre respondiendo a las sociedades en las que están inmersos. Ahora vienen momentos en los que el trabajo de los artistas será más necesario que nunca; los museos hemos de estar a la altura de las expectativas. Nuestra responsabilidad es más grande que nunca”. “Un lugar en el que construir a partir de la experiencia, que permite aún más apartarse de las lógicas imperantes en nuestra sociedad hiperproductiva. “Superar la geometría de los grandes salones para generar el debate en pequeños grupos de amantes del saber”.

Gilberto González, desde el TEA (Tenerife Espacio de las Artes)reivindica una discusión profunda y veraz sobre la esencia de la cultura. “ Repetimos constantemente el mantra sobre el valor de la cultura pero quizá toca ahora entender si somos o no sustanciales en ese debate, sí somos capaces de trascender nuestros muros y podemos abrir discusiones reales que no sean alimento de “un sector” sino de una sociedad plural”.

Manuel Borja Villel, director del Museo Reina Sofía (Madrid) Este Director señala que los problemas que afloran son estructurales y de modelos. Es evidente que la crisis del coronavirus afectará al sistema del arte. Tendremos que reconstruir y volver a poner en marcha muchas cosas”.

Imma Prieto, directora de Es Baluard Museu (Palma de Mallorca), reivindica el modelo pedagógico:..“que el contenido pedagógico producido por los distintos segmentos que conforman la cultura en general y los museos en particular, es una necesidad y un bien común”.

Desde el MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) su director, Manuel Olveira afirma: “Nunca habíamos tenido una crisis sanitaria como esta… estamos evaluando posibles medidas y escenarios. No sabemos ni cómo ni cuándo podremos abrir los museos ni si los habremos de cerrar después ante futuras eventualidades de la crisis sanitaria. Lo que está claro es que habrá –hay ya- un cambio claro que hará que nuestras formas de trabajar, producir exposiciones o actividades y hacerlas llegar y compartirlas con diferentes sectores de públicos sean radicalmente diferentes.

Beatriz Herráez, directora de ARTIUM (Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo) afirma: “En este momento es crucial que sepamos transmitir al conjunto de la ciudadanía el papel fundamental que juegan los museos para garantizar el acceso de todos y todas a la cultura, que es lo que nos construye como sociedad”.

Juan Antonio Álvarez Reyes, director del CAAC Centro Andaluz de Arte Contemporáneo(Sevilla) y presidente de ADACE, (Asoc. de Directores de Arte Contemporáneo de España han solicitado, creación por parte del Ministerio de Cultura y Deporte de un fondo económico de emergencia destinado a artistas y otros agentes del sector para su supervivencia mediante ayudas directas e inmediatas. Su interrogantes es como compatibilizar los programas de actividades públicas con el distanciamiento social.

9. Gilberto González habla de lo local, en oposición a lo localista: “Nuestro plan inicial es el de distribuir la programación de 2020 también en 2021 pero queremos también abrir un campo de reflexión sobre el modo en que en la sociedad, y en concreto en la de Tenerife, vamos a vivir ahora y cómo este es uno más de los periodos de crisis y aislamiento que históricamente se han vivido en la isla. Hacia ello vamos a enfocar nuestros programas de mediación”.

Es opinión generalizada que la crisis, provocada por la pandemia del COVID 19, ha provocado reflexiones profundas en todos los sectores de la sociedad, y especialmente en el ámbito de la cultura, en el que se reafirma y revitaliza al Arte como elemento fundamental de cohesión y proyección de nuestra cultura y de nuestra identidad como Nación, reconocido en la Constitución española.

(*)E ste artículo tiene como fuente la publicación del Boletín Exit Express del día 8 de mayo de 2020.

LOS ARTISTAS TAMBIÉN COMEN

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 02 May 2020 10:24:17 GMT

La Gran Depresión provocada por el crack de 1929 afectó a todos los sectores y provocó un paro del 25 por ciento de los trabajadores en EEUU. La situación generó iniciativas dignas de mención, especialmente en el ámbito de los artistas, que hoy merecen evocarse. Muchos talentosos artistas en el mundo, no pueden expresar aún hoy su arte, por limitaciones de orden económico. Este artículo pretende reivindicar su importancia social y espiritual, su carácter no solo de creadores y artistas, sino de “trabajadores del arte”.

Con motivo de la crisis señalada, el Presidente Franklin Delano Roosevelt presentó y lanzó el programa del New Deal, un programa destinado a paliar los efectos de dicha crisis. Alguien pregunto si los artistas podían ser “considerados trabajadores”, a fin de beneficiarse de las subvenciones. Harry Hopkins, Director del Programa del New Deal expresó: “Los artistas tienen que comer como todos los demás”. Hoy, que nuevamente nos encontramos ante una crisis económica y social, como consecuencia de la pandemia de la covid-19, no estaría mal recordar aquellas palabras de Hopkins, las iniciativas y los hechos positivos que generaron.

Para sostener a los creadores nació el Programa Public Works of Art Project.(PWAP) del que salieron grandes artistas como Jackson Polloch o Mark Rothko. En los seis primeros meses de 1934 se contrató a 3.749 artistas para que produjeran 15.663 pinturas, murales para edificios gubernamentales de todo el país, con una inversión de 1.184.000$, y con una media de 75,59$ por cada obra. ¿Cómo se seleccionaron a los artistas- trabajadores? Se publicaron anuncios, a la convocatoria se presentaron miles de artistas de todo el país, pasaron pruebas de capacidad, y se dividieron en tres categorías, desde artista de nivel 1, a meros trabajadores manuales. Los americanos hicieron entonces un gran descubrimiento: “ellos también tenían artistas”, según Francis O’Connor en su libro Federal Suport for the isual art.

El estilo de las obras debían ser realistas, se desaconsejaba la abstracción y otras “modernidades”, las obras debían reflejar la “esencia de EEUU” y resaltar sus valores: trabajo, comunidad y optimismo, todo perfectamente reconocible por el público destinado. El producto más interesante, nacido de aquellos artistas, fueron los murales, el Programa incluyó unos 700 murales. En 1934 se aprobó una extensión, la Sección de Pintura y Escultura bajo el patrocinio del Departamento del Tesoro. Este programa duró hasta 1938 y primeros años 40. Se crearon unos 1400 murales en cerca de 1300 ciudades diferentes, la mayoría se conservan hasta hoy. Durante las décadas siguientes el apoyo a los artistas revistió diferentes formas e iniciativas, que merecen emularse. (Las fuentes de este artículo: Isabel Gómez Melenchón, Barcelona 28 de abril 2020. Publicado en La Vanguardia Barcelona, escritos sobre textos del Smithsonian American Art Museum).

En el Chaco, hay un hecho artístico sin precedentes a la fecha de su creación, los murales “ CHACO” Y “ALGODÓN ” de Sánchez Kelly, pintados dentro de un establecimiento fabril - la textil MIDES de Puerto Tirol- para ser contemplados permanentemente por los obreros de la misma. Reiteramos la necesidad urgente de rescatar del olvido y el abandono a esta obra monumental, la que testimonia como nadie la historia, geografía y ética del Chaco.

También reiteramos la restauración urgente de otros dos murales del artista chaqueño: los Murales: "TEMPO" Y "ALEGORÍAS.." situados en la Facultad de Humanidades de la Universidad Nacional del Nordeste ( UNNE ) de Resistencia, donde SÁNCHEZ KELLY se desempeñó como Profesor de Pintura, Dibujo y Grabado durante 46 años. Estas restauraciones, en una institución que cuenta con profesionales cualificados, solo dependen de la voluntad y sensibilidad de sus autoridades, sensibilidad a la que apelamos y agradecemos desde aquí. Dra. Perla Guggiana y Dra. Claudia G. Sánchez

LA ESENCIA del ARTE DESDE LA LUCIDEZ DE LA CONTEMPLACIÓN (Segunda parte)

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 02 May 2020 10:20:22 GMT

A partir de mediados del siglo XX, se abre una nueva etapa en la historia del Arte contemporáneo. Como resultado de las investigaciones en el campo de la psicología avanzada, se reconocen diferentes niveles de consciencia. Jean Gebser (consciencia integral) fue uno de los pioneros; un análisis diferenciado realizó Ken Wilber , quién distingue los niveles pre-personal, personal o racional y transpersonal, clasificando este último en tres capas o estadios: sutil, causal y cósmica. Los artistas y su obra adquieren, desde esta perspectiva, una nueva dimensión y el acto creativo una nueva significación.

La interpretación que se hizo con anterioridad a dichos descubrimientos, por expertos como K. Wilber , ha sido una interpretación errónea, fruto del desconocimiento que es preciso “desvanecer”. No se trata de estados de “trance o estados inconscientes”, sino de experiencias en estadios diferentes de la consciencia, en los que también vivimos y nos conforman. Gracias a esas experiencias - algunas personas- ya no se identifican con ese yo superficial, quedando libre para experimentar una realidad en la que el ego deja de ser un factor dominante.

Desde el punto de vista de la investigación de la consciencia, de la psicología y filosofía trascendentes, se reconocen estados que están más allá de la razón, y que es posible experimentar. Estos estados advienen en primer lugar, como resultado del despliegue de la consciencia y, otros favorecidos por el estilo de vida, la práctica del silencio, la meditación y la observación consciente.

Los artistas que como SÁNCHEZ KELLY cultivan el silencio y la observación conscientes, se asemejan a lo que en la tradición religiosa cristiana se denomina “estados contemplativos” y, en las tradiciones orientales “meditación”. En los ejercicios de contemplación, se trata de relegar a un segundo plano, incluso a la voluntad. Desde esta visión, los estados místicos no van contra la voluntad, sino que ponen de relieve que ésta es incapaz de trascender el espacio personal. Estas disciplinas “técnicas” que los artistas cultivan, se asemejan a las prácticas “espirituales”, que realizadas con asiduidad y durante mucho tiempo, conducen a estados trascendentes o estados místicos.

Creemos interesante ofrecer aquí- a modo de colofón- una visión que es ajena o poco usual en el campo del arte: la visión creativa desde la filosofía oriental Adavaita- Vedanta , apoyada en el conocimiento y experiencia directa y vivencial de la española Dra. Consuelo Martín . Ella afirma que el acto creativo se produce en muchos niveles -desde su “origen” en estados superiores-, aunque solo cuando se manifiesta en el plano físico, lo reconocemos. Es un proceso de despliegue de la consciencia del ser humano, que no depende de la razón ni de la voluntad.

En su libro ”La vida como inspiración”, Consuelo Martín manifiesta: “El arte es auténtico, cuando viene de la dimensión trascendente, y viene acompañado de un mensaje de lo eterno, cifrado en símbolos formales, esculpidos en la temporalidad”. Esta es la misma significación que halló Claudia G. Sánchez, al investigar y leer en la simbología de la pintura de su padre, Sánchez Kelly. (“Mística y Símbolo en el arte de Sánchez Kelly”. Madrid. Eternity Ediciones)

El arte verdadero-desde la filosofía Advaita Vedanta- es una llamada hacia “aquello” que trasciende lo sensorial. Hacer arte es atreverse a expresar lo inexpresable; es representar aquello que no tiene representación; es escuchar lo inaudible; es hacer ver lo invisible y comprender lo ininteligible. En todo acto creativo, el verdadero artista es aquel que regresa de los estados de “contemplación de los mundos verdaderos” –trascendentes-, “quién ha tocado las esencias, quién contempló la belleza en su origen, puede ser su mensajero y, ese mensaje se dará en su obra”.

Desde esta visión según C. Martín, artista será cualquier ser humano que así participe y se sienta arrastrado hacia aquellas regiones esenciales. “En ese mismo instante, en que es tomado por lo eterno, todo ser humano es creador”; “…está creando la belleza desde lo hondo de sí mismo, y su recreación posterior formal, será secundaria. Si la obra de arte tiene un valor y un valor sagrado, es por el movimiento interno que el artista tuvo al conectar con el estadio de la belleza”. “El valor está en la belleza, y el que su contemplación se traduzca en una determinada obra, dependerá de la peculiar manera de existir y de actuar de la persona que contempla”. “Pero, desde la contemplación, toda obra es creación”. “Lo valioso de una obra de arte no es lo que aparece a los sentidos, sino el haberse creado desde la lucidez de la contemplación.

La luz creadora tiene camino de ida y vuelta. Esa labor creativa es loable, en la medida en que trae un mensaje de lo verdadero, de la dimensión superior. Si tocamos con lucidez, aquello que la vida es en esencia, todo será transformado en obra de arte. Los valores culturales varían igual que cambia el pensamiento, pero la belleza no cambia. La vida, igual que el arte es creativa y se descubre contemplando. Por eso, la vida creativa y la obra de arte coinciden en esencia. A esta conexión con lo Uno, con la vida única, le podemos llamar inspiración. La inspiración es una gracia, siempre inesperada, siempre distinta a lo imaginado. Es un movimiento inteligente.

Hemos querido ofrecer en estos artículos una visión del acto creativo desde distintas perspectivas: directa y experiencial del artista, de la psicología avanzada, de la filosofía trascendente.

Para finalizar, desde mi visión afirmo que, el acto creativo tiene su origen en el estado creativo de la conciencia, desde el que se vivencia la unidad de consciencia. Perla Guggiana

P ara poder expresar mi punto de vista en este trabajo, he recurrido a varios autores cuyos trabajos son conocidos y a los que agradezco sus aportaciones. Ken Wilber : “La Conciencia sin fronteras”. Carl G. Jung “El hombre y sus símbolos”. Consuelo Martín. “La vida como inspiración”. Kandinsky “De lo espiritual en el arte”. Willigis Jäger “La ola es el mar”. Claudia G. Sánchez “Los símbolos y su importancia para comprender la vida” y “Mística y símbolo en el Arte de Sánchez Kelly”.

LA BÚSQUEDA DE LA ESENCIA ARTISTAS DEL SIGLO XX y XXI (Primera parte)

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 02 May 2020 10:11:40 GMT

El propósito de este trabajo es informar a los amigos y amigas del Proyecto Museo del artista Oscar Sánchez Kelly, la filosofía que lo inspiró, que no fue extraña a los movimientos artísticos y filosóficos que caracterizaron a las vanguardias del siglo XX, desde sus inicios en 1900 hasta nuestros días.

En este trabajo haremos un breve recorrido por este periodo de la historia de las artes visuales, para recordar el desarrollo del proceso filosófico que se fue gestando y desplegando en los artistas modernos, hasta llegar a la posición actual, desde nuestra perspectiva.

Los artistas han sido, en todos los tiempos, instrumento y portavoz del espíritu de su época. Los mismos artistas han reconocido esta interrelación entre la obra de arte y su tiempo. En este sentido Kandinsky expresó: “Cada época recibe su propia medida de libertad artística, y aún el genio más creador no puede saltar los límites de la libertad”. Algunos pocos sí lo saltaron; por eso hay obras que llegan a nuestros días, sin perder su valor y vigencia artística.

Es opinión generalizada de los expertos, que la finalidad del arte contemporáneo, es dar expresión a la visión interior, al fondo espiritual de la vida y del mundo. Esta visión del arte, su expresión y fundamentos filosóficos se inician – con matices- en los artistas de principio del siglo XX, continuando hasta el presente siglo XXI. Hemos tomado como referencia a artistas consagrados del siglo XX y, en el siglo XXI al artista SANCHEZ KELLY.

En el Siglo XX, el arte moderno nos proporcionó artistas geniales, que fueron fieles representantes de su época y algunos, incluso, la trascendieron. Uno de estos artistas fue Kandinsky , que en su ensayo titulado Concerniente a la forma escribió:”El arte de hoy en día incorpora la madurez espiritual hasta el extremo de la revelación”.

Las formas de esta incorporación se encuentran en dos polos: la gran abstracción y el gran realismo. Dichas expresiones, que caracterizaron a ese período artístico, lo condujeron a una meta final: la interrelación e integración de ambos polos recíprocamente.

Los grandes artistas del siglo XX buscaron dar forma visible “a la vida que hay tras las cosas” y, sus obras, fueron una expresión simbólica de un mundo que “está tras la consciencia”. De este modo, la creatividad que surgió, apuntó a la realidad Una, a la vida Una, a lo que la tradición filosófica oriental llama la consciencia de unidad.

En esta línea, Franz Marc expresó: “La meta del arte es revelar la vida supranatural que hay tras todas las cosas, romper el espejo de la vida, de tal modo que podamos mirar el rostro del Ser”. Piet Mondrián nos dice que…”tras las cambiantes formas naturales, reside la incansable realidad pura”. La meta de aquellos artistas fue algo mayor que un problema de formas; su meta era el centro vital, el fondo sin cambios y una certeza interior. El arte convertido en misticismo, aunque ajeno al cristianismo, se abrió camino.

A partir de entonces, se percibe una nueva significación histórica y simbólica del arte moderno. Uno de los que percibió ese fondo místico fue KANDINSKY: ”…la importancia de las obras de arte de todos los tiempo, no residía, a su modo de ver, en “la superficie, en lo externo, sino en la raíz de todas las raíces: el contenido místico del arte”. Apunta que: “los ojos del artista han de volverse siempre hacia su vida interior, y sus oídos han de estar siempre alertas a la voz de la necesidad interior. Esta es la única forma de dar expresión a lo que ordena la visión mística”.

En este mismo sentido FRANZ MARC escribió:”…la contemplación del mundo, se ha convertido en la penetración del mundo. No hay místico que, en el momento de su rapto más sublime, no alcance siempre la abstracción perfecta del pensamiento moderno…”.

Paul Klee , considerado el poeta de los pintores modernos, dice: “Es misión del artista penetrar cuanto sea posible en ese terreno secreto”, “…en la creación está escondida la clave secreta de todas las cosas”…, “…no es cuestión de reproducir meramente lo que se ve…”,“…lo percibido secretamente se hace visible…”,”…ni es mi cabeza la que funciona en mi obra; es algo más...”.

En este período artístico, destaca un gran artista abstracto, Jackson Pollock, quién describe el acto creativo como un estado de “trance”, igual que lo hizo Duchamp, del que ya hemos hablado. En Mi pintura Pollock escribió: ”Cuando estoy pintando no me doy cuenta de lo que hago. Solamente después de un periodo de “alcanzar conocimiento” veo lo que estoy haciendo. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc. porque la pintura tiene una vida propia. Trato de dejarla ir por su cuenta. Solo, cuando pierdo contacto con la pintura, es cuando resulta una mezcolanza. De no ser así, hay armonía pura, un sencillo toma y daca, y la pintura sale bien.” Según nuestra interpretación, esta coincidencia se debió a que, en la época en que ambos artistas escribieron sus obras, aún no se conocían los estudios de los distintos estados de la consciencia.

La pintura de Pollock, según Aniela Jafeé, representa “la nada que es el Todo”. Veremos en la Segunda parte de este trabajo, que el proceso creativo descrito por Pollock, tiene hoy otra interpretación, si lo vemos desde el espectro de la conciencia, así como desde mi propia visión y experiencia personal, en relación con la obra de Sánchez Kelly.

(Continuaremos)

Como mirar la obra de arte de un modo nuevo

Tue, 21 Apr 2020 20:48:02 GMT

¿A qué nos induce la obra de Sánchez Kelly?

Los años 90 tienen una significación importante en la trayectoria de OSK. Al fin logra situarse en la forma pura- colores y símbolos- que fue la fórmula que alcanzó para inducirnos a un viaje hacia nuestro interior, para que despertemos a nuestra conciencia.

En esta etapa se comporta como un maestro, ya no pretende reflexionar, solo conducirnos de la mano para que no temamos ni huyamos de circunstancias que no entendemos, pero que nos toca vivir. En eso radica su maestría. Claudia G. Sánchez nos dice, que al fijar nuestra mirada en trazos que no comprendemos, en figuras que no hallamos, surge espontáneo nuestro Yo más profundo para imaginar, y en esa imaginación nos convertimos en co- creadores para participar activamente, y ya no dejarnos conducir. El artista, a través de su obra, crea y despierta en el observador muchas vivencias internas- sensaciones, recuerdos, sentidos, emociones, sentimientos, reminiscencias- revive situaciones que lo transportan a otras experiencias, o lo trasciende temporalmente a otras dimensiones más sutiles que también somos y vivimos, la mayoría de las veces inconscientemente.

Una obra de arte completa, verdadera, es aquella que nos lleva más allá de la razón, y nos impulsa a un viaje inusitado de experiencias diversas: emocionales, sensoriales y también espirituales. Desde esta perspectiva, SANCHEZ KELLY nos dijo: “Toda manifestación artística actual reclama su derecho a ser contemplada activamente, necesita de otros para sentirse completa”.

Una obra de arte es un símbolo sin tiempo ni identidad.

Una obra de arte trasciende al artista y a la obra misma, es un instrumento, una oportunidad, un gozo, una luz, un despertar a nuestra conciencia más sutil. Atrevámonos a mirar de un modo nuevo la obra de arte, cada una nos renueva, nos abre puertas interiores, nos brinda otras y nuevas oportunidades para descubrirnos, para conocernos, para romper barreras y vernos a nosotros mismos, sin miedos ni culpas. ”Hemos de intentar dejarnos arrastrar por la magia de la expresión artística y ver en ella lo que en verdad representa: una oportunidad de apertura brillante para poder descubrir algo siempre nuevo cuyo reflejo nos permita percibir su verdadera entidad, si disponemos del tiempo y de ganas, si no tenemos miedo a dejarnos ir, si realmente deseamos ser transportados, seducidos por su presencia….En la observación, hemos de dar más importancia a lo que percibimos de nosotros que a lo que sentimos…” Claudia G. Sánchez.

El eslabón perdido en la obra de Sánchez Kelly

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Tue, 21 Apr 2020 20:42:50 GMT

La expresión artística de Sánchez Kelly fue el instrumento que le permitió desarrollar la capacidad de conectarse con su dimensión espiritual, exponer su proceso de despertar a la conciencia, y manifestar su creatividad. OSK nos dejó un mensaje trascendente, no escrito con palabras, sino a través de símbolos, color y forma, pintado paso a paso y a lo largo de más de medio siglo, según nos revela su hija, - experta en su obra- Claudia G Sánchez-, en la Segunda parte del libro “Mística y Símbolo en el Arte de Sánchez Kelly”, óptica desconocida hasta su publicación en el año 2018, por los que lo conocieron y contemplaron su obra.

El Proyecto Museístico dedicado al artista, centra la reflexión en la simbiosis ARTE- ESPIRITUALIDAD. El Arte, como lo expresó Elbert Hubbard, “no es una cosa, sino un camino”, camino transformador, para el artista y para el espectador ocasional que decida - con el corazón limpio- contemplar una obra.

En el largo proceso de la vida, hay una energía imperturbable -a la que podemos llamar ESENCIA- que nos conduce, nos ayuda a despertar del sueño de la vida, a transformarnos, a crecer y a seguir buscando en nuestro interior esa luz, esa fuerza. Sánchez Kelly pertenece a la élite de artistas que buscaron y buscan la ESENCIA; él nos la pintó y nos señaló el camino hacia la Unidad de Conciencia, hacia una nueva visión, que es atemporal y universal.

Esa ESENCIA es nuestra unión con lo infinito que también somos, esa Luz, es única; nos da una individualidad solo aparente, pues todo lo que acontece sale de la misma Fuente y es única para todos. Esa es la ESENCIA que persiguió y pinto OSK. Ese es el eslabón perdido. Hallémoslo.

La obra de SK nos sirve de guía e instrumento en ese proceso y, es uno de los objetivos fundamentales del proyecto MUSEO SANCHEZ KELLY. Sus promotoras pretenden que sirva de instrumento y recordatorio, al ser humano de cualquier tiempo y latitud, de cuál es su verdadera identidad o ESENCIA.

Dos artistas. Dos Obras. Un grito. Munch-Sánchez Kelly

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Tue, 21 Apr 2020 20:36:06 GMT

En 1893 el artista noruego Edvard Munch presenta la obra “El Grito” de la que realizó cuatro versiones con distintas técnicas, y en 1895 una litografía que se imprimió en periódicos y revistas, permitiendo con el tiempo, su gran divulgación y popularización. En 1892, él mismo nos describe la obra en su diario: “Paseaba por un sendero con dos amigos, el sol se puso. De repente, el cielo se tiño de rojo sangre, me detuve, me apoyé en una valla muerto de cansancio: sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad. Mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza…” Es una obra de gran fuerza emocional y, la banalización de la imagen, realizada posteriormente en la cultura popular, se interpreta como un intento por desactivar la incomodidad que provoca en el espectador, la emoción que refleja. “El grito” de Munch simboliza a un hombre en un momento de profundo miedo, angustia y desesperación: el No Ser.

¿Qué significado tiene la obra “El Grito” de Sánchez Kelly, pintado en 1989, casi un siglo después de Munch y en otro continente?

Podríamos decir -en un intento por abreviar- que significa lo opuesto. “El Grito” de Sánchez Kelly, sin lugar a dudas, manifiesta y pone de relieve, como ninguna otra obra, la necesidad firme y clara de SER, en toda la extensión de la palabra. Se precisa autenticidad y fuerza para sacar lo que escondemos, a fin de limpiar nuestro interior de malezas inservibles, que confunden y provocan que perdamos la conexión con la fuente que nos crea y crea todo. Es necesario evocar los sentimientos más profundos, blandir el valor, sin miedos, para simplemente SER.

Sánchez Kelly fue un hombre honesto y un artista valiente, que tuvo el coraje de ser el mismo y expresar su creatividad para…. “remitirnos al lugar donde meditar sobre la capacidad creadora y modificadora del Ser...”Marino Santamaría.

Dos artistas. Dos manifestaciones. Un grito.

Con su obra “El Grito”, Sánchez Kelly cierra la década de los 80, subrayando el matiz fundamental que es necesario e imprescindible para continuar caminando hacia la Unidad, hacia la Totalidad, para hallar el sentido a la existencia. SER Y VERDAD están íntimamente ligados y no puede continuarse en un camino de búsqueda de lo esencial, sin pasar por este tamiz. Claudia Guggiana y Perla Guggiana en “Mística y Símbolo en el arte de Sánchez Kelly. Eternity Ediciones. Madrid.

El arte creativo de Duchamp a Sánchez Kelly (Tercera Parte)

Tue, 21 Apr 2020 20:04:14 GMT

El acto creativo, desde la visión de M DUCHAMP- como venimos comentando- es un proceso mediumístico, una especie de “trance” inconsciente en el que se sumerge el artista, estado que conlleva una cadena de reacciones totalmente subjetivas, fruto de las luchas internas consigo mismo y que él describe como “una serie de esfuerzos y emociones: dolores, satisfacciones, rechazos, decisiones, que no pueden ni deben ser plenamente conscientes, por lo menos en el plano estético”. (Ver Primera Parte en Publicaciones. www.sanchezkelly.com).

Desde que M. DUCHAMP formuló esta interpretación, ha pasado más de medio siglo y hoy, es preciso desvanecer esa interpretación, desde la óptica que nos ofrecen los estudios de la consciencia aportados por especialistas como Ken Wilber, para quién la ausencia aparente del “yo” racional o superficial, no significa ni un trance ni una pérdida de toda sensibilidad, se trata de una sensación que ha sido mal entendida y mal interpretada. (Recomiendo la lectura de su libro: “La consciencia sin fronteras”).

¿Cuál ha sido la experiencia de SÁNCHEZ KELLY durante el acto creativo, interpretado desde la visión actual de la consciencia?

El estudio de los símbolos, llevado a cabo por Claudia G. Sánchez -experta en simbología y estudiosa de la obra de su padre- nos dice que el artista vivió y experimentó distintos estados de consciencia, que eran especialmente evidentes durante el estado creativo, en esa labor, trascendió el nivel de la consciencia personal o racional y se sumergió en el ámbito supraracional o transpersonal, que es el nivel en el que se manifiesta la obra mística, nivel definitivo que alcanzó su obra en los últimos años. Al trascender el nivel de la mente racional, se adquiere un estado de mayor lucidez - no inconsciencia- y en el que las demás dimensiones quedan integradas.

¿Cómo se produce este proceso? El artista es un “contemplador” de la Realidad; Sánchez Kelly practicó toda su vida -desde sus inicios- la contemplación o la observación consciente de la realidad, que implica “retiro y silencio”; es estar “presente”, práctica que es común en los meditadores y en los artistas, esta disciplina conduce a la experiencia de la conciencia transpersonal, en la que el artista o el “observador”, no se identifica con el “yo” superficial y, accede por fin a un ámbito de libertad, que le permite experimentar una realidad donde el ego, deja de ser el factor dominante. Sin embargo, es un estado consciente, despierto, abierto y libre.

Ese es el estado desde donde SÁNCHEZ KELLY encaró su quehacer artístico, práctica que fue, poco a poco, horadando las barreras o demarcaciones interiores del espectro de la consciencia, abriéndose paso con tenacidad y experiencia vital, hasta trascender los linderos de ese “yo” personal y, situarse al final, en el nivel de la consciencia transpersonal, que es el estado desde donde experimentó el acto creativo.

Desde DUCHAMP a SANCHEZ KELLY hay un camino de conocimiento y autoconocimiento de la consciencia, que todo artista serio transita, por eso el arte es un escenario apto, donde se produce la simbiosis entre arte y espiritualidad, que favorece el despertar de la consciencia de unidad, despertar al que la humanidad está encaminada. “Hoy en día, el ser humano se encuentra en el umbral del siguiente nivel de consciencia, y tanto su bienestar personal como la continuación de la raza humana, dependen mucho de que logremos traspasar este umbral”. Willigis Jäger.”La ola es el mar”. Ediciones Desclée De Brouwer. 16º edición 2017.España.

El arte creativo.El coeficiente artístico. El espectador. Duchamp-Sánchez Kelly Segunda Parte

Tue, 21 Apr 2020 19:58:35 GMT

DUCHAMP analiza y describe en la misma obra y capítulo citado en la Primera Parte: “Cartas sobre el Arte 1916-1956” el acto creativo como si de una ecuación aritmética se tratara. Describe este proceso en tres pasos; el primer paso es la intención, el segundo la realización y el tercero el resultado.

El proceso creativo -según Duchamp- en el que se halla inmerso un artista, conlleva una cadena de reacciones totalmente subjetivas, luchas internas del artista consigo mismo, que él describe como “una serie de esfuerzos y emociones: dolores, satisfacciones, rechazos, decisiones, que no pueden ni deben ser plenamente conscientes, por lo menos en el plano estético”. El tema de la conciencia del artista lo hemos tratado en la parte Primera y nos remitimos a ello.

El tercer paso, descrito por Duchamp es el resultado de una lucha y, cuyo resultado es la diferencia entre la intención y la realización, proceso que como viene sosteniendo, “el artista no tiene consciencia”. Pero, en esta cadena de relaciones que acompañan al acto creativo afirma que falta un eslabón: el coeficiente artístico, que lo define como la diferencia entre lo inexpresado pero intencionado, y lo expresado sin intención.

Este coeficiente es una expresión personal de arte “á l’ etat brut”, que aún está en “crudo” y necesita ser refinado, y aquí surge un nuevo elemento de la ecuación: “el espectador” que es quién experimenta el fenómeno de la transmutación. Duchamp otorga una importancia fundamental a la participación del espectador, a quién le atribuye “la capacidad de convertir la materia inerte en obra de arte”, como consecuencia de haberse producido el hecho de la transubstanciación, y en el que el papel del espectador es determinante, es el peso de la obra en la balanza de la estética.

Dice DUCHAMP que: “el acto creativo no lo realiza solamente el artista, la completa el espectador, que pone la obra en contacto con el mundo exterior, al descifrar e interpretar sus cualificaciones internas, y contribuir al acto creativo. Esta contribución es más evidente cuando es la posteridad, quién otorga su veredicto final y rehabilita a artistas olvidados”.

SÁNCHEZ KELLY, como DUCHAMP y la mayoría de los artistas consideran que una obra está terminada y adquiere vida propia, cuando se expone al espectador. En ocasión de presentar el mural “Tempo” expresó: “…Como toda manifestación artística moderna, reclama “su derecho” a ser contemplada activamente”. “Necesita de otros para sentirse completa”. “Por eso, quién desde hoy pase frente al mural y piense en las dudas, esperanzas, inquietudes y sueños de quién la plasmara- sentimientos que serán también los suyos- ya que se trata de un contemporáneo- advertirá de pronto, que tiene en sus manos la llave que abre la puerta a la emoción”…”En la medida que el casual espectador se interese…se preguntará y finalmente comprenderá que todas las respuestas están en uno mismo”. (Proyecto Museo Sánchez Kelly pág. 63-64)

Con su expresión, el artista crea y despierta en el espectador, vivencias, recuerdos, sentidos que producen una simbiosis en la que juntos crean y se recrean mutuamente en una mutua contemplación, instante creador que culmina en un abrazo mágico y sutil, que sólo el arte lo inspira.

Perla Guggiana

EL ACTO CREATIVO Primera parte

Wed, 08 Apr 2020 14:35:18 GMT

PRIMERA PARTE

¿ DONDE SE ORIGINA EL ACTO CREATIVO ? ¿En qué dimensión de la consciencia? Es un tema que merece la reflexión y la iniciamos con un texto de MARCEL DUCHAMP, publicado en un pequeño libro titulado: “Cartas sobre el Arte 1916-1956”, subtitulado: “Seguido del acto Creativo”. Desde que fue escrito –hace más de medio siglo- y, aunque Duchamp intuyó el proceso, hoy, gracias a la investigación de la ciencia y especialmente sobre la conciencia, tenemos otra interpretación.

“Según toda apariencia, el artista actúa como un ser mediumístico que desde un laberinto, más allá del tiempo y del espacio, busca la salida hacia la luz”. “Si se le da el atributo de médium, debemos negarle el estado de plena consciencia, en el plano estético, respecto a lo que hace y por qué lo hace. Todas sus decisiones, en la ejecución artística de la obra permanecen en el dominio de la intuición pura, y no puede traducirse en un auto-análisis, hablado o escrito, ni tan siquiera pensado”.”Los artistas rechazan este papel de médium e insisten en la validez de su plena conciencia durante el acto de creación en su intento por describir el mecanismo subjetivo que produce Arte en estado bruto- à l’ etat brut-. Resumiendo: según DUCHAMP el artista no es consciente del acto creativo.

Representantes de la psicología más avanzada reconocen diferentes niveles de consciencia. El investigador de la consciencia, mundialmente conocido Ken Wilber, nos introduce magistralmente a través de su libro: “La conciencia sin fronteras” (1ªEdición Esp. 1979) al concepto de “conciencia de unidad”. Reconoce que desde tiempos inmemoriales, el ser humano ha ido creando “demarcaciones artificiales”. La consciencia originalmente “pura y unitiva” funciona en diferentes niveles, con diferentes identidades y límites distintos. Distingue tres estados: Prepersonal, personal y transpersonal. El nivel mental personal es el de la consciencia del yo, consciencia cotidiana, con su racionalidad y lógica, es el nivel de la ciencia y la investigación universal conceptual. En el nivel transpersonal, la persona sobrepasa la consciencia del Yo (racional), es el nivel sutil donde se produce el acto creativo, su manifestación es a través de imágenes y símbolos. La mayoría no es plenamente consciente de este estado, y al operar desde un plano distinto de la razón, que tiene sus propias leyes y herramientas, no puede “explicar”, ni “autoanalizar” ni “pensar” como dice Duchamp, porque “estos son” mecanismos de la mente racional, no del plano transpersonal

El sentimiento del “yo” se expande hasta incluir totalmente aquello que en el pasado se creyó ajeno al “yo”. Los nuevos físicos cuánticos y la filosofía oriental, no ven la realidad como algo hecho de fronteras, sino como una trama no dual de diseño imposible de separar, que Whitehead llamó “un entretejido sin costuras del universo”. (Continuaremos).

¿HACIA DÓNDE?

183:823353763 (Perla Guggiana Palacio) — Sat, 04 Apr 2020 21:00:19 GMT

En estos momentos difíciles para todos, queremos hacer llegar nuestro saludo y apoyo a la Ciudadanía del Chaco, incluida sus autoridades y Gobierno, y a este Diario Norte que nos permite llegar cada semana a todos vosotros.

Creemos que la cultura y el arte son esenciales en estas situaciones, porque nos ayudan a entender y a reflexionar no solo sobre el momento, sino sobre nuestra Esencia que es inmutable, permanente e infinita.

Presentamos hoy, en un momentos de gran incertidumbre la obra ¿QUÉ DIRECCIÓN? en la que SANCHEZ KELLY va describiendo los diferentes estados por los que atravesamos en el camino de la vida, especialmente en momentos difíciles como el que nos toca vivir y en el que buscamos una respuesta. Nos recuerda, que en nuestro tránsito vital, “todo sirve” y “todo vale”, que nada cae en saco roto y que, aún en esta tesitura de desorden y crisis, debemos seguir caminando.

En ¿Qué dirección? OSK nos introduce en la confusión, en el aletargamiento, en los pensamientos contradictorios (dos caras y cuerpo fragmentado en compartimentos aislados) que existen en el ser humano debido su luchas internas en varias direcciones; consigo mismo, por encontrar sentido a su vida; con la sociedad, por encajar en el entorno, en el tiempo y encontrar una salida en momentos de crisis. (Semicírculo azul en el extremo superior del cuadro).Esta necesidad lo ahoga y conmueve sus cimientos.

El miedo, la incertidumbre, acobardan al individuo. Lo convencional lo ahoga, no encuentra respuesta ni salidas claras pero, romper con lo tradicional y encaminarse sólo en un nuevo sendero, no es fácil.

El ser humano se encuentra perdido en una maraña de acontecimientos externos y pensamientos contradictorios. En su obra “Marioneta escenario” (1988) nos dice que la existencia sin conexión verdadera y profunda con la Fuente creadora, con la Esencia, no tiene sentido, aniquila y destruye, es necesario volver, recuperar el centro. Toda crisis conlleva cambios profundos. En esta obra nos muestra con una claridad terrorífica como el ser humano se pierde y se destruye a sí mismo, cuando se olvida de su esencia, de la grandeza que lo contiene.

Nos recuerda que a pesar de las circunstancias es imprescindible mantenerse firme y no perderse de uno mismo. Así simplifica OSK la situación del caminante, el ser humano que vive volcado en el exterior, que edifica su vida sobre cimientos de barro, que no busca la verdad, y que en momentos de dificultad no tiene herramientas válidas a la que asirse.

Aprovechemos estas circunstancias de crisis, para volver sobre nosotros mismos y empezar de nuevo, sobre bases sólidas. La verdad y la fuerza se encuentran en el interior de cada uno, pero, buscar la verdad y hallarla, implica realizar un camino arduo y en solitario que pocos quieren realizar.OSK emprendió ese camino no sólo a través de la pintura, sino en toda la extensión de su existencia. Fue un hombre sin doblez, auténtico, que supo encajar los roles que le tocaron con honradez, permitiéndose licencias arriesgadas, expresadas no solo en su obra, sino también en sus palabras y gestos. La autenticidad es un paso previo en el camino de dejar atrás lo convencional para aterrizar en camino firme.

Perla Guggiana y Claudia G. Sánchez

¿LOS MUSEOS, LOS NUEVOS TEMPLOS DE DIOS?

Sat, 04 Apr 2020 20:52:36 GMT

“Dios no ha desaparecido, pero sí ha dejado de ser vigente” -afirma Carmen Reviriego. Los visitantes de los museos - desde su visión- son peregrinos a eso nuevos templos, surgidos de los huecos dejados por la “falta de vigencia de Dios en nuestras sociedades”. “Peregrinos que van buscando “eso” que encontramos cuando estamos frente a una gran obra… una conversación profunda y sincera desde un “adentro” hasta otro “adentro”, tras la cual quedamos irremediablemente tocados en lo más hondo y por tanto humanizados…” “...quizás los peregrinos de la Tate, iban como yo, en busca de un nuevo templo de Dios”.(Revista Forbes –México, 25 Sep. 2017)

El texto transcrito nos pareció interesante y motivó esta reflexión sobre la dicotomía Templo-Museos. La pérdida de vigencia en nuestra sociedad occidental no es Dios, sino la “idea de Dios” que propagan las instituciones religiosas tradicionales, las que sí han perdido vigencia debido a múltiples causas, entre las que podemos señalar dos: el triunfo de la moderna cosmovisión científica y la oferta teológica. La teología- según el Monje Benedictino y Maestro Zen Willigis Jäguer- no toma en consideración los conocimientos de la ciencia moderna y, la idea de Dios que propaga está influenciada por un concepto anticuado del mundo, que hoy se torna insostenible. (“La ola es el Mar”, pág.38 Edit. Desclée De Brouwer 2017.)

No es la existencia de Dios la que está en juego en la sociedad, sino las teorías, la teología, los dogmas que hablan de Dios. Las religiones teístas llevan a una visión dual que crea un abismo profundo entre Dios y el mundo, visión que se torna insostenible a la luz de los avances científicos. Diversas circunstancias, especialmente la ciencia, empujan a la humanidad a un proceso evolutivo veloz, del que Dios no está excluido. Werner Heisenberg formuló la siguiente frase que resume el binomio Ciencia-Dios: “El primer sorbo de la copa de las ciencias vuelve ateo, pero en el fondo de la copa Dios está esperando”. (pag.127 ob.cit.)

El abismo entre “Dios y el mundo” se está desintegrando, porque gran parte de la humanidad se encamina a una religiosidad aconfesional, traducida en una búsqueda personal a través de corrientes espirituales basada no en creencias, sino en experiencias directa, y cuyo objetivo es liberar a las personas de su estado de adormecimiento, despertar la conciencia, y guiarlas a la experiencia de Unidad.

Dentro de cada individuo se esconde “el secreto”, y en ese sendero buscan muchos, siguiendo un llamado interno. El arte en su expresión, arrastra al espectador a sumergirse en multitud de dimensiones que, a menudo, se escapan de su yo consciente y le sumergen en un viaje hacia sí mismo que no tiene fin. En este sentido, los Museos ofrecen al espectador, el escenario apto que facilita, a través de la contemplación de la obra de arte “ese” encuentro; fuera, se hallan los estímulos que nos impulsan a ese “otro adentro” del que habla Carmen Reviriego. Los nuevos templos de Dios - para muchos- no están fuera, están dentro del corazón de cada uno.

En la medida en que se busque allanar el camino a otros, para producir el reencuentro consigo mismo, con “eso” intangible que habita en nosotros y que algunos llamamos Dios, Creador, Gran Conciencia, Todo, o Unidad, es válido orientar las colecciones que se seleccionen como contenido de los Museos de arte, para que sus simbolos ayuden e impulsen en esa dirección.

Sánchez Kelly edificó su propio “templo interior”, y quiso compartir con nosotros, escribiendo con imágenes el tránsito o proceso de esa Realidad para conducirnos -sin atajos- al encuentro con nuestro sí mismo, con nuestra verdadera identidad o esencia. Esta es la filosofía que inspira el Proyecto Museo Sánchez Kelly de la Ciudad de Resistencia-Argentina.

Perla Guggiana y Claudia Guggiana